CARRUSEL DE JESSE HAMM
Carrusel 021: Dibujo vs. Caricatura
Lea cualquier colección de viñetas de un solo panel, en la que las viñetas estén organizadas desde principios del siglo XX hasta la actualidad, y observará una curiosa tendencia. Las primeras viñetas parecen ilustraciones serias, con amplios sombreados lineales, fondos detallados y figuras realistas. Pero a medida que avanza el siglo, las viñetas se vuelven más sencillas, con muy poco sombreado, fondos escasos y figuras exageradas.
Lo que revela esta tendencia es una progresión de viñetas menos eficaces, dibujadas con métodos tradicionales, a viñetas más eficaces, en las que se eliminan los detalles superfluos y se enfatizan los elementos narrativos clave. A lo largo de las décadas transcurridas desde que se popularizaron los paneles de chistes, los dibujantes se han vuelto cada vez más expertos en adaptar la tarea de dibujar a la de contar chistes. Hoy en día, casi nunca se ve un panel de chistes dibujado con el mismo estilo detallado que una ilustración realista.
Sin embargo, los dibujantes de cómics no humorísticos siguen luchando por equilibrar sus objetivos narrativos con su compromiso con el realismo. Mientras que una cosa es dibujar un náufrago narigudo en una isla de un solo árbol para reírse, una historia sobre un náufrago real en una isla real parecería exigir un mayor realismo. Pero, ¿cuánto realismo es apropiado? ¿Deberían los cómics no humorísticos ser idénticos a los dibujos tradicionales, independientes, o requiere siempre el medio del cómic un enfoque modificado?
Incluso cuando un cómic aspira a un realismo extremo, yo diría que debe diferenciarse en ciertos aspectos de los dibujos aislados para ser eficaz. El cómic debe diferenciarse del arte tradicional por la misma razón que las escaleras deben diferenciarse de las sillas: Los dibujos tradicionales están diseñados para mantener la mirada del lector; los cómics están diseñados para pasar la mirada del lector de forma fluida hacia adelante. Cuando los dibujantes abordan el cómic como si se tratara de arte independiente, sus cómics se vuelven rebuscados y vacilantes, impidiendo una lectura fluida. Esto se debe a que utilizan técnicas diseñadas para captar la atención del lector, en lugar de hacerla avanzar.
Examinemos varias de esas técnicas "independientes", para que tengas cuidado de no dejar que inhiban tu dibujo animado.
1. Composiciones cerradas
Los dibujos estándar intentan acorralar la atención del lector disponiendo las áreas de interés de forma equilibrada a lo largo de la imagen. Crean una constelación de elementos interesantes, de modo que el lector mira del elemento A al elemento B, al elemento C y luego de nuevo al elemento A, recorriendo repetidamente la imagen y absorbiendo sus detalles por el camino. Así, si en un dibujo aparece una figura a la izquierda y a la derecha sólo hay espacio vacío, el artista puede colocar un mueble u otro objeto a la derecha para evitar que la mirada del lector se desvíe hacia la derecha del dibujo.
Sin embargo, un dibujante no necesita acorralar la atención del lector dentro de la imagen. La composición del panel puede permanecer abierta, permitiendo que la atención del lector se desplace hacia la derecha a través del panel y sobre su borde hacia el panel siguiente. La necesidad de "cerrar" la composición mediante una disposición equilibrada de los elementos que captan la atención es un vestigio del arte tradicional, del que el cómic puede prescindir.
2. Expresiones faciales oscurecidas
En las ilustraciones o las galerías de arte, lo importante suele ser la escena en su conjunto, por lo que los rostros de las figuras que la pueblan pueden estar a veces oscurecidos por sombras o de espaldas al lector. Pero en los cómics, el lector suele seguir la historia de los personajes, preguntándose por el camino cómo reaccionarán y qué harán a continuación. El mejor indicador de los pensamientos o intenciones de un personaje es su expresión facial. Así, mientras que un dibujante tradicional puede oscurecer los ojos o la cara de un personaje con sombras, o apartar la cara del lector, un dibujante "engañará" la cara hacia el lector, y evitará sombrear los ojos y la cara siempre que sea posible.
Los dibujantes de manga son especialmente buenos en esto. Compara el manga realista con los cómics realistas occidentales y verás que las emociones de los personajes del manga son mucho más fáciles de identificar.
3. Objetos que atraviesan paneles no adyacentes
Cuando los artistas tradicionales ensamblan imágenes en un collage, les resulta útil superponer los distintos elementos; esto crea unidad e invita a la atención del lector a pasar fácilmente de cada elemento al siguiente, como el agua que cae en cascada por una fuente.
Sin embargo, este enfoque suele fracasar cuando el artista traslada esa misma sensibilidad a una página de cómic. El artista puede decidir que quedaría bien extender un objeto desde el panel 3 hasta el panel 1, o desde el panel 2 hasta el panel 4, lo que puede quedar muy bien si la página estuviera destinada a colgarse en una pared, como un collage. Pero una página de cómic no está pensada para ser leída como un collage. Si la mirada del lector se desviara del Panel 1 al Panel 3, o viceversa, se violaría el orden de lectura y se confundiría la narración. A diferencia de los artistas tradicionales, los dibujantes deben recordar el orden de lectura y tener cuidado de no extender objetos entre paneles que no sean adyacentes en el orden de lectura.
4. El espectáculo por encima de la narrativa
Los artistas que llegan al cómic desde una formación artística tradicional suelen dar prioridad a los objetos con mayor atractivo visual, en lugar de a los objetos con mayor importancia narrativa.
Por ejemplo, supongamos que una página del guión tiene a una heroína llamada Lisa corriendo por un zoo para encontrar a su hija perdida, y que en el último panel descubre el zapato de su hija en el suelo. Un artista tradicional querría dedicar el mayor espacio posible a los asombrosos animales por los que Lisa pasa a toda prisa. Leones, tigres y osos. Pero un dibujante se dará cuenta de que esos son elementos triviales de fondo; el clímax emocional de la página es el inquietante descubrimiento de Lisa. A pesar del mayor atractivo visual de las criaturas exóticas, el mayor énfasis debe ponerse en la cara de Lisa, o en el zapato, o en ambos.
5. Indiferencia hacia los globos sonoros
Los no dibujantes que se inician en la caricatura no suelen dejar espacio para los globos sonoros, que no aparecen en el arte tradicional. Para remediarlo, pueden empezar a dejar espacio extra en sus paneles, pero eso por sí solo no bastará.
Supongamos que dejo espacio para el diálogo a la izquierda de un personaje mientras martilla un clavo a su derecha y accidentalmente se golpea el pulgar. Su "¡Uy!" debería aparecer a la derecha del pulgar, DESPUÉS de que se lo haya clavado, no a la izquierda. Si leemos su "¡Uy!" antes de ver su percance, habrá una desconexión, como cuando vemos una película doblada en la que las voces y los labios no coinciden.
Este tipo de fallos se producen con demasiada frecuencia en los cómics, donde los globos de diálogo sólo ocupan un espacio extra. A diferencia de los artistas tradicionales, los dibujantes entienden que los dibujos y los globos sonoros no son sólo vecinos, sino compañeros.
6. Bloqueo incoherente
Los artistas tradicionales han recurrido durante mucho tiempo a la referencia fotográfica para conseguir realismo en sus obras. Los dibujantes de cómics también utilizan a menudo referencias fotográficas para dibujar con realismo. Sin embargo, es raro encontrar fotos que coincidan exactamente con las actividades fluidas de los personajes, de panel a panel. Incluso cuando los dibujantes toman sus propias fotos de referencia, suele haber una desconexión entre lo que aparece en la cámara y lo que mejor se adaptaría a la página. Puede que los ángulos y las poses funcionen bien individualmente, pero después de colocarlos en fila, es posible que haya que retocarlos para que la narración sea fluida.
"Bloqueo" es un término teatral que designa las posiciones que adoptan los actores en el escenario a lo largo de una escena. Los artistas tradicionales tienden a pensar menos en el bloqueo que en seguir su referencia fotográfica, pero un buen dibujante dará prioridad al bloqueo. Las posturas de los personajes deben seguir la línea de lo que les precede en los paneles anteriores y servir a la narración, aunque eso signifique cambiar o ignorar lo que se ve en las fotos de referencia.
7. Ángulos de cámara alborotados
Los artistas tradicionales evitan repetir la misma composición, que en un portafolio o una exposición en una galería parecería monótona y derivada. Por eso, cuando prueban suerte en el mundo del cómic, se esfuerzan por encontrar una composición nueva y atrevida para cada panel. Desgraciadamente, esto puede dar lugar a una lectura accidentada. Los "ángulos de cámara" variados pueden añadir interés a un cómic, pero en muchos lugares la narración se verá mejor servida por un ángulo fijo. Los cambios en la expresión o el comportamiento de un personaje de un panel A a un panel B se verán más nítidos si el fondo permanece constante.
Éstas son sólo algunas de las diferencias entre los objetivos del dibujo tradicional y los de la caricatura. Cuando te dispongas a contar tu historia a través de imágenes, recuerda que los métodos tradicionales de dibujo no siempre son aplicables. Puede que hayas estudiado dibujo, pero ahora estás contando historias. No sólo estás dibujando, ¡estás caricaturizando!
Nos vemos aquí el mes que viene.
Carousel, de Jesse Hamm, aparece el segundo martes de cada mes en Toucan.