LE DILETTANTE DE STEVE LIEBER
Dilettante 017 : Des erreurs ont été commises
J'essaie d'aborder ma carrière comme un travail en cours. Je sais que je vais faire un certain nombre de mauvais choix au fur et à mesure que j'avance sur une planche, une page, un projet. Le truc, c'est de finir par les reconnaître pour ne plus les refaire. C'est ainsi que je gère les choses depuis plus de vingt ans maintenant. Pourtant, il est difficile de regarder son ancien travail et de voir des choix que je ne ferais jamais aujourd'hui. Tous les artistes aimeraient pouvoir remonter le temps, se donner un coup derrière la tête et dire : "Ne fais pas ça !".
J'ai donc demandé à des artistes expérimentés : "Si vous pouviez revenir en arrière et dire à votre débutant quelque chose à propos de son travail - une erreur à éviter, un point important à souligner - que diriez-vous ?" (Je leur ai également dit que leurs réponses resteraient anonymes, car personne ne veut donner à ses lecteurs une carte pour chercher des problèmes dans son travail publié).
1. Pour vos lecteurs, les bandes dessinées sont dessinées à l'aide d'une presse à imprimer ou d'un écran. Ne fétichisez pas l'art original ou les outils avec lesquels vous le réalisez. Tout ce qui permet de raconter l'histoire de la manière dont elle doit être racontée est le bon outil pour ce travail.
2. N'utilisez pas un emploi pour en auditionner un autre. Il y a beaucoup de choix à faire sur chaque page, toutes sortes de facteurs à prendre en compte. Mais si vous prenez le travail de narration au sérieux, un facteur qui ne devrait jamais entrer en ligne de compte dans votre décision est "comment puis-je utiliser cette page pour décrocher mon prochain emploi ?". La seule réponse à cette question devrait être "en racontant l'histoire aussi clairement et efficacement que possible". Ne soyez pas tape-à-l'œil, sexy ou explosif si le moment de l'histoire ne l'exige pas. C'est injuste pour vos collaborateurs et c'est trahir le lecteur.
3. L'expérience m'a appris que presque tous les choix importants pour la narration d'une page peuvent être faits au stade de la vignette (pour moi, il s'agit d'un croquis de 2 pouces de large sur 3 pouces de haut). (Le geste, l'angle de la caméra, le cadrage, l'agencement général des tons - faites ces choix avant de vous préoccuper de l'anatomie, de l'éclairage, des draperies ou des expressions faciales.
4. Réalisez un bon sous-dessin avant de finaliser une figurine. Si une figure ne fonctionne pas comme un mannequin de tubes et de boîtes construits sur une ligne d'action, vos techniques d'encrage astucieuses ne la feront pas fonctionner en tant que dessin fini. Oui, il y a des artistes qui peuvent mettre en place une ligne d'encre finale sans aucun sous-dessin, mais c'est parce qu'ils sont suffisamment compétents et expérimentés pour faire tout ce sous-dessin dans leur tête. Ce n'est probablement pas votre cas. Gardez les coups de maître pour les maîtres.
5. Ce que vous ressentez pendant que vous faites votre travail n'a pas vraiment d'importance. Ce que le public ressent lorsqu'il le lit l'est. Oubliez toute notion romantique. Vous pouvez être parfaitement heureux et faire un excellent dessin de quelqu'un qui agonise ou qui est en colère. Il est important de comprendre ce que vous dépeignez. Il n'est pas nécessaire d'en faire l'expérience en temps réel sur la planche à dessin.
6. Ne laissez pas votre souci d'exactitude vous empêcher d'agir. Il est facile de s'enliser dans des recherches ou des croquis préparatoires. Cela peut aussi être un poison. Si vous établissez un calendrier au début d'un projet, vous saurez de combien de temps vous disposez pour chaque aspect du projet. Faites de votre mieux avec le temps imparti, puis passez à autre chose. MAIS ...
7. Si le temps imparti est insuffisant pour effectuer le travail, refusez le travail. Votre nom figure sur le travail. Votre public ne connaît pas les circonstances dans lesquelles le travail a été réalisé et ne s'en préoccupe pas. Il veut seulement savoir si les résultats sont bons. Vous ne voulez pas qu'il associe votre nom à quelque chose de médiocre et d'insatisfaisant.
8. Les scénaristes : Si vous incluez une scène dans le scénario, sachez ce qu'elle doit accomplir et assurez-vous que votre artiste le sait aussi. Artistes : si vous dessinez une scène et que vous ne savez pas à quoi elle sert, posez la question. Si vous n'obtenez pas de réponse, prenez cette décision pour vous-même et prenez vos décisions de narration en gardant cette raison à l'esprit. Ne vous contentez pas de dessiner des choses parce qu'elles sont dans le scénario.
9. Il peut être utile de se fixer des règles, mais il ne faut pas que ces règles nuisent au résultat final. Une fois, je me suis fixé comme règle de n'utiliser que des contours et du noir solide pour dessiner une histoire. Pas de gris obtenus par un rendu au pinceau, des hachures croisées, un lavis ou toute autre technique. Puis j'ai trouvé un moment dans l'histoire que je ne pouvais pas rendre clair sans un peu de rendu. Je l'ai donc fait. Je ne pense pas que quelqu'un l'ait remarqué. Ils l'auraient remarqué s'ils n'avaient pas pu comprendre ce qui se passait.
10. Gardez les yeux sur votre propre travail. Les personnes qui dessinent (ou écrivent, etc.) "mieux" que vous ne sont pas une menace. Votre talent vous appartient. La pire chose que vous puissiez faire est d'être obsédé par quelqu'un d'autre ; cela étouffera vos meilleurs instincts et aboutira à un travail minable, compromis et motivé par la peur.
Continuez à faire ce que vous faites, essayez de nouvelles choses aussi souvent que vous en avez l'occasion et débarrassez-vous impitoyablement de tout ce que vous n'aimez plus. Vous ne serez jamais amoureux à 100 % de votre propre travail, et d'autres artistes déclencheront encore occasionnellement vos insécurités, mais vous finirez par acquérir la certitude que ce que vous faites est unique et authentique, et cela vous permettra de traverser les périodes difficiles sur le plan créatif.
Le Dilettante de Steve Lieber paraît le deuxième mardi de chaque mois sur Toucan !