カルーセル BY ジェシー・ハム
カルーセル 021ドローイングとカートゥーン
20世紀初頭から現在までの1コマ漫画を集めたコレクションを読めば、不思議な傾向に気づくだろう。初期の漫画は、直線的な陰影が多用され、背景が細かく描かれ、人物がリアルに描かれた、本格的なイラストのように見えるだろう。しかし、世紀が進むにつれて、ハッチングや陰影はほとんどなく、背景はまばらで、人物は誇張されている。
この傾向からわかるのは、伝統的な手法で描かれたあまり効果的でない漫画から、余分な細部を削ぎ落とし、物語の重要な要素を強調した、より効果的な漫画への進歩である。ギャグ・コマが流行し始めてから何十年もの間、漫画家は絵を描くという作業をジョークを語るという作業に適応させることにますます長けてきた。今日では、現実的なイラストと同じ細かいスタイルで描かれたギャグ・コマを見ることはほとんどない。
しかし、ユーモアのないマンガの作家は、物語上の目標とリアリズムへのこだわりとのバランスをとるのに苦労している。鼻の大きな漂流者を一本釣りの島で描いて笑いを取るのも一つの手だが、実在の島で実在の漂流者を描く物語には、より高いリアリズムが求められるように思われる。しかし、どの程度のリアリズムが適切なのだろうか？ユーモアのないマンガは、伝統的な単体の絵と同じであるべきか、それともマンガというメディアは常に修正されたアプローチを必要とするのだろうか？
極端なリアリズムを目指すコミックであっても、効果的であるためには、単体の絵とは異なる点が必要だと私は主張したい。階段が椅子と異なるのと同じ理由で、コミックアートは伝統的なアートと異なるべきである：伝統的な絵は読者の視線を釘付けにするようにデザインされているが、マンガは読者の視線を流れるように先に渡すようにデザインされている。漫画家が単体の芸術と同じように漫画に取り組むと、その漫画はぎこちなく、訥々としたものになり、流れるような読書を妨げる。これは、読者の注意を先へ進ませるのではなく、注意を引きつけるようにデザインされたテクニックを使っているからである。
そのような "単体 "のテクニックをいくつか見てみよう。
1.クローズド・コンポジション
標準的なドローイングは、画像全体に興味のある部分をバランスよく配置することで、読者の注意を引きつけようとする。そのため、読者はアイテムAからアイテムB、アイテムC、そしてまたアイテムAへと目を移し、イメージの中を何度も回りながら、その細部を吸収していくのである。つまり、デッサンの左側に人物が描かれ、右側には何もない空間がある場合、作家は読者の視線がデッサンの右側からずれないように、家具の一部などを右側に置くことがある。
しかし、漫画家は、読者の注意を画像の内側に集める必要はない。コマの構図はオープンエンドのままでもよく、読者の注意をコマの右側へ、そしてコマの境界線を越えて次のコマへと漂わせることができる。注意を引くものをバランスよく整然と並べることで構図を「閉じ」ようとする衝動は、伝統的な芸術の名残であり、マンガには必要ない。
2.不明瞭な表情
イラストレーションやギャラリーアートでは、全体的なシーンがポイントになることが多いので、シーンを彩る人物の顔が影で隠れていたり、読者から背を向けていたりすることがある。しかし、コミックでは、読者は通常、登場人物の進行中のストーリーを追いながら、登場人物が次にどう反応し、何をするのか、その道筋を考えている。登場人物の考えや意図を示す最も強力な指標は表情である。そのため、伝統的なアーティストがキャラクターの目や顔を影で隠したり、顔を読者から背けたりするのに対し、漫画家は顔を読者に向けて「ごまかし」、可能な限り目や顔に影をつけないようにする。
マンガ家は特にそれが得意だ。現実的なマンガと西洋の現実的なマンガを比べてみれば、マンガの登場人物の感情がはるかにわかりやすいことがわかるだろう。
3.隣接しないパネルを貫通する物体
伝統的な芸術家たちは、イメージをコラージュに組み立てるとき、さまざまな要素を重ねることが有効だと考える。そうすることで統一感が生まれ、読者の注意が、噴水を流れ落ちる水のように、各要素から次の要素へと容易に移るようになる。
しかし、アーティストが同じ感性をコミックページに持ち込むと、このアプローチはしばしば失敗する。もしそのページがコラージュのように壁に飾られるのであれば、確かに見栄えはいいかもしれない。しかし、マンガのページはコラージュのように読まれるものではない。もし読者の視線がパネル1からパネル3へ、あるいはその逆へ流れるとしたら、それは読む順序に反し、物語を混乱させるだろう。伝統的なアーティストとは異なり、漫画家は読み順を覚えておかなければならないし、読み順が隣接していないコマとコマの間にオブジェクトを広げないように注意しなければならない。
4.物語よりスペクタクル
伝統的な美術のバックグラウンドからコミックスに参加した作家は、多くの場合、物語上の重要性が最も高いオブジェクトよりも、視覚的な魅力が最も高いオブジェクトを優先する。
例えば、リサというヒロインが迷子になった娘を探すために動物園を急ぎ、最後のコマで地面に娘の靴が落ちているのを発見する。伝統的なアーティストなら、リサが駆け抜けていく素晴らしい動物たちに最大のスペースを割きたいと思うかもしれない。ライオンやトラやクマだ！しかし漫画家なら、それらは些細な背景要素であることに気づくだろう。エキゾチックな生き物の方が視覚的なアピールが強いにもかかわらず、最も強調すべきはリサの顔か靴、あるいはその両方である。
5.スピーチ・バルーンへの無関心
漫画家でない人が漫画に挑戦する場合、伝統的な絵にはない吹き出しのスペースを確保できないことが多い。これを改善するために、コマに余白を残すようになるかもしれないが、それだけでは十分ではない。
あるキャラクターが右手で釘を打っているとき、左側に台詞を書くスペースを空けておいたとする。彼女の "OUCH!"は、親指の右側-親指を打ち付けた後-に表示されるべきで、左側には表示されない。もし私たちが彼女の災難を見る前に彼女の「OUCH」を読むと、声と唇が一致しない吹き替え映画を見るような断絶が生じるだろう。
このような不具合は、吹き出しが余分なスペースしか与えられていないマンガでは、あまりにも頻繁に起こる。伝統的なアーティストとは異なり、漫画家は絵と吹き出しが単なる隣人ではなく、パートナーであることを理解している。
6.一貫性のないブロッキング
伝統的な芸術家たちは、長い間、作品のリアリズムを達成するために写真を参考にしてきた。漫画家も、写実的に描くときに写真を参考にすることが多い。しかし、キャラクターのコマとコマの間の流れるような動きと正確に一致する写真を見つけるのはまれだ。漫画家が自分でリファレンスをスナップする場合でも、カメラに映ったものとページに最適なものとの間にはしばしば断絶がある。アングルやポーズが個々にはうまくいっても、それらを並べてみると、スムーズな物語を作るためにアートに微調整が必要だと気づくかもしれない。
「ブロッキング」とは演劇用語で、役者がシーンを通して舞台上で取る位置のことである。伝統的なアーティストは、ブロッキングについてあまり考えない傾向があるが、優れた漫画家はブロッキングを第一に考える。人物のポーズは、その前のコマにあるものから理にかなったものでなければならず、たとえ参照写真にあるものを変えたり無視したりすることになったとしても、物語に役立つものでなければならない。
7.乱暴なカメラアングル
伝統的なアーティストは、同じ構図を繰り返すことを避ける。ポートフォリオやギャラリーでの展示では、単調で派生的なものに見えてしまうからだ。そのため、そのようなアーティストがコミックに挑戦する場合、コマごとに大胆で新しい構図を見つけることに懸命になる。残念なことに、これでは読みにくいものになってしまう。多様な「カメラアングル」はマンガに面白さを加えるかもしれないが、多くの場合、固定されたアングルの方が物語に役立つ。パネルAからパネルBへのキャラクターの表情や行動の変化は、背景が一定のままだと、より鮮明に浮かび上がってくる。
これらは、伝統的なデッサンとカートゥーンの目的が異なるほんの一例に過ぎない。絵を通して物語を語ろうとするとき、伝統的なデッサンの方法が常に適用されるわけではないことを自分に言い聞かせてほしい。あなたは絵作りを学んできたかもしれないが、今はストーリーを語っているのだ。ただ描いているのではなく、カートゥーンなのだ！
また来月、ここで会おう！
ジェシー・ハムの『カルーセル』は、毎月第2火曜日にこのトゥーカンに掲載される！