Dilettante 051: Vent'anni dopo

Cominciamo da prima che io fossi a conoscenza del progetto. L'editore Bob Schreck aveva parlato con Greg Rucka di Whiteout e voleva che Greg desse un'occhiata alle mie opere per vedere se ero adatto al progetto. Oggi un editore si limiterebbe a inviare qualche JPG o un link al mio sito web o a un portfolio online, ma era il 1997. I siti web personali erano piuttosto rari nei fumetti. Non possedevo uno scanner o Photoshop, non conoscevo nessuno che lo possedesse, e non avevo idea di come mettere online un'immagine. Così Bob mandò Greg al mio tavolo a una convention per dare un'occhiata anonima al mio lavoro. A Greg è piaciuto quello che ha visto e presto abbiamo lavorato insieme al libro.

All'epoca ero un artista molto collaborativo e volevo un feedback costante e una discussione su ogni scelta. Greg viveva a un'ora e mezza di distanza, quindi se avevo una domanda da fare a Greg su un layout, la scarabocchiavo sulla carta da ufficio e gliela inviavo via fax. Era lento e goffo, ma l'alternativa era guidare per 90 minuti ogni volta che volevo mostrare qualcosa, quindi il fax era l'opzione migliore.

Il fumetto si svolge interamente in Antartide. Non sapevo nulla dell'Antartide. Quindi, Google, giusto? Sbagliato. Nel 1997, Google era ancora in fase Beta. Avevano appena registrato il dominio e non molte persone al di fuori di Stanford ne avevano sentito parlare. Ho trascorso lunghe ore a spulciare i primi motori di ricerca e portali come Hotbot e Lycos, che hanno prodotto alcuni siti utili. Sono quasi certo di aver scaricato e stampato tutte le foto di edifici e attrezzature antartiche disponibili su Internet nel 1997. Dopodiché, mi sono recato nelle biblioteche e nelle librerie locali e ho trovato tutti i libri e gli articoli di riviste sull'Antartide su cui potevo mettere le mani.

A volte avevo domande su dettagli specifici. Oggi le chiedo sui social media e ottengo una risposta quasi immediata. All'epoca non c'erano né Twitter né Facebook, quindi trovavo su Internet sconosciuti che erano stati in Antartide e facevo loro le stesse domande nella speranza che qualcuno si prendesse il tempo di rispondere. A volte lo facevano! "Ciao; non mi conosci, ma vedo che eri di stanza alla base McMurdo l'anno scorso. Sono un fumettista che sta disegnando una storia ambientata lì e so che è una domanda strana, ma nella mensa hanno cartoni di latte monodose?". "No. Primo, si chiama cambusa, non mensa. Secondo, la mucca più vicina è a migliaia di chilometri di distanza. Servono latte in polvere in grandi urne di metallo".

Negli anni Novanta, il mio processo era interamente analogico. Se volevo che un segno apparisse nel libro, dovevo farlo apparire su un singolo foglio di carta bristol insieme a tutti gli altri segni. Questo era il mio processo:

1. Abbozzate piccole bozze di layout con una matita di grafite.

2. Misurare un riquadro di 10 x 15″ su una pagina di Strathmore bristol e tracciare i bordi del pannello sulla mia pagina con una matita.

3. Usare una squadra a T e una guida al lettering di Ames per tracciare le linee guida, scrivere a matita le didascalie e i dialoghi, quindi inchiostrare tutte le lettere, regolando man mano per far sì che tutto si adattasse in modo ragionevolmente fluido. Di solito, questa operazione richiedeva la prima o le seconde ore di ogni giorno.

4. Regola i bordi dei pannelli e i balloon di parole con l'inchiostro usando un righello, una penna Rapidograph e una strana selezione di modelli di ellissi.

5. Iniziare a disegnare a matita le figure e gli sfondi. A quei tempi non usavo quasi mai riferimenti fotografici diretti. Usavo le foto per scoprire l'aspetto di qualcosa, ma non disegnavo quasi mai qualcosa dalla stessa angolazione della foto. Questo mi rallentava molto. Se facevo un errore, cancellavo e ridisegnavo. Se qualcosa era particolarmente complicato, potevo disegnarlo su un foglio di carta separato e usare un lightbox per ricalcarlo sul foglio di bristol finale, piuttosto che rovinare la superficie cancellando più volte.

6. Una volta che i disegni a matita sembravano abbastanza buoni, li inchiostravo con un pennello Winsor-Newton, una penna crowquill e inchiostro di china.

7. Aggiungere toni di grigio riproducibili con zip-a-tone bootleg che ho realizzato in una copisteria fotocopiando un modello di toni di schermo su fogli vuoti di plastica adesiva crack-and-peel. Ogni sezione di tono è stata tagliata separatamente con un coltello X-acto.

7. Apportare correzioni e aggiungere effetti di neve con un guazzo bianco spesso. La spennellavo con un vecchio pennello da acquerello o la spruzzavo con uno spazzolino da denti. Graffiavo anche la carta con una lametta, la macchiavo con un pastello a cera e facevo qualsiasi altra cosa mi venisse in mente per far sembrare le mie tavole come se si svolgessero nel posto più freddo, ventoso e secco della terra.

8. Se dovevo ripetere una tavola, camminavo per un miglio fino alla fotocopiatrice più vicina, copiavo quello che mi serviva, lo ritagliavo e lo incollavo sulla pagina con la colla stick.

9. Le correzioni delle lettere sarebbero un'enorme seccatura e richiederebbero un'attenta opera di incollaggio o di sbiancamento.

Oggi scatto molte foto di riferimento e disegno tutto sulla mia Cintiq con Clip Studio Paint. Se un pannello ha dettagli minuscoli, lo ingrandisco. Se disegno una testa troppo grande, la rimpicciolisco. Posso aggiungere tono o riempire aree di nero con un solo clic. Posso provare le linee su livelli separati, poi appiattirle sugli inchiostri finali se mi piacciono o cancellarle con un clic se non mi piacciono. Posso anche creare schizzi casuali con uno spazzolino digitale. Mi ci è voluto un po' di tempo per trovare la giusta combinazione di strumenti e impostazioni per ottenere l'aspetto che voglio, ma ora solo i professionisti dell'arte più esperti possono guardare una pagina dei miei fumetti e dire se è analogica o digitale. Molti non riescono a capirlo.

All'epoca inviavo al mio editore una grande pila di pagine con FedEx e speravo che arrivassero sane e salve. Ora non ci sono pagine fisiche, quindi mi limito a inviare un link per il download di un file.

Mi piaceva il processo di disegno con strumenti fisici. Mi piacevano i risultati e mi manca molto avere un'opera d'arte originale da vendere. Quello che non mi manca sono le molte, molte ore che tutti quei passaggi extra richiedevano, e lo stress fisico ed emotivo che ne derivava. Un singolo errore con il pennello può significare un'ora di lavoro in più. Credo di essere un artista migliore ora, e anche più veloce. Ma sono ancora tremendamente orgoglioso del lavoro che ho fatto vent'anni fa, utilizzando per lo più gli stessi strumenti che i miei insegnanti usavano quando hanno iniziato la loro carriera intorno alla Seconda Guerra Mondiale. Potete giudicare voi stessi i risultati. Il Whiteout Compendium sarà nei negozi il 6 dicembre. Spero che lo guardiate!

Come è cambiato il tuo modo di lavorare da quando hai iniziato a fare fumetti? Fatemelo sapere su Twitter a @steve_lieber o su Facebook a steve.lieber.

Il Dilettante di Steve Lieber tornerà al Toucan martedì 9 gennaio!