Diletante 051: Veinte años después

Empecemos antes de que yo conociera el proyecto. El editor Bob Schreck había hablado con Greg Rucka sobre Whiteout y quería que Greg echara un vistazo a mi arte para ver si encajaba en el proyecto. Hoy en día, un editor se limitaría a enviar algunos JPG o un enlace a mi página web o a un portafolio en línea, pero estábamos en 1997. Los sitios web personales eran bastante raros en el mundo del cómic. Yo no tenía escáner ni Photoshop, ni siquiera conocía a nadie que los tuviera, y no tenía ni idea de cómo poner una foto en línea. Así que Bob envió a Greg a mi mesa en una convención para que echara un vistazo anónimo a mi trabajo. A Greg le gustó lo que vio y pronto empezamos a trabajar juntos en el libro.

Yo era un artista muy colaborador y quería recibir comentarios y discutir constantemente cada decisión. Greg vivía a hora y media de distancia, así que si tenía una pregunta que hacerle sobre un diseño, lo garabateaba en papel de oficina y se lo enviaba por fax. Era lento y torpe, pero la alternativa era conducir 90 minutos cada vez que quería enseñar algo, así que el fax era la mejor opción.

El cómic transcurre íntegramente en la Antártida. No sabía nada de la Antártida. Así que a Google, ¿no? Pues no. En 1997, Google aún estaba en fase Beta. Acababan de registrar el dominio y no mucha gente fuera de Stanford había oído hablar de él. Pasé largas horas picoteando en los primeros motores de búsqueda y portales como Hotbot y Lycos, que me proporcionaron algunos sitios útiles. Estoy seguro de que descargué e imprimí todas las fotos de edificios y equipos de la Antártida que había en Internet en 1997. Después, fui a las bibliotecas y librerías locales y encontré todos los libros y artículos de revistas sobre la Antártida que caían en mis manos.

A veces tenía preguntas sobre detalles concretos. Hoy preguntaría en las redes sociales y obtendría una respuesta casi de inmediato. Por aquel entonces, no había Twitter ni Facebook, así que buscaba a desconocidos en Internet que hubieran estado en la Antártida y les hacía las mismas preguntas con la esperanza de que alguno se tomara la molestia de responder. A veces lo hacían. "Hola; no me conoces, pero veo que estuviste destinado en la base McMurdo el año pasado. Soy dibujante de cómics y tengo una historia ambientada allí, y sé que es una pregunta rara, pero ¿tienen cartones de leche en porciones individuales en la cafetería?". "No. Primero, se llama cocina, no cafetería. Segundo, la vaca más cercana está a miles de kilómetros. Sirven leche en polvo en grandes urnas de metal".

En los noventa, mi proceso era totalmente analógico. Si quería que una marca apareciera en el libro, tenía que ponerla en una hoja de papel bristol con todas las demás marcas. Este era mi proceso:

1. Esboza diseños en miniatura con un lápiz de grafito.

2. Medir un cuadro de 10 x 15″ en una página de Strathmore bristol y regla de los bordes del panel en mi página con un lápiz.

3. 3. Utilizar una escuadra en T y una guía de rotulación Ames para trazar las líneas maestras, escribir a lápiz los pies de foto y los diálogos y, a continuación, entintar todas las letras, ajustándolas sobre la marcha para que todo encajara razonablemente bien. Esto solía ser la primera o segunda hora de cada día.

4. Regle los bordes de los paneles y los globos de texto con tinta utilizando una regla, un bolígrafo Rapidograph y una extraña selección de plantillas de elipses.

5. Empezar a dibujar las figuras y los fondos. En aquella época casi nunca utilizaba referencias fotográficas directas. Utilizaba fotos para saber qué aspecto tenía algo, pero casi nunca dibujaba nada desde el mismo ángulo que una foto. Esto me retrasaba MUCHO. Si cometía un error, borraba y volvía a dibujar. Si algo era especialmente complicado, lo dibujaba en una hoja de papel aparte y utilizaba una caja de luz para calcarlo en la última hoja de cartulina, en lugar de estropear la superficie borrándola una y otra vez.

6. Una vez que los dibujos a lápiz tenían buen aspecto, los entintaba con un pincel Winsor-Newton, una pluma crowquill y tinta china.

7. Añadí tonos grises reproducibles con zip-a-tone pirata que hice en una copistería fotocopiando un patrón de tonos de pantalla en hojas en blanco de plástico autoadhesivo. Cada sección de tono se cortaba por separado con un cuchillo X-acto.

7. Hacer correcciones y añadir efectos de nieve con témpera blanca espesa. La pincelaba con un viejo pincel de acuarela o la salpicaba con un cepillo de dientes. También rascaba el papel con una cuchilla de afeitar, lo emborronaba con un lápiz de cera y hacía cualquier otra cosa que se me ocurriera para que mis paneles parecieran estar en el lugar más frío, ventoso y seco de la Tierra.

8. Si necesitaba repetir un panel, caminaba un kilómetro hasta la fotocopiadora más cercana, copiaba lo que necesitaba, lo recortaba y lo pegaba en la página con pegamento en barra.

9. Las correcciones de las letras serían muy complicadas y requerirían mucho trabajo de pegado o borrado.

Hoy hago muchas fotos de referencia y dibujo todo en mi Cintiq con Clip Studio Paint. Si un panel tiene pequeños detalles, lo hago más grande. Si dibujo una cabeza demasiado grande, la encojo. Puedo añadir tono o rellenar zonas de negro con un solo clic. Puedo probar líneas en capas separadas y luego aplanarlas en las tintas finales si me gustan, o borrarlas con un solo clic si no me gustan. Incluso puedo hacer patrones de salpicaduras aleatorias con un cepillo de dientes digital. Me llevó un tiempo encontrar la combinación adecuada de herramientas y ajustes para que las cosas tuvieran el aspecto que yo quería, pero ahora sólo los profesionales del arte experimentados pueden mirar una página de mis cómics y decir si es analógica o digital. Muchos no lo saben.

Antes enviaba a mi editor un montón de páginas por FedEx y esperaba que llegaran bien. Ahora no hay páginas físicas, así que simplemente envío un enlace de descarga a un archivo.

Me gustaba el proceso de dibujar con herramientas físicas. Me gustaban los resultados y echo mucho de menos tener una pieza física de arte original para vender. Lo que no echo de menos son las muchísimas horas que me llevaban todos esos pasos adicionales y el estrés físico y emocional que conllevaban. Un solo error con el pincel podía suponer una hora más de trabajo. Creo que ahora soy mejor artista, y también más rápida. Pero sigo estando tremendamente orgulloso del trabajo que hice hace veinte años utilizando casi las mismas herramientas que utilizaron mis maestros cuando empezaron sus carreras alrededor de la Segunda Guerra Mundial. Usted mismo puede juzgar los resultados. The Whiteout Compendium estará en las tiendas el 6 de diciembre. Espero que le eches un vistazo.

¿Cómo ha cambiado tu forma de trabajar desde que empezaste a hacer cómics? Cuéntamelo en Twitter en @steve_lieber, o en Facebook en steve.lieber.

Diletante, de Steve Lieber, volverá a Tucán el martes 9 de enero.