KARUSSELL VON JESSE HAMM
Karussell 021: Zeichnen vs. Cartooning
Bei der Lektüre einer beliebigen Sammlung von einteiligen Cartoons, in der die Cartoons vom frühen 20. Die frühesten Cartoons sehen wie ernsthafte Illustrationen aus, mit umfangreichen linearen Schattierungen, detaillierten Hintergründen und realistischen Figuren. Im Laufe des Jahrhunderts werden die Cartoons jedoch immer einfacher, mit sehr wenigen Schraffuren oder Schattierungen, spärlichen Hintergründen und übertriebenen Figuren.
Dieser Trend zeigt eine Entwicklung von weniger effektiven Cartoons, die mit traditionellen Methoden gezeichnet wurden, zu effektiveren Cartoons, bei denen überflüssige Details weggelassen und wichtige erzählerische Elemente hervorgehoben wurden. In den vielen Jahrzehnten, seit Gag-Panels populär wurden, sind die Cartoonisten immer geschickter darin geworden, die Aufgabe des Zeichnens an die Aufgabe des Erzählens von Witzen anzupassen. Heute sieht man fast nie ein Gag-Panel, das in demselben detaillierten Stil gezeichnet ist wie eine realistische Illustration.
Die Zeichner von nicht-humoristischen Comics haben jedoch immer noch Schwierigkeiten, ihre erzählerischen Ziele mit ihrer Verpflichtung zum Realismus in Einklang zu bringen. Es ist zwar eine Sache, einen großnasigen Schiffbrüchigen auf einer Insel mit nur einem Baum zu zeichnen, um zu lachen, aber eine Geschichte über einen echten Schiffbrüchigen auf einer echten Insel würde wohl mehr Realismus erfordern. Aber wie viel Realismus ist angemessen? Sollten nicht-humoristische Comics mit traditionellen, eigenständigen Zeichnungen identisch sein, oder erfordert das Medium Comic immer einen modifizierten Ansatz?
Selbst wenn ein Comic auf extremen Realismus abzielt, würde ich behaupten, dass er sich in gewisser Weise von eigenständigen Zeichnungen unterscheiden muss, um wirksam zu sein. Comic-Kunst sollte sich von traditioneller Kunst aus dem gleichen Grund unterscheiden, wie sich Treppen von Stühlen unterscheiden sollten: Traditionelle Zeichnungen sind darauf ausgelegt, den Blick des Lesers zu halten; Comics sind darauf ausgelegt, den Blick des Lesers fließend weiterzuleiten. Wenn Karikaturisten an Comics herangehen wie an eigenständige Kunst, werden ihre Comics gestelzt und stockend, was ein flüssiges Lesen verhindert. Das liegt daran, dass sie Techniken verwenden, die die Aufmerksamkeit der Leserinnen und Leser fesseln sollen, anstatt sie voranzutreiben.
Sehen wir uns einige dieser "eigenständigen" Techniken an, damit Sie darauf achten können, dass sie Ihre Zeichenkunst nicht beeinträchtigen.
1. Geschlossene Kompositionen
Standardzeichnungen versuchen, die Aufmerksamkeit des Lesers zu fesseln, indem sie interessante Bereiche in ausgewogener Weise im Bild anordnen. Sie schaffen eine Konstellation interessanter Dinge, so dass der Leser von Punkt A zu Punkt B zu Punkt C und dann wieder zurück zu Punkt A blickt, das Bild wiederholt umrundet und dabei die Details aufnimmt. Wenn also eine Figur auf der linken Seite einer Zeichnung erscheint und rechts nichts als leerer Raum ist, kann der Künstler ein Möbelstück oder einen anderen Gegenstand auf der rechten Seite platzieren, um zu verhindern, dass der Blick des Lesers auf die rechte Seite der Zeichnung abgleitet.
Ein Karikaturist muss die Aufmerksamkeit des Lesers jedoch nicht innerhalb des Bildes fesseln. Die Komposition des Panels kann offen bleiben, so dass die Aufmerksamkeit des Lesers nach rechts über das Panel und über seinen Rand in das nächste Panel wandern kann. Der Drang, die Komposition "abzuschließen", indem man eine ausgewogene Reihe von Blickfängern anordnet, ist ein Überbleibsel der traditionellen Kunst, auf das Comics verzichten können.
2. Verdeckte Gesichtsausdrücke
In Illustrationen oder Galerien geht es oft um die Gesamtszene, so dass die Gesichter der Figuren, die die Szene bevölkern, manchmal durch Schatten verdeckt werden oder dem Leser abgewandt sind. In Comics hingegen verfolgt der Leser in der Regel die Geschichte der Figuren und fragt sich, wie diese reagieren und was sie als Nächstes tun werden. Der stärkste Indikator für die Gedanken oder Absichten einer Figur ist ihr Gesichtsausdruck. Während also ein traditioneller Zeichner die Augen oder das Gesicht einer Figur mit Schatten verdeckt oder das Gesicht vom Leser wegdreht, "schummelt" ein Comiczeichner das Gesicht zum Leser hin und vermeidet es, Augen und Gesicht so weit wie möglich zu verdunkeln.
Manga-Künstler sind darin besonders gut. Vergleichen Sie realistische Manga mit realistischen Comics aus dem Westen und Sie werden feststellen, dass die Emotionen der Manga-Figuren viel leichter zu erkennen sind.
3. Objekte, die nicht benachbarte Paneele durchdringen
Wenn traditionelle Künstler Bilder zu einer Collage zusammenstellen, halten sie es für sinnvoll, die verschiedenen Elemente zu überlagern; dies schafft eine Einheit und lädt die Aufmerksamkeit des Lesers ein, leicht von einem Element zum nächsten zu gelangen, wie Wasser, das in einem Brunnen herunterfließt.
Dieser Ansatz scheitert jedoch oft, wenn der Künstler dieselbe Sensibilität auf eine Comicseite überträgt. Der Künstler kann entscheiden, dass es schön aussehen würde, ein Objekt von Feld 3 nach oben in Feld 1 oder von Feld 2 nach unten in Feld 4 zu verlängern - was in der Tat schön aussehen kann, wenn die Seite wie eine Collage an der Wand hängen soll. Aber eine Comicseite ist nicht dafür gedacht, wie eine Collage gelesen zu werden. Würde der Blick des Lesers von Tafel 1 zu Tafel 3 oder umgekehrt wandern, würde dies die Lesereihenfolge verletzen und die Erzählung durcheinander bringen. Im Gegensatz zu traditionellen Künstlern müssen sich Cartoonisten an die Lesereihenfolge halten und darauf achten, dass sie keine Objekte zwischen den Tafeln einfügen, die nicht an die Lesereihenfolge angrenzen.
4. Spektakel statt Erzählung
Künstler, die von einem traditionellen Kunsthintergrund zu Comics kommen, bevorzugen oft Objekte, die den größten visuellen Reiz haben, und nicht solche, die die größte erzählerische Bedeutung haben.
Nehmen wir zum Beispiel an, auf einer Seite des Drehbuchs eilt eine Heldin namens Lisa durch einen Zoo, um ihre verlorene Tochter zu finden, und auf der letzten Seite entdeckt sie den Schuh ihrer Tochter auf dem Boden. Ein traditioneller Künstler würde vielleicht den erstaunlichen Tieren, an denen Lisa vorbeirennt, den größten Raum widmen. Löwen, Tiger und Bären! Aber ein Cartoonist wird erkennen, dass dies triviale Hintergrundelemente sind; der emotionale Höhepunkt der Seite ist Lisas beunruhigende Entdeckung. Trotz der stärkeren visuellen Anziehungskraft der exotischen Kreaturen sollte die größte Betonung auf Lisas Gesicht oder dem Schuh oder beidem liegen.
5. Gleichgültigkeit gegenüber Sprechblasen
Nicht-Cartoonisten, die sich als Zeichner versuchen, versäumen es oft, Platz für Sprechblasen zu lassen, die in der traditionellen Kunst nicht vorkommen. Um Abhilfe zu schaffen, können sie anfangen, zusätzlichen Platz in ihren Panels zu lassen, aber das allein wird nicht ausreichen.
Angenommen, ich lasse links von einer Figur Platz für einen Dialog, während sie rechts von ihr einen Nagel einhämmert, und sie schlägt sich versehentlich den Daumen ein. Ihr "Autsch!" sollte rechts von ihrem Daumen erscheinen, NACHDEM sie ihn eingeschlagen hat, nicht links. Wenn wir ihr "Autsch" lesen, bevor wir ihr Missgeschick sehen, entsteht ein Bruch, wie bei einem synchronisierten Film, bei dem die Stimmen und Lippen nicht übereinstimmen.
Pannen wie diese treten allzu oft in Comics auf, in denen den Sprechblasen nicht mehr Beachtung geschenkt wird als zusätzlicher Platz. Im Gegensatz zu traditionellen Künstlern wissen Cartoonisten, dass Zeichnungen und Sprechblasen nicht nur Nachbarn sind, sondern Partner.
6. Inkonsistente Blockierung
Traditionelle Künstler verlassen sich seit langem auf Fotoreferenzen, um ihre Werke realistisch zu gestalten. Auch Karikaturisten verwenden oft Fotoreferenzen, um realistisch zu zeichnen. Es ist jedoch selten, Fotos zu finden, die genau zu den flüssigen Aktivitäten der Figuren auf den einzelnen Seiten passen. Selbst wenn Cartoonisten ihre eigenen Referenzfotos machen, gibt es oft eine Diskrepanz zwischen dem, was in der Kamera zu sehen ist, und dem, was auf der Seite am besten zur Geltung kommen würde. Die Winkel und Posen mögen einzeln gut funktionieren, aber wenn man sie in einer Reihe arrangiert, kann man feststellen, dass sie für eine reibungslose Erzählung in der Zeichnung noch etwas nachgebessert werden müssen.
"Blocking" ist ein Theaterbegriff für die Positionen, die die Schauspieler während einer Szene auf der Bühne einnehmen. Traditionelle Künstler neigen dazu, sich weniger Gedanken über das Blocking zu machen als über die Einhaltung ihrer Fotoreferenz, aber für einen guten Cartoonisten steht das Blocking an erster Stelle. Die Posen der Figuren sollten sich sinnvoll an das anlehnen, was ihnen in den vorangegangenen Panels vorausgegangen ist, und sie sollten der Erzählung dienen, auch wenn das bedeutet, dass Sie das, was Sie auf Ihren Referenzfotos sehen, ändern oder ignorieren müssen.
7. Unruhige Kamerawinkel
Traditionelle Künstler vermeiden es, die gleiche Komposition zu wiederholen, was in einer Mappe oder einer Galerieausstellung eintönig und abgeleitet aussehen würde. Wenn sie sich also an Comics versuchen, arbeiten solche Künstler hart daran, für jedes Panel eine neue, kühne Komposition zu finden. Leider kann dies zu einer holprigen Lektüre führen. Abwechslungsreiche "Kameraperspektiven" können einen Comic interessant machen, aber an vielen Stellen ist ein fester Blickwinkel für die Erzählung besser geeignet. Veränderungen im Ausdruck oder im Verhalten einer Figur von Panel A zu Panel B erscheinen deutlicher, wenn der Hintergrund konstant bleibt.
Dies sind nur einige wenige Punkte, in denen sich die Ziele des traditionellen Zeichnens von denen des Cartooning unterscheiden. Wenn Sie sich daran machen, Ihre Geschichte in Bildern zu erzählen, sollten Sie sich immer wieder vor Augen führen, dass die traditionellen Zeichenmethoden nicht immer anwendbar sind. Du hast vielleicht Bildgestaltung studiert, aber jetzt erzählst du Geschichten. Du zeichnest nicht nur, du bist ein Cartoonist!
Wir sehen uns nächsten Monat hier!
Carousel von Jesse Hamm erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!