杰西-哈姆的旋转木马
旋转木马 021：绘画与漫画
阅读任何一本从 20 世纪初至今的单幅漫画集，你都会发现一个奇怪的趋势。最早的漫画看起来像严肃的插图，有大量的线性阴影、细致的背景和逼真的人物。但随着时间的推移，这些漫画变得越来越简单，只有很少的线描或阴影、稀疏的背景和夸张的人物。
这一趋势揭示了一个进步的过程，即从使用传统方法绘制的效果较差的漫画到效果较好的漫画，其中删去了多余的细节，强调了关键的叙事元素。自插科打诨板块开始流行以来的几十年间，漫画家们已经越来越熟练地将绘画任务调整为讲笑话的任务。如今，你几乎再也看不到插科打诨的画风与写实插图一样细腻。
然而，非幽默漫画的艺术家们仍在努力平衡他们的叙事目标和对现实主义的承诺。在一个只有一棵树的小岛上画一个大鼻子的逃亡者来搞笑是一回事，但一个关于在真实小岛上的真实逃亡者的故事似乎需要更多的现实主义。但是，多真实才合适呢？非幽默漫画应该与传统的独立绘画完全相同，还是说漫画媒介总是需要一种经过修改的方法？
我认为，即使漫画的目标是极端逼真，它也必须在某些方面有别于独立的图画，这样才能产生效果。漫画艺术应该有别于传统艺术，就像楼梯应该有别于椅子一样：传统绘画的目的是抓住读者的视线，而漫画的目的则是将读者的视线流畅地向前传递。当漫画家像对待独立艺术那样对待漫画时，他们的漫画就会变得呆板、停顿，无法流畅地阅读。这是因为他们使用了旨在吸引读者注意力的技巧，而不是推进读者注意力的技巧。
让我们来看看其中几种 "独立 "的技巧，这样你就能注意不要让它们影响你的漫画创作。
1.封闭式合成
标准图试图通过在整个画面中均衡地安排感兴趣的区域来吸引读者的注意力。这样，读者就会从 A 项看到 B 项，再看到 C 项，然后再回到 A 项，在画面中反复循环，并吸收其中的细节。因此，如果一个人物出现在图画的左边，而右边空无一物，艺术家可能会在右边放置一件家具或其他物品，以防止读者的视线从图画的右边滑落。
然而，漫画家并不需要将读者的注意力集中在画面上。画面的构图可以保持开放式，让读者的注意力向右飘过画面，越过边框进入下一个画面。通过整齐地排列均衡的注意力吸引物来 "收拢 "构图的冲动是传统艺术遗留下来的，漫画不需要。
2.模糊的面部表情
在插图或画廊艺术中，整体场景往往是重点，因此场景中人物的脸有时会被阴影遮住，或转过身去不看读者。但在漫画中，读者通常是在追随人物正在发生的故事，猜测人物在途中会有什么反应，下一步会做什么。而最能体现人物想法或意图的就是他的面部表情。因此，传统的画家可能会用阴影遮住人物的眼睛或脸部，或将脸部转向读者，而漫画家则会将脸部 "骗 "向读者，尽可能避免遮住眼睛和脸部。
漫画艺术家尤其擅长这一点。将写实漫画与西方写实漫画进行比较，你会发现漫画人物的情绪更容易识别。
3.穿透非相邻面板的物体
当传统艺术家将图像拼贴成一幅拼贴画时，他们会发现将各种元素重叠在一起是非常有用的；这样可以创造出统一性，让读者的注意力轻松地从每一个元素传递到下一个元素，就像水从喷泉流下一样。
然而，当艺术家将同样的感觉带入漫画页面时，这种方法往往会失败。艺术家可能会认为，将一个物体从第 3 画面向上延伸到第 1 画面，或者从第 2 画面向下延伸到第 4 画面--如果这一页是要像拼贴画一样挂在墙上的话，这样看起来确实不错。但漫画页面的阅读方式并不像拼贴画。如果读者的视线从画面 1 转移到画面 3，或者反之亦然，这就违反了阅读顺序，混淆了叙事。与传统艺术家不同，漫画家必须牢记阅读顺序，并注意不要在不相邻的板块之间延伸物体。
4.奇观重于叙事
具有传统艺术背景的艺术家在创作漫画时，通常会优先考虑视觉效果最好的对象，而不是叙事性最强的对象。
例如，假设有一页剧本的女主角丽莎急匆匆地穿过动物园去寻找她走失的女儿，在最后一格，她发现地上有她女儿的鞋子。传统的艺术家可能希望用最大的篇幅来表现丽莎匆匆走过的神奇动物。狮子、老虎和熊！但漫画家会意识到，这些都是微不足道的背景元素；这一页的情感高潮是丽莎令人不安的发现。尽管外来动物具有更强的视觉吸引力，但最大的重点应放在丽莎的脸上或鞋子上，或两者兼而有之。
5.对演讲气球漠不关心
非漫画家在尝试创作漫画时，往往没有为气球留出空间，而传统艺术中是没有气球的。为了解决这个问题，他们可能会在画板上多留出一些空间，但仅靠这一点是不够的。
假设我在一个角色的左边留出了对话空间，她在右边敲钉子，却不小心敲到了自己的大拇指。她的 "哎哟！"应该出现在拇指的右边--在她锤到拇指之后，而不是左边。如果我们在看到她的失误之前先读到她的 "哎哟"，就会出现脱节，就像看一部声音和嘴唇不匹配的配音电影一样。
在漫画中，这样的小问题经常出现，因为在漫画中，除了额外的空间，说话气球没有得到更多的考虑。与传统艺术家不同的是，漫画家明白绘画和语音气球不仅是邻居，更是伙伴。
6.不一致的阻挡
长期以来，传统艺术家一直依靠参考照片来实现作品的逼真性。漫画家在写实绘画时也经常使用照片作为参考。然而，很少有照片能精确地与人物流畅的、板块与板块之间的活动相匹配。即使是漫画家自己拍摄的参考照片，镜头中的人物与页面上的人物之间也常常存在脱节。这些角度和姿势可能单独使用效果很好，但将它们排成一排后，你可能会发现它们需要在艺术上进行一些调整，以达到流畅的叙事效果。
"遮挡 "是戏剧术语，指演员在整个场景中在舞台上的位置。传统的艺术家往往不太考虑遮挡的问题，而只是按照他们的照片参考，但优秀的漫画家会把遮挡放在第一位。人物的姿势应合理地沿用之前画面中的姿势，并为叙事服务，即使这意味着要改变或忽略参考照片中的内容。
7.狂野的拍摄角度
传统艺术家避免重复相同的构图，因为这样在作品集或画廊展览中会显得单调和衍生。因此，当他们尝试创作漫画时，这些艺术家会努力为每个板块寻找大胆的新构图。不幸的是，这样做可能会让阅读变得磕磕绊绊。多变的 "拍摄角度 "可能会增加漫画的趣味性，但在很多地方，固定的角度更有利于叙事。当背景保持不变时，人物的表情或行为从 A 画面到 B 画面的变化会更加鲜明。
以上只是传统绘画与漫画的不同之处。当你开始通过图片讲述自己的故事时，要时刻提醒自己，传统的绘画方法并不总是适用。你可能学过绘画，但现在你是在讲故事。你不仅仅是在画画，而是在创作漫画！
下个月在这里见！
杰西-哈姆（Jesse Hamm）的《旋转木马》每月第二个星期二在"图坎 "网站上发表！