STEVE LIEBER'S DILETTANT
Dilettant 023: Einflüsse
Letztes Wochenende fuhr ich mit Amtrak von einem Kongress zurück, als mein Zug durch einen Güterzug aufgehalten wurde. Ich saß in einem bequemen Sitz fest und hatte nur 10.000 Kalorien in Form von leckeren Snacks zur Hand, zwei gute E-Books und vier starke Balken mit kostenlosem WLAN, und ich fragte mich, wie ich solche Schwierigkeiten aushalten könnte. Da kam mir der Gedanke, dass ich mich auf Twitter einloggen und ein AMA machen könnte: Ask Me Anything.
Ich habe einen Haufen toller Fragen in meiner Timeline und per Direktnachricht erhalten und versucht, sie alle zu beantworten, aber es stellte sich heraus, dass ich eine gute Frage übersehen hatte: "Wer hatte den größten Einfluss auf deine Arbeit und warum?"
Ich würde gerne über diese Frage lachen und sie mit der Erklärung abtun, dass ich ein Selfmademan bin und mein einziger Einfluss die von der warmen Sonne geformte Natur ist, aber das wäre selbstsüchtiger Unsinn. Wie die meisten meiner Altersgenossen bin ich ein Frankenstein'sches Sammelsurium unzähliger Einflüsse, von denen ich einige aktiv studiert, einige passiv aufgenommen und einige bewusst abgelehnt habe. Hier sind ein paar Einflüsse, die einen großen Einfluss auf meine Arbeit hatten.
1. Joe Kubert
Ich schrieb eine kurze Hommage an Joe vor ein paar Jahren geschrieben. Er bleibt einer der wichtigsten Einflüsse auf meine Arbeit. Als Kind las und kopierte ich Bilder aus seinen Comics und besuchte drei Jahre lang seine Schule. Meine ersten Arbeiten in Comics waren eine Höhlenmenschengeschichte, ein Western, einige Kriegsgeschichten und Hawkman, Material, das eng mit Joes Werk verbunden ist. Anfangs zeigte meine Zeichnung eine Menge seiner oberflächlichen Manierismen. Ich habe nicht versucht, meine Sachen so aussehen zu lassen wie seine, aber in der Schule habe ich ihm oft meine miesen Klassenarbeiten zur Kritik gebracht, und er hat ein Stück Pauspapier über meine Arbeit gelegt und mir gezeigt, was ich besser machen könnte. Während er das tat, sah ich, wie die Ideen zum Leben erwachten, aber in seiner Linie. Das nächste Mal, wenn ich mich zum Zeichnen hinsetzte, griff ich instinktiv nach seinen Lösungen. Ich brauchte ein paar Jahre, um diese Oberfläche abzuschütteln. Wenn man jahrelang zehn Stunden am Tag irgendetwas macht, findet man zum Glück seine eigenen Wege.
Der größere Einfluss, den Kubert auf mich hatte, war seine Art, über das Geschichtenerzählen nachzudenken. Er war sachlich, was jedes Panel erreichen muss, und zeigte mir, wie ich analysieren kann, was ich in einem Panel und auf einer Seite vermitteln will. Dazu gehörten Dinge wie die Frage, was ein Establishing Shot ist und wie man damit dem Leser sagt, wo die Geschichte spielt und welche Art von Geschichte er gerade liest. Er zeigte mir, wie wichtig eine klare Inszenierung ist und warum ich den Blickwinkel des Lesers an einem Ort und nicht an einem anderen festlegen sollte. Ich lernte, mir die Panels wie Sätze in einem Absatz vorzustellen, von denen jeder neue Informationen hinzufügt und auf einen Moment hinausläuft, der den Leser so interessiert, dass er die Seite umblättert.
2. Robert Fawcett
Gil Kane beschrieb sich selbst einmal als einen jungen Künstler mit zu vielen Einflüssen, wie ein überladenes Flugzeug, das zu schwer ist und nicht abheben kann, bevor es nicht etwas Gewicht abgeworfen hat. Mir ging es genauso, und ich hatte das Glück, ein Buch zu finden, das mir half, herauszufinden, welche Einflüsse wertvoll waren und welche nur Ballast darstellten: On the Art of Drawing von Robert Fawcett.
Fawcetts Buch ist kein "How-To-Draw"-Lehrbuch. Es erkennt kaum an, dass es so etwas überhaupt gibt (obwohl er an einem der besten mitgeschrieben hat: dem Kurs "The Famous Artists School"). Sein eigenes Buch war eher ein "Warum-Zeichnen"-Buch, ein ausführlicher Essay darüber, wie man über das Zeichnen nachdenkt: wozu das Zeichnen dient und was die lohnenden Ziele für einen Zeichner sind. Er betonte, wie wichtig es für Studenten ist, ein bescheidenes Auge zu haben und durch Beobachtung zu lernen. Und er bietet die beste Definition von gutem Zeichnen, die ich kenne:
"Die Essenz guter Zeichenkunst scheint darin zu bestehen, sich auf dem Papier verständlich zu machen. Es geht um Klärung und nicht um Verwirrung, und es ersetzt Vagheit und Unentschlossenheit durch sinnvolle Abgrenzung.
Fawcett lehrte mich auch, zwischen der kraftvollen Einfachheit eines Meisterzeichners und den willkürlichen und oberflächlichen Vereinfachungen eines Stilisten zu unterscheiden. Ich wusste schon lange, dass Einfachheit ein wichtiges Ziel ist, aber ich hatte nicht wirklich verstanden, was daran so schwer ist. Es ist nicht schwer, eine einfache Zeichnung zu machen. Die Schwierigkeit besteht darin, dass sie genauso viel aussagt wie eine ausgefeilte und detaillierte Zeichnung.
(Das Werk von Fawcett war lange Zeit vergriffen. Jetzt ist es wieder da. Dover Publications hat nachgedruckt On The Art of Drawing und David Apatoff hat eine reich illustrierte Biographie des Künstlers geschrieben.
3. Lynda Barry
Meine Zeichnungen sehen nicht so aus wie die von Lynda Barry, aber ihre Herangehensweise an das Erzählen von Geschichten hat mein Verständnis von Comics tiefgreifend beeinflusst. Bevor ich ihre Arbeiten las, betrachtete ich den Text in Comics hauptsächlich als Hilfsmittel für die Bilder. Wir verwenden Bildunterschriften und Dialoge, weil manche Dinge mit Text deutlicher oder effizienter gesagt werden können als mit Bildern. Lynda Barry hat mich gelehrt, wie kraftvoll es sein kann, wenn Worte und Bilder einen Kontrapunkt bilden: Worte sagen eine Sache, Bilder eine andere, und eine dritte Bedeutung ergibt sich aus ihrem Nebeneinander. Von ihr habe ich auch gelernt, wie viel man mit subjektiven Bildern machen kann. In Comics werden Bilder meist als objektiv gelesen: Die Bilder fungieren als Aussagen zu den Fakten der Geschichte. Barrys Verwendung von Bildern bietet andere Möglichkeiten. Manchmal dienen sie dazu, eine Stimmung oder eine Idee zu vermitteln, die das, was uns im Text erzählt wird, unterstützt oder unterläuft. Manchmal illustrieren sie, was eine Figur tagträumt, während der Text die Realität wiedergibt. Manchmal erzählen sie eine scheinbar unzusammenhängende Parallelgeschichte und schaffen so Mehrdeutigkeiten, die dem Leser Raum lassen, um herauszufinden, wie sie zusammenhängen könnten.
Geschichten sind oft dann am wirkungsvollsten, wenn die Pointe nicht ausbuchstabiert wird und der Leser die Möglichkeit hat, sich die Dinge in seinem eigenen Kopf zusammenzusetzen. Darin ist Barry ein Meister.
4. Harvey Kurtzman
Kurtzman verstand wie kaum ein anderer, dass Comics eine rhythmische Form sind. Die Lektüre seiner Kriegscomics und der frühen Ausgaben von MAD hat mir geholfen, so viel über Tempo und Rhythmus zu verstehen. Ich lernte, welche Wirkung man erzielen kann, wenn man die Anzahl der Panels auf einer Ebene verändert. Wie man das Timing beeinflussen kann, indem man eine Überschrift oder einen Soundeffekt einfügt oder weglässt. Wie man einen Moment zum Leben erwecken kann, indem man von geschwungenen zu eckigen Formen wechselt oder das Unübersichtliche dem Spärlichen gegenüberstellt. Und er zeigte, wie wertvoll es sein kann, die Faustregel zu brechen, die besagt, dass man in Abenteuergeschichten die "Kamera" ständig bewegen muss. Die übliche Idee ist es, den Blickwinkel zu wechseln, um das Interesse des Lesers aufrechtzuerhalten und ein Gefühl der Bewegung zu erzeugen. Kurtzman zeigt, was man erreichen kann, wenn man in einer Abfolge von Panels einen statischen Blickwinkel beibehält, nur ein Element ändert und dadurch betont, wie wichtig dieses eine Element ist.
5. Jaime Hernandez
Technisch gesehen ist das Werk von Jaime Hernandez eine tadellose Synthese aus sehr unterschiedlichen Elementen: Dan DeCarlo, Hank Ketcham, Charles Schulz, John Stanley, Jack Kirby und Alex Toth, um nur einige zu nennen. Noch interessanter sind jedoch sein messerscharfer Blick für menschliches Verhalten, sein Witz, seine Zurückhaltung und seine Fähigkeit, traditionelle Comic-Mittel mit neuen Ergebnissen einzusetzen. Er schafft es, eine viel breitere und tiefere Palette von Charakteren, Gefühlen, Bildern und Ideen zu vermitteln als die meisten Cartoonisten. Er hat meine Vorstellung von den Grenzen des Comics über den Haufen geworfen. Und durch die Lektüre seiner Arbeiten habe ich gelernt, dass man zwischen naturalistischen und cartoonhaften Darstellungen wechseln kann, ohne dass der Leser das Gefühl des Eintauchens in die Geschichte verliert, dass man Lacher ernten kann, wenn man etwas erkennbar Menschliches etwas Überlebensgroßem gegenüberstellt, und dass man, wenn man seine Figuren kennt, sie auch dann interessant machen kann, wenn sie nichts tun, was die Handlung voranbringt.
Das sind also fünf wichtige Einflüsse auf meine Arbeit. Ich beantworte gerne alle weiteren Fragen, die Sie vielleicht haben. Und ich bin wirklich gespannt, einige Ihrer Einflüsse zu hören. Teilen Sie sie mit mir auf Facebook oder Twitter oder postet sie auf Tumblr und markiere mich.
Steve Lieber's Dilettante erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!