Karussell 008: Häufige Fehler

Im Laufe der Jahre habe ich meinen Anteil an Portfoliobewertungen gegeben, und es gibt bestimmte Fehler und Probleme, die ich immer wieder sehe. Nicht jeder Fehler ist alltäglich - manche Pioniere schaffen es, über Probleme zu stolpern, die nur in ihrer persönlichen Ecke des künstlerischen Universums auftreten -, aber es gibt einige klassische Fehler, die ich oft genug sehe, um sie zu erwähnen. Verbannen Sie diese aus Ihren Mustern, und Sie werden dem Ziel, einen Kunden zu beeindrucken und einen Auftrag zu bekommen, ein großes Stück näher kommen.

1. Das Überschreiten der Aktionslinie

Die "Handlungslinie" ist eine imaginäre Linie, die zwischen den Hauptfiguren in einer Szene verläuft. Aus Gründen der Klarheit wird ein guter visueller Erzähler es vermeiden, den Leser plötzlich auf die andere Seite dieser Linie zu versetzen. Ziel ist es, dass der Leser sich selbst in der Szene wiederfindet, damit er die Handlung besser verstehen kann.

Also, zum Beispiel: Stellen Sie sich ein Panel vor, in dem Figur A Figur B von links nach rechts jagt. Wenn wir Leser im nächsten Panel auf die andere Seite dieser Verfolgungsjagd gegangen sind, erscheinen uns die Figuren plötzlich in die entgegengesetzte Richtung zu laufen: von rechts nach links. Solche Verschiebungen können verwirrend sein. Wenn Sie den Leser auf derselben Seite des Handlungsstrangs halten, wird diese Verwirrung vermieden. (Dieses Prinzip ist auch als "180-Grad-Regel" bekannt.)

2. Inkonsistente Fluchtpunkte

Oft richten unerfahrene Künstler die meisten ihrer perspektivischen Linien auf einen bestimmten Fluchtpunkt aus, werden dann aber faul und raten bei einigen anderen Linien, was zu Unstimmigkeiten führt. So werden die Ziegel und Fenster eines Gebäudes auf einen Fluchtpunkt ausgerichtet, aber die Kanten, z. B. der Tür, werden anderswo ausgerichtet. Das Ergebnis sieht unschön aus. Um diesen Effekt zu vermeiden, sollten Sie besonders darauf achten, dass alle Linien in einer Zeichnung, die parallel zueinander verlaufen, auf denselben Fluchtpunkt ausgerichtet sind.

Wenn Sie die "Zwei-Punkt-Perspektive" verwenden, achten Sie darauf, dass beide Punkte auf derselben Horizontlinie liegen. Andernfalls scheinen die Formen in Ihrer Umgebung zu kippen.

3. Nicht referenzierte Objekte

Zu oft sehe ich in den Mustern von Amateuren Gegenstände, Outfits oder Tiere, die offensichtlich erfunden oder aus einer verschwommenen Erinnerung heraus gezeichnet wurden. Das sieht man! Solange Sie ein Objekt nicht mehrmals aus der Beobachtung heraus gezeichnet haben, versuchen Sie nicht, es ohne Referenz zu zeichnen. Nehmen Sie sich eine Minute Zeit, um ein Foto des Objekts zu suchen und danach zu zeichnen. Ihre Arbeit wird dadurch viel schärfer aussehen.

4. Flächenbündig

Unerfahrene Künstler verlassen sich oft auf bloße Linien, um Tiefe anzudeuten, anstatt die Art und Weise zu zeichnen, wie die Formen zurücktreten oder sich ausdehnen. Anstatt beispielsweise einen Hemdkragen oder einen aufgerollten Ärmel zu zeichnen, die eindeutig auf dem Körper aufliegen, deuten sie das Hemd nur an, indem sie eine Linie um den Hals oder das Handgelenk ziehen. Oder anstelle eines Fensters wie unten links, das treppenförmig in das Gebäude hineinragt, zeichnen sie ein Fenster wie rechts, das bündig mit der Wand abschließt.

5. Flache Inszenierung

Dies bezieht sich auf den obigen Tipp. Unerfahrene Künstler inszenieren ihre Szenen oft flach: Sie positionieren die Seiten von Gebäuden oder Fahrzeugen senkrecht zum Betrachter, anstatt sie schräg zu stellen. Wenn sie Figuren zeichnen, die sich unterhalten, zeigen sie sie oft direkt von der Seite, im Profil, statt aus einem schrägen Blickwinkel (näher an einem Gesprächspartner oder einer Gesprächspartnerin). Dies verleiht der Szene eine Flächigkeit, die wie ein schlechtes Bühnenstück aussehen kann.

Eine flache Inszenierung kann funktionieren, wenn sie absichtlich gemacht wird, um ein humorvolles Gefühl von Distanz zu erzeugen (siehe z. B. die Filme von Wes Anderson), aber normalerweise wird sie aus Unwissenheit gemacht, was zu Szenen führt, denen es an Tiefe, Dynamik und einem Gefühl von Realität fehlt. Versuchen Sie stattdessen, Objekte und Interaktionen aus schrägen Blickwinkeln darzustellen.

6. Geteilter Fokus

Ein häufiger Fehler von unerfahrenen Cartoonisten ist der Versuch, zu viele Handlungspunkte in ein einziges Panel zu packen. Im Allgemeinen ist die angemessene Anzahl von Handlungspunkten, die in einem einzigen Panel enthalten sein sollten: 1 (EIN). Wenn in einem einzigen Panel mehrere Schwerpunkte gesetzt werden, besteht die Gefahr, dass die Leser verwirrt werden und jeder Schwerpunkt mit den anderen konkurriert, was ihre Wirkung mindert.

Wenn Sie Ihre Seite durchblättern, versuchen Sie, jedes Panel laut zu beschreiben. Wenn du dich dabei ertappst, dass du sagst: "Die Kühe fliehen in einer Stampede durch das Gatter, und außerdem sehen wir, wie Black Bart Gift in das Chili des Sheriffs schüttet...", dann musst du dieses Panel wahrscheinlich in zwei Panels aufteilen oder einen dieser Storypunkte für eine spätere Seite aufheben.

7. Unschöne Texturen

Wenn man auf einem großformatigen Zeichenbrett zeichnet, ist die Versuchung groß, sich auf einen kleinen Teil der Seite zu konzentrieren und winzige Details, Schraffuren oder Federn hinzuzufügen. (Diese Versuchung ist noch größer, wenn man digital arbeitet und nach Belieben heranzoomen kann.) Leider können Details, die aus der Nähe gut aussehen, zu einer verwirrenden Unschärfe verschmelzen, wenn das Bild für die Veröffentlichung verkleinert wird. Redakteure, die Ihre Arbeit begutachten, werden solche Probleme sofort bemerken.

Um sicherzustellen, dass Ihre Bilder beim Schrumpfen richtig gelesen werden, halten Sie ein typisches Comic-Heft hoch und lehnen Sie sich vom Schreibtisch zurück, bis das Bild auf Ihrer Seite (oder Ihrem Monitor) der Größe des Comics entspricht. Schauen Sie sich dann Ihr Bild an und suchen Sie nach Stellen, an denen die Linien zu unleserlichen Schlieren werden. Wenn Sie solche Stellen finden, radieren Sie sie aus und vereinfachen Sie sie.

8. Schlechtes Black-Spotting

Zu viele schwarze Formen, die über eine Zeichnung verstreut sind, können einen Camouflage-Effekt haben und das Auge verwirren. Es ist besser, die Schattenbereiche einer Zeichnung in einigen wenigen Hauptformen (oder Gruppierungen von Formen) zusammenzufassen. Im Allgemeinen gilt: Je weniger und einfacher die dunklen Formen (oder Gruppierungen) sind, desto stärker ist die Zeichnung.

Außerdem neigen unerfahrene Künstler dazu, die meisten dunklen Bereiche in einem Teil des Panels zu platzieren, anstatt sie über das gesamte Panel zu verteilen. Halten Sie es einfach und suchen Sie nach Möglichkeiten, einen dunklen Bereich in einem Teil Ihres Panels durch ein oder zwei andere dunkle Bereiche an anderer Stelle auszugleichen. Künstler wie Alex Toth, Hugo Pratt und Mike Mignola sind Meister auf diesem Gebiet und es lohnt sich, sie zu studieren.

9. Sich wiederholende Texturen

Oft beherrscht ein junger Künstler eine bestimmte Textur und verwendet diese dann auf jedem Objekt auf der Seite, was zu einer seltsamen Gleichartigkeit führt. Wir bewundern vielleicht den Fiberglasglanz auf dem Auto in einem Panel ... aber dann bemerken wir denselben Glanz auf dem Trikot der Figur, auf ihrem Haar und ihrer Haut, auf dem Baumstamm und der Gebäudewand - alles sieht aus wie mit Fiberglas überzogen! Fordern Sie sich stattdessen heraus, eine Vielzahl von Texturen darzustellen: Holz, Fell, Stoff, Metall, Glas, usw.

10. Rücksichtsloses Beschneiden

Anfänger fügen oft zu viel "Luft" um die Handlung herum ein und zeigen uns ablenkende Teile der Umgebung, die für die Pointe des Panels irrelevant sind. Oder sie zoomen zu nah heran und zeigen uns nicht genug von der Umgebung, um zu verstehen, was oder wo etwas passiert.

Um dies zu vermeiden, machen Sie eine vorläufige Skizze von jedem Panel, wobei Sie die Ränder weglassen. Bedecken Sie die Ober- und Unterseite sowie die Seiten mit Ihren Händen und fragen Sie sich, wie viel Sie abdecken können, ohne den Leser zu verwirren. Sobald Sie einen geeigneten Ausschnitt für das Feld gefunden haben, zeichnen Sie die Ränder entsprechend ein und folgen diesem Plan, wenn Sie das Feld auf der eigentlichen Seite skizzieren.

11. Unklare Gesichtsausdrücke

Ich kann Ihnen gar nicht sagen, wie oft ich Figuren sehe, die in einem tödlichen Kampf verwickelt sind, um einen geliebten Menschen trauern oder einen Witz reißen, und deren Gesichter ausdruckslos sind. Es ist, als ob der Künstler gelernt hat, ein Gesicht auf eine bestimmte Art zu zeichnen und verzweifelt versucht, den Ausdruck nicht zu verändern, aus Angst, es zu vermasseln. Üben Sie das Zeichnen verschiedener Ausdrücke! Das Gesicht einer Figur ist einer der stärksten Indikatoren dafür, wie sich der Leser in Ihrer Szene fühlen sollte. Es ist wie ein Ruder der Emotionen; nutzen Sie es! Zeigen Sie diese Gefühle!

12. Aktion nach links

Die Leser hier im Westen lesen Comics von links nach rechts, daher fühlt es sich "richtig" an, wenn die Figuren nach rechts schauen und sich nach rechts bewegen. Eine Bewegung nach rechts suggeriert, dass sie sich in Richtung Zukunft bewegen, zum nächsten Teil ihrer Geschichte.

Gelegentlich kann es sinnvoll sein, dass sich Figuren nach links bewegen (z. B. wenn sie einen Raum von links betreten und sich jetzt zum Verlassen umdrehen), aber das ist kontraintuitiv. Wenn sich Charaktere nach links bewegen, hat man das Gefühl, dass sie gegen den Strom schwimmen, versuchen, sich zeitlich rückwärts zu bewegen, und auf eine Kollision mit dem vorherigen Panel zusteuern. Wann immer es möglich ist, ist es am besten, die Handlung nach rechts zu richten, in die Richtung, in der der Leser liest.

Natürlich gibt es noch andere Möglichkeiten (unzählige Möglichkeiten!), wie eine Seite schief gehen kann, aber die Vermeidung der oben genannten Probleme wird Ihre Arbeit erheblich verbessern und Ihnen einen guten Vorsprung vor Ihren Mitbewerbern verschaffen.

Viel Glück, und wir sehen uns nächsten Monat hier!

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Jesse Hamm's Carousel erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!