JESSE HAMM'S KARUSSELL
Karussell 016: Äußere Einflüsse
Angehenden Comic-Zeichnern wird oft geraten, andere Fachgebiete zu studieren und ihre Arbeit an Comics von anderen Disziplinen als dem Comic beeinflussen zu lassen. Aber "andere Bereiche" sind ein weites Feld. Wo soll man da anfangen? Sicherlich können breit gefächerte Themen wie Geschichte, Politik, Philosophie und Religion viel zu Ihrer Arbeit beitragen, aber diese verdienen es, ein Leben lang erforscht zu werden. Schüler, die sich sofort verbessern wollen, sollten mit Themen beginnen, die eindeutig einen Bezug zu Comics haben.
In diesem Sinne finden Sie hier eine Liste von Themen, die nicht mit Comics zu tun haben und die Ihre Arbeit an Comics stärken werden, sowie spezifische Bücher aus jedem Bereich, die zu lesen sich lohnt.
Kinematographie
Es ist wichtig, Filme zu studieren, um das visuelle Erzählen zu lernen. Das geht über das bloße Genießen vieler Filme hinaus. Die Filmindustrie war schon immer weitaus lukrativer als die Comicindustrie, so dass das Medium Film im Laufe der Jahre weitaus mehr wissenschaftliche Aufmerksamkeit auf sich gezogen hat als das Medium Comics. Das Ergebnis ist, dass Bücher und Kurse über Film mehr Wissen über visuelles Erzählen bieten als Bücher und Kurse über Comics. Aus Büchern über Kinematografie können wir beispielsweise viele Lektionen darüber lernen, wie man eine Geschichte rahmen kann - Informationen, die man in Büchern über Comics normalerweise nicht findet. Hier sind zwei solcher Bücher:
In Joseph Mascellis The Five C's of Cinematography geht es darum, Aufnahmen zu komponieren, die klar und effektiv vermitteln, was in einer Szene passiert.
In The Visual Story von Bruce Block geht es um die Komposition von Aufnahmen, die eine bestimmte Stimmung erzeugen und die Erzählung unterstützen.
Storyboarding
Das Storyboarding ist mit der Kinematografie verwandt, aber es geht nicht nur um die Gestaltung der Aufnahmen, sondern auch darum, welche Momente in welcher Reihenfolge gezeigt werden sollen. Diese Entscheidungen klug zu treffen, ist entscheidend für die Erstellung guter Comics.
Das beste Buch, das ich zu diesem Thema gefunden habe, ist David Mamet's On Directing Film. In diesem Buch gibt es keine Bilder; es geht nicht um Zeichnen oder gar Fotografie. Aber was es enthält, ist von unschätzbarem Wert: eine tiefgründige Diskussion darüber, wie man die Momente auswählt, die die Geschichte am besten erzählen, und - ganz wichtig - was man weglassen sollte.
Handelnde
Comic-Figuren "handeln" nicht so wie in Filmen oder Theaterstücken; ihre Stimmen sind nie zu hören und sie bewegen sich nicht wirklich. Umso wichtiger ist das "Schauspiel" ihrer Mimik, Gestik und Körperhaltung. Allzu oft begnügen wir uns in Comics mit der Art von klischeehaftem, übertriebenem Schauspiel, das in den 1950er Jahren aus der Mode kam, und ignorieren die subtileren Methoden, die Schauspieler seither entwickelt haben. Sie können dies bei Ihrer Arbeit ändern, indem Sie die folgenden Bücher lesen:
In Constantin Stanislavskis An Actor Prepares geht es darum, dass man eine Darbietung aus sich selbst heraus wachsen lässt, nachdem man sich in die Szene hineinversetzt hat, anstatt Standardverhaltensweisen aufzusetzen, die wir mit der vorgeschriebenen Emotion verbinden. Wenn Sie sich oft auf Standardausdrücke und -gesten verlassen, um nuancierte Emotionen in Ihrer Arbeit zu vermitteln, sollten Sie dieses Buch lesen.
Robert Lewis' Methode oder Wahnsinn durchbricht den Nebel, der sich um Stanislawskis manchmal esoterische Ideen gebildet hat, und hilft dem Schauspieler (oder Karikaturisten), Stanislawskis Theorien auf praktische Weise anzuwenden.
Geschichte
Comics sind eine erzählende Kunstform. Obwohl das Zeichnen in Comics wichtig ist, steht die Geschichte im Vordergrund. Selbst ein Künstler, der nicht schreibt, wird daher davon profitieren, zu verstehen, wie Geschichten funktionieren. Die Art und Weise, wie man eine Szene beschleunigt oder verlangsamt, wie man einen Witz oder einen Schrecken aufbaut und ihn auslöst, wie man wichtige Details hervorhebt und Belanglosigkeiten herunterspielt ... all diese Aspekte werden durch das Verständnis der Geschichte beeinflusst.
Robert McKees treffend benanntes Buch Story ist das beste Buch, das ich zum Thema Storywriting gelesen habe. Es richtet sich an Drehbuchautoren, aber seine Lektionen darüber, wie Geschichten erzählt werden, gelten für alle Arten von Fiktion.
Zusammensetzung
Die Kunst in Comics ist in der Regel gezeichnet und nicht gemalt, so dass angehende Comiczeichner in der Regel Bücher über das Zeichnen suchen. Allerdings wird das Zeichnen erst seit etwas mehr als einem Jahrhundert als Kunstform praktiziert und genießt noch immer nicht das Ansehen, das die Malerei seit über 500 Jahren genießt. Daher gibt es mehr Wissen über die Malerei als über das Zeichnen, und die meisten Bücher, die die visuelle Darstellung lehren, richten sich an Maler. Dies gilt insbesondere für Bücher über Komposition. Die meisten Bücher, die wertvolle Lektionen über Komposition enthalten, wurden von Malern geschrieben und tragen das Wort "Paint" im Titel, was dazu führt, dass sie von Cartoonisten, die Komposition lernen wollen, aber kein Interesse an der Malerei haben, übergangen werden. Unabhängig davon, ob Sie malen wollen oder nicht, in den Hügeln dort liegt Gold! Trotzen Sie der "How-to-Paint"-Abteilung Ihrer Bibliothek oder Ihres Buchladens, und Sie werden viel Wertvolles lernen, das nicht in Zeichenbüchern vermittelt wird.
Greg Alberts The Simple Secret to Better Painting ist das Buch, das ich empfehlen würde, wenn ich nur ein Buch über Komposition empfehlen könnte. Alberts Tipps zur Bildkomposition werden die Kraft und Klarheit Ihrer Arbeit sofort verbessern.
Hier sind einige andere Bücher über Malerei, die auch für zeichnende Künstler von Nutzen sind:
- Foster Caddells Schlüssel zum Erfolg in der Landschaftsmalerei
- Carlson's Guide to Landscape Painting, von John F. Carlson
- Gregg Kreutz' Problemlösung für Ölmaler
Fantasie
Wenn Sie heutzutage Comics zeichnen, arbeiten Sie wahrscheinlich viel im Fantasy-Genre oder in einem seiner phantasievollen Verwandten (Horror, Science Fiction, Superhelden usw.). Vieles an der Phantastik ist einzigartig für das Genre, daher ist es für den Phantasten nützlich, die philosophischen Grundlagen der Phantasieerzählung zu verstehen. Es sind viele Bücher darüber geschrieben worden, wie man Fantasy erschafft, genießt und darüber nachdenkt, aber hier sind drei Werke, die ich zu Beginn zu Rate ziehen würde:
In Bruno Bettelheims The Uses of Enchantment (Der Nutzen der Verzauberung ) wird erörtert, wie Märchen (und im weiteren Sinne jede übernatürliche Fiktion) Balsam für die Seele sein können.
J.R.R. Tolkiens "On Fairy-Stories" ist ein fast 70-seitiger Essay, der in Buchsammlungen (wie The Tolkien Reader) nachgedruckt wird. Tolkien hat sich viele Gedanken darüber gemacht, was Fantasie ist, wie man sie schreibt und welche Rolle sie im Kopf des Lesers spielt, und er legt seine Gedanken in diesem Essay dar, der für jeden Studenten des Genres interessant sein dürfte.
C.S. Lewis' On Stories ist eine Sammlung seiner Essays über Belletristik, darunter Aufsätze über Fantasy, Science Fiction, Tolkiens Werke und vieles andere Interessante. Lewis ist ein weiteres Kraftpaket des Fantasy-Genres, und seine Erörterungen darüber sind klar und regen zum Nachdenken an.
Es gibt also eine Menge zu lesen und zu lernen. Überanstrengen Sie sich nicht, aber wenn Sie mit Ihren Comicbüchern am Ende sind und Ihre Kenntnisse erweitern wollen, würde ich Sie ermutigen, eine Auswahl aus den oben genannten Büchern zu treffen und sich darauf einzulassen.
Wir sehen uns nächsten Monat hier!
Carousel von Jesse Hamm erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!