Dilettant 008: Ein Drehbuch lesen

Vor ein paar Monaten habe ich einige Hinweise für Schriftsteller zum Schreiben für einen Künstler gegeben. Jetzt ist es an der Zeit, dass ich auch einige Vorschläge für Künstler gebe. Hier sind einige Gedanken dazu, wie man ein Drehbuch liest.

Erstens: Alle diese Tipps gelten nur, wenn die Zeit es zulässt. In einem Medium, das in der Regel von Fristen geprägt ist, sollte man sich darüber im Klaren sein, dass jeder nur sein Bestes geben kann, wenn der Zeitplan des Projekts eingehalten wird. Keiner dieser Tipps ist zwingend erforderlich, um gute Arbeit zu leisten. Erfahrene Künstler machen viele von ihnen, ohne darüber nachzudenken.

Als Erstes lesen Sie ihn von Anfang bis Ende durch. Nehmen Sie einen Stift zur Hand und markieren Sie die Stellen, an denen Sie eine Frage oder eine Idee haben. Machen Sie sich noch nicht die Mühe, detaillierte Notizen zu machen. Machen Sie nur ein kurzes Häkchen. Sie wollen sich einen Eindruck von der Tragweite der Geschichte verschaffen. Wenn Sie am Ende angelangt sind, drehen Sie sich um und lesen Sie noch einmal.

Dabei stelle ich mir in der Regel einige Fragen. Hier sind einige davon, mit Beispielen, wie ich sie beantworten könnte.

Wann spielt sich die Geschichte ab? Zu welcher Zeit im Jahr? Zu welcher Tageszeit? Wie ist das Wetter?

"Frühjahr 2011. Ich habe Szenen bei Sonnenuntergang, spät in der Nacht und zur Mittagszeit. Die Geschichte spielt in Portland, es wird also grau und bewölkt sein und ständig nieseln."

Welche Elemente müssen Sie vorbereiten und recherchieren, bevor Sie sie zeichnen können, und welche können Sie direkt auf dem Blatt improvisieren?

"Ich kann das Haus in der Vorstadt und die Parkplatzszenen zeichnen, aber für den alten Chevy, in den sie einbrechen, brauche ich eine Vorlage, und ich muss lernen, wie es aussieht, wenn man ein Auto kurzschließt. Andererseits wird durch die Dialoge klar, was sie tun, und wenn die Zeit knapp ist, kann ich die Szene so gestalten, dass die Dinge, die ich nicht darstellen kann, im Off passieren.

Hat sich die Tonalität der Geschichte verändert? (Was ich damit meine: Fängt die Geschichte düster an und wird dann fröhlich? Wechseln sie von ruhig zu hektisch?)

"Die Hauptfigur ist anfangs verrückt und verwirrt, findet aber ihre Mitte. Die Geschichte beginnt auf einer Kindergeburtstagsparty. Auf dem Höhepunkt gibt es eine Verfolgungsjagd, die tödlich endet. Gegen Ende stirbt ein Tier in der Wüste, und zwei ältere Frauen gehen am Strand spazieren. Es sieht so aus, als ob wir uns von aufregend über wild zu ruhig bewegen. Wenn die Szenen nicht ausdrücklich verlangen, dass ich das unterlaufe, werde ich Hintergrundelemente und ungeschriebene Handlungen der Charaktere verwenden, um jede Szene, die ich illustriere, mehr oder weniger laut werden zu lassen, damit sie in diesen emotionalen Bogen passt.

Wenn ich mit der Streichelzoo-Szene auf Seite 14 Ruhe vermitteln will, könnte ich ein kleines Mädchen zeigen, das ein Lamm mit der Flasche füttert. Wenn ich Chaos zeigen will, könnte dasselbe Mädchen stattdessen ausflippen und ihren kleinen Bruder umwerfen, während sie vor einer Herde Babyziegen flieht.

Was sind die wichtigsten Fakten über die Hauptfiguren, und wie kann ich sie dem Leser vermitteln?

Bob ist wütend darüber, dass er in einem reichen Vorort in Armut aufgewachsen ist, und er hat immer ein Problem mit dem Geld. Jetzt hat er Geld. Zieht er sich teuer an, um der Welt zu zeigen, dass er nicht mehr arm ist, oder legt er Wert darauf, schäbig und leger zu sein, um auszudrücken, dass er Geld nicht für wichtig hält?

Wie umfangreich muss jede Seite sein?

Wenn die meisten Seiten 8 oder 9 Panels haben, muss ich in einem Stil arbeiten, der auch dann noch gut lesbar ist, wenn die Panels alle winzig sind. 

Gibt es wichtige visuelle Details, die der Autor nicht erwähnt hat?

Auf Seite 5 flirtet Constance mit einem gut aussehenden Kassierer, aber ich weiß nicht, wie alt er ist. Constance ist 17. Wenn ich den Kassierer als 20-Jährigen zeichne, erzähle ich den Lesern eine Sache. Wenn ich ihn als 44-Jährigen zeichne, sage ich ihnen etwas anderes.

Kann ich die Geschichte einfach so erzählen, wie sie geschrieben ist, oder muss ich sie korrigieren?

Wenn es sich um eine gut konstruierte Geschichte handelt, mit einer sinnvollen Handlung, erkennbaren Motivationen und Konflikten, klar formulierten Themen und einem Anfang, einer Mitte und einem Ende, ist es meine Aufgabe, ein Fenster zur Geschichte zu sein und sie so einfach und direkt wie möglich zu erzählen. Wenn die Geschichte keinen Sinn ergibt oder es keine Geschichte gibt, muss ich nach Möglichkeiten suchen, etwas im Drehbuch zu finden, das sich wie eine Erzählung anfühlt, und dies mit meinen Bildern vermitteln. Wenn die gesprochenen Beweggründe einer Figur keinen Sinn ergeben, kann ich sie vielleicht mit Bildern untergraben, die dem widersprechen, was er oder sie sagt? Kann ich Emotionen hervorrufen, die zu der Szene in der Geschichte passen, auch wenn diese Emotionen in der Handlung nicht verdient sind? Und wenn die Geschichte völlig unverkäuflich ist, ist es dann zu spät, um sie abzusagen und ein anderes Projekt zu finden, oder muss ich mich damit abfinden und einfach versuchen, meinen Lesern ein paar amüsante Momente oder hübsche Bilder zu bieten?

Ein gutes Drehbuch wird Ihnen viele interessante Fragen stellen. Manche Autoren arbeiten gerne direkt mit Künstlern zusammen und diskutieren diese Dinge gerne. Andere ziehen es vor, die Hände in den Schoß zu legen und vertrauen darauf, dass Sie selbst die richtigen Entscheidungen treffen. Wie auch immer, seien Sie stolz auf Ihren Beitrag und denken Sie daran, dass Sie nicht für den Autor oder den Redakteur arbeiten. Sie, der Autor und der Redakteur arbeiten alle für den Leser.

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Steve Lieber's Dilettante erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat auf Toucan!