TRABAJAR DE FORMA MÁS INTELIGENTE
Diletante 004: Uso de la referencia fotográfica
Cuando estaba en la escuela de arte, era un tonto ignorante.
De alguna manera, me había metido en la cabeza la idea de que los verdaderos artistas no usan fotos de referencia. Puse mucha energía en elaborar argumentos a prueba de balas de que mirar fotos al dibujar comprometería tu verdadera visión y te convertiría de artista en birlador. Regañaba a mis compañeros cuando sacaban una cámara o (peor aún) cuando trabajaban a partir de una foto que había hecho otra persona. Les regañaba y les avergonzaba.
Y durante casi una década después de graduarme, evité utilizar referencias fotográficas. De vez en cuando, sucumbía a la presión de los plazos y tomaba fotos para resolver un problema, pero en general, me pasé los 90 y principios de los 00 construyendo todo lo que dibujaba de mi propia cabeza, o a partir de poses que yo mismo hacía en el espejo.
Sin embargo, llegó un momento en que me di cuenta de que me había estancado. Mi trabajo no mejoraba y repetía personajes y poses de un proyecto a otro. Básicamente -no hay forma de decir esto sin parecer un imbécil arrogante-, me cansé de no ser tan bueno como los artistas a los que creía mejor. Me pregunté qué hacían mis colegas que yo no hiciera.
Una gran respuesta fue que se tomaron el tiempo de hacer fotos de referencia.
Pero no eran sólo mis colegas. Hablé con más artistas y poco a poco fui descubriendo cuántos de mis héroes e influencias utilizaban fotos. Si Neal Adams, Al Williamson, P. Craig Russell y Alex Raymond creían que las referencias fotográficas eran valiosas, quizá no debería rechazarlas de plano.
Así que empecé a adquirir accesorios y a hacer más fotos, y mi trabajo empezó a mejorar. Mi arte seguía siendo como lo había dibujado, pero mis caras y poses mostraban algo de frescura y variedad, mis escenarios eran más convincentes... y las páginas también salían más rápido.
Este último punto es clave. Los cómics casi siempre se dibujan con algún tipo de plazo de entrega, y un dibujante necesita generar mucho trabajo para ganarse algo parecido a una vida decente. Aunque tengas la habilidad necesaria para producir grandes obras sin usar fotos, vas a obstaculizar tu carrera si rechazas una herramienta que podría mejorar significativamente tu productividad.
Pero eso no significa que tener un montón de fotos en la mesa (o en la pantalla) sea una solución mágica. Puedes rodearte de referencias útiles y aun así hacer páginas horribles. Como ocurre con cualquier herramienta potente, hay trampas para quienes no la utilizan con cuidado. No se puede calcar una foto y esperar obtener un panel decente. Cuando se diseña una página, hay que elegir cuidadosamente todos los elementos que la componen. Las probabilidades de encontrar la foto perfecta para un panel son escasas.
Aquí tienes algunas cosas que debes tener en cuenta para aprovechar al máximo el uso de la referencia fotográfica.
- Las lentes de las cámaras pueden introducir distorsiones que resultan extrañas cuando se trasladan al arte lineal. Aprende a reconocer estas distorsiones y a corregirlas. Como regla general, cuanto más lejos estés del sujeto cuando hagas la foto, mejor. Si quieres un escorzo exagerado, obtendrás mejores resultados si empiezas con una o dos fotos no exageradas y las utilizas para hacer más convincente tu escorzo inventado.
- La narrativa de los cómics exige a menudo una claridad exagerada en la "actuación" que puede parecer torpe y extraña cuando la gente intenta hacerlo en la vida real. A la inversa, las referencias tomadas de situaciones sociales normales pueden parecer planas o inexpresivas en la página. Así que rara vez encontrarás la pose o la expresión adecuadas en las fotos de otras personas, y puede que te resulte difícil conseguir que tus modelos las produzcan para las tuyas.
Algunos dibujantes, como Alison Bechdel y mi compañera de estudio Erika Moen, utilizan una cámara con temporizador y posan ellos mismos para casi todas sus referencias, ya que saben lo que necesita cada panel mejor de lo que podría saberlo cualquier modelo. Los dibujantes entienden la exageración que requiere incluso un panel sencillo para que se lea correctamente.
Me encanta trabajar con Dylan porque es una actriz estupenda y siempre consigue añadir algo más a lo que se me ocurre en mis maquetas.
Echa un vistazo a su trabajo en https://dylanmeconis.com.
Aunque la pose de tu modelo sea casi perfecta, tendrás que darle un empujoncito al momento congelado que has capturado para que tenga la tensión y el ritmo de la realidad observada. A mí me ayuda dibujar al natural, pero seguir tus instintos de dibujante también puede ayudarte. Haz un dibujo gestual o un boceto de la pose antes de tomar o utilizar la foto de referencia; aunque sea anatómicamente inexacto, te recordará el espíritu que tendrás que captar en el dibujo final.
- Es útil que tu modelo lleve algo parecido a lo que lleva tu personaje. Pero la ropa de tus modelos en la vida real tendrá docenas de pliegues y arrugas incidentales que, si se copian fielmente, desordenarán tu dibujo. Analiza qué hace la tela y cómo está construida la ropa. A continuación, simplifícalo a las líneas más importantes para tu dibujo.
- No describas a tu personaje principal como una figura estilizada e inventada en un panel, y luego lo sigas con una foto de un actor de cine. Si lo haces, arruinarás la inmersión del lector en la historia. Mantén un estilo y un nivel de detalle coherentes entre los paneles referenciados y los no referenciados. Si trabajas con un estilo en el que el nivel de detalle varía de un panel a otro (como en muchos manga), deja que sea la historia -y no la presencia de una foto de referencia- la que dicte si un panel es sencillo o elaborado.
- Si vas a representar luces y sombras en tu cómic, trata de colocar cuidadosamente la luz sobre tus modelos para conseguir sombras que definan la forma. El flash integrado en una cámara rara vez ilumina una figura de un modo que resulte útil para un dibujante de cómics.
- Si vas a combinar varias fotos de referencia para formar una sola imagen, intenta tomar todas las fotos de referencia desde un mismo nivel de visión. Si los niveles de los ojos varían, tendrás que redibujar los distintos elementos de los paneles para que funcionen juntos.
- Si utilizas referencias para cada panel de cada página, pasas horas buscando o editando referencias para que queden "perfectas" antes de dibujar una sola línea, o evitas o ralentizas tu propio trabajo en lugar de acelerarlo, estás utilizando las referencias como una muleta, no como una herramienta. Limita el uso de referencias fotográficas a cosas que aceleren tu proceso normal o mejoren tu biblioteca mental de entornos y poses.
En una foto hay mucha información útil que puede mejorar tu trabajo, y mucha más que podría empeorarlo. Aprende a extraer todo lo útil y a descartar todo lo demás.
Utilizar las fotos con eficacia no es lo más fácil de aprender y variará en función de las necesidades y los métodos de cada artista, pero espero que esto sea un buen comienzo.
La columna Dilletante de Steve Lieber aparece el segundo martes de cada mes en Toucan. ¿Quieres compartir tus opiniones al respecto? Steve está en Twitter en @steve_lieber y en Facebook en http://www.facebook.com/steve.lieber.