Dilettante 004: Uso del riferimento fotografico

Quando frequentavo la scuola d'arte, ero uno stupido ignorante.

In qualche modo, mi ero fatto l'idea che i veri artisti non usano riferimenti fotografici. Ho speso molte energie per creare argomentazioni a prova di bomba sul fatto che guardare le foto quando disegni avrebbe compromesso la tua vera visione e ti avrebbe trasformato da un artista in uno scribacchino. Ho rimproverato i miei compagni di corso quando tiravano fuori una macchina fotografica o (peggio ancora) lavoravano da una foto scattata da qualcun altro. Li assillavo e li facevo vergognare.

E per quasi un decennio dopo la laurea ho evitato di usare riferimenti fotografici. Ogni tanto cedevo alla pressione delle scadenze e scattavo foto per risolvere un problema, ma in generale ho trascorso gli anni '90 e l'inizio degli anni '00 costruendo tutto ciò che disegnavo dalla mia testa o da pose che facevo da solo allo specchio.

A un certo punto, però, ho iniziato a rendermi conto di aver raggiunto un plateau. Il mio lavoro non migliorava e ripetevo personaggi e pose da un progetto all'altro. In pratica - non c'è modo di dirlo senza sembrare un idiota arrogante - mi sono stancato di non essere all'altezza di artisti che ritenevo migliori di me. Mi sono chiesto: cosa fanno i miei colleghi che io non faccio?

Una risposta importante è stata che si sono presi il tempo di scattare foto di riferimento.

Ma non si trattava solo dei miei coetanei. Ho parlato con altri artisti e pian piano ho scoperto che molti dei miei eroi e delle mie influenze usavano le foto. Se Neal Adams, Al Williamson, P. Craig Russell e Alex Raymond pensavano che il riferimento fotografico fosse prezioso, forse non avrei dovuto rifiutarlo a priori.

Così ho iniziato ad acquistare oggetti di scena e a scattare più foto, e il mio lavoro ha iniziato a migliorare. La mia arte aveva ancora l'aspetto che avevo disegnato, ma i miei volti e le mie pose mostravano una certa freschezza e varietà, le mie ambientazioni erano più convincenti e anche le pagine uscivano più velocemente.

Quest'ultimo punto è fondamentale. I fumetti sono quasi sempre disegnati con una sorta di scadenza e un fumettista ha bisogno di generare molto lavoro per guadagnarsi qualcosa che assomigli a una vita decente. Anche se avete le capacità grezze per produrre un ottimo lavoro senza usare le foto, rischiate di ostacolare la vostra carriera se rifiutate uno strumento che potrebbe migliorare significativamente la vostra produttività.

Questo però non significa che avere un mucchio di foto sulla scrivania (o sullo schermo) sia una pallottola magica. Ci si può circondare di riferimenti utili e tuttavia produrre pagine terribili. Come per ogni strumento potente, ci sono delle insidie per chi non lo usa in modo ponderato. Non si può semplicemente ricalcare una foto e aspettarsi di ricavarne una tavola decente. Quando si impagina una pagina, ogni elemento che la compone deve essere scelto con cura. Le probabilità di scattare o trovare la foto perfetta per una tavola sono minime.

Ecco alcune cose da tenere a mente per sfruttare al meglio il riferimento fotografico.

- Gli obiettivi delle macchine fotografiche possono introdurre distorsioni che appaiono bizzarre quando vengono tradotte in line art. Imparate a riconoscere queste distorsioni e a correggerle. Come regola generale, più si è lontani dal soggetto quando si scatta la foto, meglio è. Se volete uno scorcio esagerato, otterrete risultati migliori se iniziate con una o due foto non esagerate e le utilizzate per rendere più convincente lo scorcio inventato.

- La narrazione a fumetti richiede spesso una sorta di chiarezza esagerata nella "recitazione", che può apparire strana e stralunata quando le persone cercano di farlo nella vita reale. Al contrario, i riferimenti presi da situazioni sociali normali possono apparire piatti o inespressivi sulla pagina. Quindi, raramente troverete la posa o l'espressione giusta nelle foto degli altri, e potreste avere difficoltà a convincere i vostri modelli a produrle per le vostre.

Alcuni fumettisti, come Alison Bechdel e la mia compagna di studi Erika Moen, usano una macchina fotografica con un timer e posano da soli per quasi tutte le loro referenze, poiché sanno di cosa ha bisogno ogni pannello meglio di qualsiasi modello. I vostri colleghi artisti saranno spesso modelli migliori di chiunque altro possiate trovare per posare per voi; i fumettisti capiscono l'esagerazione che anche un pannello sobrio richiede per essere letto correttamente.

Anche se la posa assunta dal modello è quasi perfetta, dovrete comunque trasformare il momento congelato che avete catturato in qualcosa che abbia la tensione e il ritmo della realtà osservata. Ho scoperto che disegnare regolarmente dal vero aiuta in questo senso, ma anche seguire il vostro istinto di disegnatori può aiutarvi. Fate un disegno gestuale o uno schizzo della posa prima di scattare o usare la foto di riferimento; anche se è anatomicamente impreciso, vi ricorderà lo spirito che dovrete catturare nel disegno finale.

- È utile che il modello indossi qualcosa di simile a ciò che indossa il personaggio. Ma l'abbigliamento reale del modello avrà decine di pieghe e grinze che, se copiate fedelmente, ingombreranno il disegno. Analizzate cosa fa il tessuto e come è costruito l'abbigliamento. Quindi semplificate le linee più importanti per il vostro disegno.

- Non ritraete il vostro personaggio principale come una figura stilizzata e inventata in un pannello, per poi seguirlo con una foto di un attore cinematografico che fa riferimento a un'immagine molto precisa. Se lo fate, rovinerete l'immersione del lettore nella storia. Mantenete uno stile e un livello di dettaglio coerente tra le tavole di riferimento e quelle non di riferimento. Se lavorate in uno stile che varia nel livello di dettaglio da pannello a pannello (come in molti manga), lasciate che sia la storia - e non la presenza di una foto di riferimento - a stabilire se un pannello è semplice o elaborato.

- Se nel vostro fumetto volete rappresentare luci e ombre, cercate di disporre con cura la luce sui vostri modelli per ottenere ombre che definiscano la forma. Il flash incorporato di una macchina fotografica raramente illumina una figura in un modo che un artista può trovare utile per disegnare un fumetto.

- Se state combinando diverse foto di riferimento per formare un'unica immagine, cercate di scattare tutti i vostri riferimenti per quell'immagine da un'altezza di sguardo coerente. Quando i livelli degli occhi variano, è necessario ridisegnare i vari elementi nei pannelli per farli funzionare insieme.

- Se vi ritrovate a usare i riferimenti per ogni tavola di ogni pagina, a passare ore a cercare o modificare i riferimenti per averli "giusti" prima di disegnare una singola linea, o a evitare/rallentare il vostro lavoro invece di accelerarlo, allora state usando i riferimenti come una stampella, non come uno strumento. Limitate l'uso dei riferimenti fotografici a ciò che accelera il vostro processo normale o migliora la vostra libreria mentale di ambienti e pose.

In una foto ci sono molte informazioni utili che possono migliorare il vostro lavoro e altre che potrebbero peggiorarlo. Imparate a estrarre tutto ciò che è utile e a scartare tutto il resto.

Utilizzare le foto in modo efficace non è la cosa più facile da imparare e varia a seconda delle esigenze e dei metodi di ciascun artista, ma spero che questo sia un buon inizio.

---

La rubrica Dilletante di Steve Lieber appare il secondo martedì di ogni mese su Toucan. Volete condividere le vostre opinioni in merito? Steve è su Twitter all'indirizzo @steve_lieber e su Facebook all'indirizzo http://www.facebook.com/steve.lieber.