Dilettante 004 : Utiliser les photos de référence

Lorsque j'étais à l'école d'art, j'étais un idiot ignorant.

D'une manière ou d'une autre, je m'étais mis en tête que les vrais artistes n'utilisaient pas de photos de référence. J'ai consacré beaucoup d'énergie à élaborer des arguments à l'épreuve des balles selon lesquels le fait de regarder des photos lorsque vous dessinez compromettrait votre véritable vision et transformerait l'artiste que vous êtes en un "swipe-hack". J'ai réprimandé mes camarades de classe lorsqu'ils sortaient leur appareil photo ou (pire encore) travaillaient à partir d'une photo prise par quelqu'un d'autre. Je les ai harcelés et leur ai fait honte.

Et pendant près d'une décennie après l'obtention de mon diplôme, j'ai évité d'utiliser moi-même des photos de référence. De temps en temps, je succombais à la pression des délais et prenais des photos pour résoudre un problème, mais dans l'ensemble, j'ai passé les années 90 et le début des années 2000 à construire tout ce que je dessinais dans ma tête ou à partir de poses que je faisais moi-même dans le miroir.

Cependant, à un moment donné, j'ai commencé à me rendre compte que j'avais atteint un plateau. Mon travail ne s'améliorait pas et je répétais les mêmes personnages et les mêmes poses d'un projet à l'autre. En fait - il n'y a pas moyen de le dire sans passer pour un crétin arrogant - j'en avais assez de ne pas être aussi bon que les artistes que je pensais être meilleurs que moi. Je me suis demandé ce que faisaient mes pairs que je ne faisais pas.

L'une des principales réponses est qu'ils ont pris le temps de prendre des photos de référence.

Mais il n'y avait pas que mes pairs. J'ai parlé à d'autres artistes et j'ai progressivement découvert que beaucoup de mes héros et de mes influences utilisaient des photos. Si Neal Adams, Al Williamson, P. Craig Russell et Alex Raymond pensaient tous que les références photographiques avaient de la valeur, peut-être ne devais-je pas les rejeter d'emblée.

J'ai donc commencé à acquérir des accessoires et à prendre plus de photos, et mon travail s'est amélioré. Mon travail ressemblait toujours à ce que j'avais dessiné, mais mes visages et mes poses montraient une certaine fraîcheur et une certaine variété, mes décors étaient plus convaincants et les pages sortaient plus rapidement.

Ce dernier point est essentiel. Les bandes dessinées sont presque toujours réalisées dans un délai donné, et un dessinateur doit produire beaucoup de travail pour gagner correctement sa vie. Même si vous avez les compétences brutes nécessaires pour produire un excellent travail sans utiliser de photos, vous allez entraver votre carrière si vous rejetez un outil qui pourrait considérablement améliorer votre productivité.

Cela ne signifie pas pour autant que le fait d'avoir un tas de photos sur son bureau (ou son écran) est une solution miracle. Vous pouvez vous entourer de références utiles et produire malgré tout des pages épouvantables. Comme tout outil puissant, les personnes qui ne l'utilisent pas de manière réfléchie s'exposent à des pièges. Vous ne pouvez pas vous contenter de tracer une photo et espérer en tirer un panneau décent. Lorsque vous mettez une page en page, chaque élément qui la compose doit être choisi avec soin. Les chances que vous preniez ou trouviez la photo parfaite pour une planche sont minces.

Voici quelques points à garder à l'esprit pour tirer le meilleur parti de l'utilisation de la référence photographique.

- Les objectifs des appareils photo peuvent introduire des distorsions qui paraissent bizarres lorsqu'elles sont transposées en dessin au trait. Apprenez à reconnaître ces distorsions et à les corriger. En règle générale, plus vous vous éloignez de votre sujet lorsque vous prenez votre photo, mieux c'est. Si vous souhaitez obtenir un raccourcissement exagéré, vous obtiendrez de meilleurs résultats en commençant par une ou deux photos non exagérées et en les utilisant pour rendre votre raccourcissement inventé plus convaincant.

- Le récit en bande dessinée exige souvent une sorte de clarté exagérée dans le "jeu d'acteur", qui peut sembler maladroit et bizarre lorsque les gens essaient de le faire dans la vie réelle. Inversement, les références prises dans des situations sociales normales peuvent paraître plates ou inexpressives sur la page. Vous trouverez donc rarement la bonne pose ou la bonne expression dans les photos d'autres personnes, et vous aurez peut-être du mal à faire en sorte que vos modèles les produisent pour les vôtres.

Certains dessinateurs, comme Alison Bechdel et ma camarade de classe Erika Moen, utilisent un appareil photo avec une minuterie et posent eux-mêmes pour la quasi-totalité de leurs références, car ils savent mieux que n'importe quel modèle ce dont chaque planche a besoin. Vos pairs artistes seront souvent de bien meilleurs modèles que n'importe qui d'autre que vous pourrez trouver pour poser pour vous ; les dessinateurs comprennent l'exagération que même un panneau discret nécessite pour être lu correctement.

Même si la pose de votre modèle est presque parfaite, vous aurez toujours besoin de transformer l'instant figé que vous avez capturé en quelque chose qui a la tension et le rythme de la réalité observée. J'ai constaté que le dessin d'après nature m'y aide, mais suivre votre instinct de dessinateur peut aussi vous permettre d'y parvenir. Faites un dessin gestuel ou une esquisse de la pose avant de prendre ou d'utiliser la photo de référence ; même si elle est anatomiquement inexacte, elle vous rappellera l'esprit que vous devrez capturer dans votre dessin final.

- Il est utile que votre modèle porte un vêtement proche de celui de votre personnage. Mais les vêtements de la vie réelle de votre modèle comporteront des dizaines de plis et de rides accessoires qui, s'ils sont copiés fidèlement, encombreront votre dessin. Analysez ce que fait le tissu et comment le vêtement est construit. Simplifiez-les ensuite en vous limitant aux lignes les plus importantes pour votre dessin.

- Ne dépeignez pas votre personnage principal sous la forme d'une figure stylisée et inventée dans une planche, suivie d'une photo d'un acteur de cinéma qui s'y réfère étroitement. Si vous le faites, vous allez ruiner l'immersion de votre lecteur dans l'histoire. Maintenez un style et un niveau de détail cohérents entre les planches référencées et celles qui ne le sont pas. Si vous travaillez dans un style où le niveau de détail varie d'un panneau à l'autre (comme dans beaucoup de mangas), c'est l'histoire - et non la présence d'une photo de référence - qui détermine si un panneau est simple ou élaboré.

- Si vous représentez des ombres et des lumières dans votre bande dessinée, essayez de disposer soigneusement la lumière sur vos modèles afin d'obtenir des ombres qui définissent les formes. Le flash intégré d'un appareil photo éclaire rarement une figure d'une manière qui sera utile à l'artiste pour dessiner une bande dessinée.

- Si vous combinez plusieurs photos de référence pour former une seule image, essayez de prendre toutes les photos de référence pour cette image à partir d'un même niveau de vision. Si le niveau des yeux varie, vous devrez redessiner les différents éléments de vos panneaux pour les faire fonctionner ensemble.

- Si vous vous retrouvez à utiliser des références pour chaque planche de chaque page, si vous passez des heures à chercher ou à modifier des références pour qu'elles soient "parfaites" avant de dessiner la moindre ligne, ou si vous évitez ou ralentissez votre propre travail au lieu de l'accélérer, c'est que vous utilisez les références comme une béquille, et non comme un outil. Limitez votre utilisation de la référence photographique à des choses qui accélèrent votre processus normal ou améliorent votre bibliothèque mentale d'environnements et de poses.

Une photo contient beaucoup d'informations utiles qui peuvent améliorer votre travail, mais aussi beaucoup d'informations qui peuvent l'aggraver. Apprenez à extraire tout ce qui est utile et à rejeter tout le reste.

L'utilisation efficace des photos n'est pas la chose la plus facile à apprendre et diffère selon les besoins et les méthodes de chaque artiste, mais j'espère qu'il s'agit d'un bon début.

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La chronique Dilletante de Steve Lieber paraît le deuxième mardi de chaque mois sur Toucan. Vous voulez partager vos opinions sur le sujet ? Steve est sur Twitter à l'adresse @steve_lieber et sur Facebook à l'adresse http://www.facebook.com/steve.lieber.