GIOSTRA DI JESSE HAMM
Carosello 018: Anatomia
Si sente spesso dire che dobbiamo migliorare la nostra conoscenza dell'anatomia umana. Le lamentele per gli errori anatomici sono forse la critica più comune che sento quando gli artisti ricevono le recensioni dei loro portfolio. Anche se l'anatomia è particolarmente importante per gli artisti che disegnano supereroi, una buona padronanza dell'anatomia è importante in qualsiasi genere; la goffaggine di una figura disegnata male è sempre una distrazione. Inoltre, poiché nei fumetti mancano il movimento e il suono, il linguaggio del corpo di un personaggio è fondamentale per trasmettere i suoi stati d'animo e la sua personalità, e lo studio della figura migliora la fluidità del linguaggio del corpo.
Esistono innumerevoli libri di anatomia per artisti, un fatto che può essere scoraggiante per gli studenti che cercano di scegliere il libro giusto. Anche dopo aver scelto uno o due buoni libri, lo studente scopre rapidamente che ci sono innumerevoli muscoli e ossa da memorizzare e innumerevoli angolazioni e pose in cui possono apparire. Il compito sembra infinito!
La soluzione consiste nell'acquisire una conoscenza di base dell'anatomia all'inizio, per poi aggiungervi pezzi di conoscenza nel corso della carriera. È come un albero di Natale permanente: si compra l'albero un anno e si aggiungono alcune decorazioni, e poi si continua ad aggiungerne, anno dopo anno. A tal fine, ecco dieci punti sull'anatomia che dovrebbero fornirvi un quadro utile su cui basarvi.
1. La postura
Più di ogni altra cosa, ciò che "vende" un disegno di figura è la postura autentica. Una figura con una muscolatura accurata ma una postura non autentica non sarà mai convincente come una con una postura credibile, anche se le ossa e i muscoli di quest'ultima sono sbagliati. Il modo in cui stiamo in piedi e ci comportiamo ci identifica meglio delle dimensioni e delle forme dei nostri femori o bicipiti. È così che gli animali dei cartoni animati possono sembrare umani in modo convincente nonostante la loro anatomia disumana. Imparate a padroneggiare le posture delle vostre figure, a riposo e in movimento, e le gaffes anatomiche diventeranno insignificanti.
2. Linee d'azione
Una linea guida semplice e in picchiata, tracciata lungo la colonna vertebrale della figura all'inizio del disegno, darà alla posa energia e chiarezza. Che il personaggio sia a riposo o in movimento, tali linee guida - o "linee d'azione" - vi aiuteranno a riassumere la forma e l'atteggiamento essenziali della figura. Seguire questa sintesi durante lo sviluppo del disegno lo uniformerà, assicurando che la visione iniziale non si perda con l'aggiunta degli arti e di altre caratteristiche.
3. La proporzione
Come la postura, le proporzioni sono più utili per un disegno di figura di una conoscenza dettagliata di ossa e muscoli (per "proporzioni" intendo le lunghezze e le dimensioni relative delle parti del corpo). (Una figura ben proporzionata i cui muscoli sono disegnati male avrà un aspetto migliore di una figura mal proporzionata i cui muscoli sono disegnati bene. Quindi, quando disegnate dal vero: pensate prima alla postura, poi alle proporzioni delle parti. Il fatto che i muscoli e le ossa siano disegnati correttamente è di secondaria importanza.
4. Silhouette
Una silhouette ha più potere narrativo dei dettagli al suo interno (ad eccezione dei tratti del viso). Questo perché leggiamo i contorni generali di una figura prima di notare i dettagli interni. È più facile accorgersi che una figura è ingobbita o che agita le braccia, piuttosto che notare se ha gli addominali a sei zampe o un tatuaggio sul collo. Pertanto, è meglio posizionare i personaggi in modo da rivelare i loro atteggiamenti e comportamenti anche in silhouette. Provate a tracciare il contorno di alcuni dei vostri disegni di figure. Se non riuscite a capire dalla silhouette di una figura che cosa sta facendo o provando, ruotatela nella vostra mente fino a quando la sua silhouette rivela queste cose e disegnatela da quell'angolazione. I dettagli interni continueranno ad arricchire la sua storia, ma sarà la sua silhouette a fornire la maggior parte delle spiegazioni. È come passare la palla al giocatore più forte: lasciate che sia la silhouette a condurre il gioco.
5. Abbigliamento
Quando si studia l'anatomia, è facile perdere di vista il fatto che la maggior parte del corpo di una persona è solitamente ricoperta di tessuto. Gli artisti che passano tutto il tempo a disegnare figure nude spesso si trovano in difficoltà quando si rendono conto di non aver fatto pratica nel disegnare gli abiti che ricoprono quasi tutti i personaggi. Evitate questo problema includendo nei vostri studi anatomici molte figure vestite.
6. Occhi, bocca, mani
Gli occhi, la bocca e le mani sono, nell'ordine, le parti del corpo più importanti per la narrazione. In ogni tavola, i lettori cercano prima gli occhi e la bocca, per vedere cosa prova il personaggio, e poi le mani, per vedere cosa fa il personaggio o come gesticola. Quindi la preoccupazione più grande è assicurarsi che questi elementi funzionino, soprattutto gli occhi. Come consigliò una volta Alex Toth: "Potete stuzzicare e abbellire un volto quanto volete, ma sarà un pasticcio totale, se non riuscite a disegnare occhi che funzionano... occhi che vedono". Per assicurarsi che gli occhi "vedano" (cioè che un personaggio stia guardando in modo convincente nella giusta direzione), iniziare dalle pupille e dalle palpebre superiori. Assicuratevi che siano corrette e che corrispondano, quindi aggiungete le iridi, le palpebre inferiori, le ciglia e altri dettagli.
7. Contrasto
La percezione delle tre dimensioni in un disegno bidimensionale è sempre un po' in salita, ma si può facilitare il lettore usando il contrasto. Il contrasto tra un arto e un altro, o tra un bordo di un arto e il suo bordo opposto, aiuta il lettore a distinguere ciò che sta guardando. Ad esempio, disegnate il lato flesso di un braccio con curve rigonfie e il lato teso con linee rette. Le linee curve contrasteranno con le linee rette per rendere i bordi degli arti più vari e caratteristici. Questo aiuta anche le figure ad avere un aspetto organico, invece di sembrare gonfie (tutte curve) o plastiche (tutte dritte). Un altro modo per aggiungere contrasto a una figura è quello di assicurarsi che gli arti di sinistra non facciano quello che fanno gli arti di destra. Evitare la simmetria. Se il braccio sinistro è piegato, raddrizzate il destro; se il ginocchio destro è piegato, raddrizzate il sinistro. La varietà delle pose sarà più realistica e dinamica.
8. Forme semplici
Si è tentati di sfoggiare le conoscenze di anatomia faticosamente acquisite disegnando muscoli distinti su tutta la figura. Ma in realtà le figure rivelano la loro anatomia più per la loro forma complessiva che per le pieghe lungo i muscoli. Le figure muscolose tendono ad avere spalle larghe e vita piccola, quelle grassocce tendono ad avere una forma a pera, ecc. Le pieghe lungo i muscoli emergono solo occasionalmente, quando i muscoli sono flessi, e sono raramente visibili sotto i collant o i vestiti. Come scrisse una volta da Vinci: "Non dovete rendere evidenti tutti i muscoli delle vostre figure [o] avrete prodotto un sacco di noci piuttosto che un essere umano".
9. Equilibrio
Per occupare in modo convincente un ambiente, le figure devono mantenere (o perdere) l'equilibrio in modo convincente. La gola è generalmente il centro dell'equilibrio. Per disegnare una figura stabile ed equilibrata, bisogna assicurarsi che il peso della figura sia distribuito equamente su entrambi i lati della fossa. (Di solito questo significa posizionare i piedi su entrambi i lati, ma a volte sono coinvolte le braccia o altre parti). Per disegnare una figura instabile, ad esempio una persona che inciampa, posizionate il peso su un lato della fossa, o davanti o dietro di essa.
10. Peso
Forse la lezione più importante che si impara dal disegno dal vero è che ogni corpo umano, anche se in forma e snello, si affloscia e si schiaccia come un pomodoro marcio. Fino al 60% del corpo umano è costituito da acqua, mentre la maggior parte è costituita da organi, grasso e pelle flessibile. Perciò, se volete che le vostre figure sembrino reali, è meglio considerarle come sacchi di liquido carnoso, sostenuti da ossa, piuttosto che come manichini solidi. Non galleggiano sulla pagina; sono pesanti, si afflosciano. Pensate alla forza di gravità che ne determina il peso e al modo in cui le parti si appiattiscono e si rigonfiano quando vengono premute l'una contro l'altra, o contro altri oggetti o mobili. E quando disegnate i piedi: disegnate prima un'impronta a terra e costruite il piede a partire da quella. In questo modo il piede si appoggia correttamente al piano di terra e si ottiene una base solida su cui poggiare il peso tangibile della figura.
Imparerete sempre nuovi dettagli sulla forma umana, ma queste linee guida di base possono aiutarvi a rimanere in carreggiata e a raccogliere le vostre crescenti conoscenze in un insieme coeso ed efficace.
Ci prendiamo una pausa per dicembre, ma ci rivediamo qui a gennaio!