LE CARROUSEL DE JESSE HAMM
Carrousel 018 : Anatomie
Nous entendons souvent dire que nous devons améliorer notre connaissance de l'anatomie humaine. Les plaintes concernant les erreurs anatomiques sont peut-être la critique la plus fréquente que j'entends lorsque les artistes reçoivent des évaluations de leurs portfolios. Bien que l'anatomie soit une préoccupation particulière pour les artistes qui dessinent des super-héros, une bonne maîtrise de l'anatomie est importante dans tous les genres ; la maladresse d'un personnage mal dessiné est toujours une distraction. En outre, comme les bandes dessinées sont dépourvues de mouvement et de son, le langage corporel d'un personnage est essentiel pour transmettre ses humeurs et sa personnalité.
Il existe d'innombrables livres d'anatomie pour les artistes, ce qui peut être décourageant pour les étudiants qui essaient de choisir le bon livre. Même après avoir choisi un ou deux bons livres, l'étudiant s'aperçoit rapidement qu'il y a un nombre incalculable de muscles et d'os à mémoriser, et un nombre incalculable d'angles et de poses dans lesquels ils peuvent apparaître. La tâche semble sans fin !
La solution consiste à acquérir une connaissance de base de l'anatomie dès le départ, puis à y ajouter des éléments de connaissance tout au long de votre carrière. C'est comme un arbre de Noël permanent : vous achetez l'arbre une année et ajoutez quelques décorations, puis vous continuez à ajouter des décorations, année après année. À cette fin, voici dix points sur l'anatomie qui devraient vous fournir un cadre utile sur lequel vous pourrez vous appuyer.
1. La posture
Plus que toute autre chose, ce qui fait "vendre" un dessin de figurine, c'est une posture authentique. Une figure avec des muscles précis mais une posture inauthentique ne sera jamais aussi convaincante qu'une figure avec une posture crédible, même si les os et les muscles de cette dernière ne sont pas corrects. La façon dont nous nous tenons et nous portons nous identifie mieux que la taille et la forme de nos fémurs ou de nos biceps. C'est ainsi que des animaux de dessins animés peuvent avoir une apparence humaine convaincante malgré leur anatomie inhumaine. Maîtrisez les postures de vos personnages, au repos et en mouvement, et les gaffes anatomiques deviendront insignifiantes.
2. Lignes d'action
Une simple ligne directrice, tracée le long de la colonne vertébrale du personnage dès le début du dessin, donnera à la pose de l'énergie et de la clarté. Que le personnage soit au repos ou en mouvement, ces lignes directrices - ou "lignes d'action" - vous aideront à résumer la forme et l'attitude essentielles de la figure. En suivant ce résumé au fur et à mesure que le dessin se développe, vous l'unifierez et vous vous assurerez que votre vision initiale ne se perd pas au fur et à mesure que les membres et d'autres éléments sont ajoutés.
3. Proportion
Comme la posture, la proportion est plus efficace pour vendre un dessin qu'une connaissance détaillée des os et des muscles (par "proportion", j'entends les longueurs et tailles relatives des parties du corps). (Une figure bien proportionnée dont les muscles sont mal dessinés aura plus d'allure qu'une figure mal proportionnée dont les muscles sont bien dessinés. Ainsi, lorsque vous dessinez d'après nature, pensez d'abord à la posture, puis aux proportions des parties du corps. La question de savoir si les muscles et les os sont correctement dessinés n'est qu'une préoccupation tertiaire.
4. Silhouette
Une silhouette a plus de pouvoir narratif que les détails à l'intérieur de la silhouette (à l'exception des traits du visage). Cela s'explique par le fait que nous lisons les contours généraux d'une figure avant de remarquer les détails intérieurs. Il est plus facile de voir qu'un personnage est voûté ou qu'il agite les bras que de remarquer qu'il a des abdominaux ou un tatouage dans le cou. Il est donc préférable de positionner les personnages de manière à révéler leurs attitudes et leur comportement, même en silhouette. Essayez de tracer les contours de certains de vos dessins de personnages. Si la silhouette d'un personnage ne vous permet pas de savoir ce qu'il fait ou ressent, tournez-le dans votre esprit jusqu'à ce que sa silhouette révèle ces choses, et dessinez-le sous cet angle. Les détails intérieurs continueront à enrichir l'histoire, mais la silhouette fournira la plupart des explications. C'est comme passer la balle au joueur le plus fort : c'est la silhouette qui mène le jeu.
5. Vêtements
Lorsque nous étudions l'anatomie, il est facile de perdre de vue que la majeure partie du corps d'une personne est généralement recouverte de tissu. Les artistes qui passent leur temps à dessiner des personnages nus ont souvent des difficultés plus tard, lorsqu'ils se rendent compte qu'ils n'ont pas eu l'occasion de dessiner les vêtements qui recouvrent presque tous les personnages. Évitez ce problème en incluant de nombreuses figures vêtues dans vos études anatomiques.
6. Yeux, bouche, mains
Les yeux, la bouche et les mains sont, dans cet ordre, les parties du corps les plus importantes pour la narration. Dans chaque planche, les lecteurs recherchent d'abord les yeux et la bouche, pour voir ce que le personnage ressent, puis les mains, pour voir ce que le personnage fait ou comment il fait des gestes. Votre principale préoccupation est donc de vous assurer que ces éléments fonctionnent, en particulier les yeux. Comme l'a conseillé Alex Toth : "Vous pouvez chatouiller et embellir un visage autant que vous voulez, il sera complètement raté, à moins que vous ne puissiez dessiner des yeux qui fonctionnent... des yeux qui voient". Pour s'assurer que les yeux "voient" (c'est-à-dire qu'un personnage regarde de manière convaincante dans la bonne direction), commencez par les pupilles et les paupières supérieures. Assurez-vous qu'elles sont correctes et qu'elles correspondent, puis ajoutez les iris, les paupières inférieures, les cils et d'autres détails.
7. Contraste
Percevoir trois dimensions dans un dessin en deux dimensions est toujours un peu difficile, mais vous pouvez faciliter la tâche du lecteur en utilisant le contraste. Le contraste d'un membre avec un autre, ou d'un bord d'un membre avec son bord opposé, aide les lecteurs à différencier ce qu'ils regardent. Par exemple, dessinez le côté fléchi d'un bras avec des lignes courbes et le côté tendu avec des lignes droites. Les lignes courbes contrastent avec les lignes droites, ce qui rend les bords des membres plus variés et plus distinctifs. Cela permet également aux personnages d'avoir un aspect organique, au lieu d'être gonflés (tout en courbes) ou en plastique (tout en lignes droites). Une autre façon d'ajouter du contraste à une figure est de s'assurer que les membres gauches ne font pas la même chose que les membres droits. Évitez la symétrie. Si le bras gauche est plié, redressez le droit ; si le genou droit est plié, redressez le gauche. La variété dans les poses donne un aspect plus réaliste et plus dynamique.
8. Formes simples
Il est tentant de montrer ses connaissances anatomiques durement acquises en dessinant des muscles distincts sur l'ensemble de la figure. Mais en réalité, les personnages révèlent leur anatomie davantage par leur forme générale que par les plis le long de leurs muscles. Les personnages musclés ont tendance à avoir des épaules larges et une petite taille, les personnages dodus ont tendance à être en forme de poire, etc. Les plis le long des muscles n'apparaissent qu'occasionnellement, lorsque les muscles sont fléchis, et sont rarement visibles sous un collant ou un vêtement. Comme l'a écrit Vinci : "Il ne faut pas mettre en évidence tous les muscles de vos personnages [sinon] vous aurez produit un sac de noix plutôt qu'un être humain".
9. Équilibre
Pour occuper un environnement de manière convaincante, les personnages doivent maintenir (ou perdre) leur équilibre de manière convaincante. Le creux de la gorge est généralement le centre de l'équilibre. Pour dessiner une figure stable et équilibrée, il faut s'assurer que le poids de la figure est réparti de manière égale de part et d'autre du creux de la gorge. (En général, il s'agit de placer les pieds de part et d'autre, mais il arrive que les bras ou d'autres parties soient impliqués). Pour dessiner une figure instable, comme quelqu'un qui trébuche, placez une plus grande partie du poids d'un côté de la fosse, ou devant ou derrière celle-ci.
10. Poids
La plus grande leçon que l'on puisse tirer du dessin d'après nature est que tout corps humain, même s'il est mince et en pleine forme, s'affaisse et se tasse comme une tomate pourrie. Jusqu'à 60 % du corps humain est constitué d'eau et, à côté, d'organes, de graisse et de peau souple. Par conséquent, si vous voulez que vos personnages aient l'air réels, il est préférable de les considérer comme des sacs de liquide charnus, soutenus par des os, plutôt que comme des mannequins fermes. Ils ne flottent pas sur la page, ils sont lourds, ils s'affaissent. Pensez à la gravité qui pèse sur leur poids et à la façon dont les parties s'aplatissent et se gonflent lorsqu'elles sont pressées l'une contre l'autre ou contre d'autres objets ou meubles. Et lorsque vous dessinez des pieds : dessinez d'abord une empreinte sur le sol, puis construisez le pied à partir de cette empreinte. Cela permet de placer le pied correctement sur le plan du sol, ce qui vous donne une base solide sur laquelle vous pouvez empiler le poids tangible de la figure.
Vous apprendrez toujours de nouveaux détails sur la forme humaine, mais ces lignes directrices de base peuvent vous aider à rester sur la bonne voie et à rassembler vos connaissances croissantes en un tout cohérent et efficace.
Nous ferons une pause en décembre, mais nous vous retrouverons en janvier !