STEVE LIEBER'S DILETTANT
Dilettante 011: Nachdenken über Stil
Vor etwa einem Jahrzehnt schrieb ich ein paar Absätze über den Begriff "Stil" und wie ein Künstler ihn betrachten sollte. Es ist an der Zeit, dass ich diese Gedanken erweitere.
Als junge Künstlerin hatte ich große Angst davor, generisch zu wirken. Ich wollte "einen Stil". Wenn junge Künstler wie ich damals über Stil sprechen, meinen sie in der Regel die Ticks und Manierismen, die auf der Oberfläche der Arbeit eines anderen Künstlers zu sehen sind; die Tricks, die die Arbeit des Künstlers erkennbar machen: Jack Kirbys eckige Finger. Chris Samnies stumpfer, selbstbewusster Markerstrich. Colleen Coovers selbstbewusste graue Lavierungen und freundliche Pinselführung. Sean Murphys zackige Markierungen und stachelige, kantige Formen. Eleanor Davis' organische Formen und die kräftigen Farbflecken, die sie definieren. Es ist leicht für einen Künstler, sich an diesen Dingen aufzuhängen und anzunehmen, dass man nur eine Reihe von ähnlichen Manierismen zusammenstellen muss, um Comics auf diesem Niveau zu schaffen.
Aber solche Elemente, selbst wenn sie von Meistern wie Kirby, Coover, Samnee, Murphy und Davis eingesetzt werden, sind letztlich kein Ziel. Sie sind die Handschrift der Künstler: ein Mittel zum Zweck.
Es ist wichtig, über die Handschrift hinaus zu sehen. Ein unerfahrener Künstler könnte sich diese Sammlung von Techniken und Schnörkeln ansehen und denken: "Das macht sie zu einer großen Künstlerin - dieser kleine krause Schnörkel am Ende jeder Zeile." Das ist für Sie nutzlos. Ohne einen klaren Kontext für die Tricks, die Sie beobachten, bringen Sie nur Chrom an einem Auto ohne Motor an. Genauso gut könntest du beschließen, deine Stimme als Gitarrist zu finden, indem du coole Gesichter während eines Solos übst.
Wenn es also nicht darum geht, auf die Oberfläche zu schauen, wie kommt man dann darüber hinaus? Wie schafft man eine Arbeit, die auf sinnvolle Art und Weise einzigartig und individuell ist? Es wird einige Zeit dauern und einige Fehltritte erfordern. Was Sie schneller ans Ziel bringt, ist die Konzentration auf die Geschichte, die Sie Ihrem Leser erzählen wollen.
Sie müssen die Geschichte verstehen. Vielleicht sind einige der Fragen, die ich in einem früheren Toucan-Beitrag erwähnt habe, hilfreich. Haben Sie eine Meinung über Ihre Figuren und die Welt, in der sie leben. Sie müssen eine klare Vorstellung von den Ideen und Emotionen haben, die Sie vermitteln wollen. Machen Sie sich klar, welche symbolische Bedeutung die Dinge, die Sie zeichnen, haben müssen. Sind alle in einem Zug? Wenn es sich um eine gegenwärtige oder historische Geschichte handelt, die einen stabilen Sinn für die Glaubwürdigkeit der realen Welt vermitteln soll, dann müssen Sie herausfinden, um welche Art von Zug es sich handelt und wie er aussieht, und Sie sollten ihn einfach, aber überzeugend zeichnen. Wenn die Geschichte voller Spannung und Dramatik ist und der Zug als Symbol für ein schreckliches, unerbittliches Urteil fungiert, sollten Sie Techniken verwenden, die sein gefährliches Gewicht und seine Geschwindigkeit betonen. Handelt es sich um eine ruhige und sentimentale Geschichte, können Sie nach Möglichkeiten suchen, den Blick des Lesers auf die Spiegelungen der Figuren im Glas und auf die hübschen, polierten Armaturen zu lenken. Wenn es sich um eine Komödie handelt, ist der Zug vielleicht eine alberne, furzende Klapperkiste, die so gezeichnet ist, dass sie den Fahrgästen die Würde raubt und andeutet, dass alle unsere Bemühungen lächerlich sind.
Kennen Sie den Ton, den Sie treffen wollen, die Wirkung, die Sie auf Ihre Leser haben wollen. Soll sich Ihre Geschichte anfühlen wie ein IMAX-3D-Film mit großem Budget und einem vollen symphonischen Soundtrack oder wie ein kleines, lustiges Puppentheater mit einem Kazoo und einer Trillerpfeife? Wenn Sie diese Fragen beantworten können, können Sie sinnvolle Entscheidungen darüber treffen, wie Sie Ihre Seiten zeichnen. Vielleicht haben Sie nicht die Zeit oder das Können, alles zu tun, was Ihre Geschichte erfordert, aber zumindest können Sie dann eine fundierte Entscheidung über die Kompromisse treffen, die Sie eingehen müssen. Während Sie sich weiterentwickeln, werden Sie sich Ihren Stil nicht aussuchen. Ihr Stil wird Sie wählen.
Wenn Sie auf diese Weise über Ihre eigenen Seiten nachdenken, sind Sie besser darauf vorbereitet, die Arbeit anderer Cartoonisten und Illustratoren zu analysieren und zu sehen, welche Auswirkungen ihre Entscheidungen auf die Geschichten haben, die sie erzählen. Wenn Sie dann eine interessante Verzierung sehen, haben Sie vielleicht eine Idee, wie Sie sie sinnvoll in Ihre eigene Arbeit einbauen können. Bereiten Sie sich auf diese Möglichkeiten vor, indem Sie sich einer Vielzahl von Einflüssen aussetzen und ein Skizzenbuch führen, in dem Sie sie in Ihren eigenen Bildern ausprobieren können.
Analysieren Sie die Arbeit anderer Künstler. Setzen sie ihre Geschichten in vollständig gerenderte, detaillierte Umgebungen oder in spärlich dekorierte Bühnenbilder mit nur wenigen Schlüsselelementen, die eine Küche von einem Klassenzimmer unterscheiden? Erzeugt der Zeichner die Illusion von Tiefe, oder existieren die Figuren in einer weitgehend abstrakten Welt? Sollen die Figuren sympathische Menschen sein, mit denen der Leser mitfühlen und sich identifizieren soll? Wie schafft es der Künstler, dies zu erreichen? Sind sie Parodien oder Stilisierungen eines heroischen Kriegerideals? Was tut der Künstler, um mir zu sagen, dass es sich um eine Hyper-Meta-Gag-Story handelt, die sich über andere Geschichten lustig macht? Sind die Figuren dazu da, um als Karikaturen bestimmter Typen der realen Welt zu fungieren? Schreckliche Manifestationen von realistisch schrecklichen Menschen zum Beispiel? Oder sind es einfache Ikonen, die nur in der Geschichte vorkommen, um erkennbar zu sein und einen Witz zu erzählen? Sie werden feststellen, dass die stilistischen Entscheidungen eines guten Künstlers die wichtigen Details hervorheben und die unwichtigen herunterspielen oder eliminieren. Erinnern Sie sich, was ich über Kompromisse gesagt habe? Für einige Künstler bilden diese Kompromisse die Grundlage ihres Stils. Wenn Sie genau wissen, was Sie vermitteln wollen, können Sie sich wahrscheinlich damit begnügen, nicht zu wissen, wie Sie etwas anderes vermitteln sollen.
Wie ich bereits erwähnt habe, wird dies einige Zeit in Anspruch nehmen. Sie werden eine Menge Seiten zeichnen, die nicht funktionieren, bevor Sie einige zeichnen, die funktionieren. Vielleicht wissen Sie nicht einmal, warum sie funktionieren, aber das sollte Sie nicht beunruhigen. Du wirst jahrzehntelang Comics machen. Da hast du viel Zeit für Selbstanalysen. Wenn auf dieser Seite nicht alles klappt, versuchen Sie, die nächste Seite besser zu machen.
Ich bin gespannt auf Ihre Meinung dazu. Teilen Sie sie mir auf Twitter @steve_lieber oder auf meiner Facebook-Seite mit .
Steve Liebers "Dilletante" erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat auf Toucan!