LE DILETTANTE DE STEVE LIEBER
Dilettante 011 : Réflexion sur le style
Il y a une dizaine d'années, j'ai écrit quelques paragraphes sur la notion de "style" et sur la manière dont un artiste devrait la considérer. Il est temps que je développe ces réflexions.
En tant que jeune artiste, j'étais terrifiée à l'idée de paraître générique. Je voulais "un style". Lorsque de jeunes artistes comme moi parlent de style, ils font généralement référence aux tics et aux maniérismes apparaissant à la surface du travail d'un autre artiste ; les astuces qui rendent le travail de l'artiste reconnaissable : Les doigts carrés de Jack Kirby. Les doigts carrés de Jack Kirby. Le trait de marqueur émoussé et sûr de Chris Samnee. Les lavis gris et le coup de pinceau amical de Colleen Coover. Le marquage en dents de scie et les formes anguleuses de Sean Murphy. Les formes organiques d'Eleanor Davis et les taches de couleur audacieuses qui les définissent. Il est facile pour un artiste de s'attacher à ces choses et de penser que pour créer des bandes dessinées de ce niveau, il suffit d'assembler un ensemble de maniérismes similaires.
Mais de tels éléments, même lorsqu'ils sont déployés par des maîtres comme Kirby, Coover, Samnee, Murphy et Davis, ne sont pas, en fin de compte, un objectif. Il s'agit de l'écriture de l'artiste : un moyen de parvenir à une fin.
Il est important de voir au-delà de l'écriture. Un artiste inexpérimenté risque de regarder cette collection de techniques et de fioritures et de se dire : "C'est ce qui fait d'elle une grande artiste - ce petit gribouillis bouclé à la fin de chaque ligne". Cela ne vous servira à rien. Sans un contexte clair pour les astuces que vous observez, vous ne faites que coller du chrome sur une voiture sans moteur. Vous pourriez tout aussi bien décider de trouver votre voix en tant que guitariste en vous entraînant à faire des grimaces pendant un solo.
S'il ne s'agit pas de regarder la surface, comment aller au-delà ? Comment faire un travail qui soit distinct et individuel de manière significative ? Il faudra du temps et quelques faux pas. Ce qui vous permettra d'y arriver plus rapidement, c'est de vous concentrer sur l'histoire que vous voulez raconter à votre lecteur.
Vous devez comprendre l'histoire. Certaines des questions que j'ai mentionnées dans un précédent article sur le Toucan pourraient vous être utiles. Ayez une opinion sur vos personnages et le monde dans lequel ils vivent. Avoir une idée claire des idées et des émotions que vous voulez communiquer. Comprendre le poids symbolique des éléments que vous dessinez. Tout le monde est dans un train ? S'il s'agit d'une histoire contemporaine ou historique qui doit communiquer un sentiment stable de crédibilité dans le monde réel, vous devez trouver de quel type de train il s'agit et à quoi il ressemble, et vous devez le dessiner de manière simple mais convaincante. Si l'histoire est pleine de tension et que le train symbolise un jugement terrifiant et implacable, vous voudrez utiliser des techniques qui mettent l'accent sur son poids et sa vitesse dangereux. S'il s'agit d'une histoire calme et sentimentale, vous chercherez peut-être à attirer l'attention du lecteur sur les reflets des personnages dans les vitres et sur les jolies installations polies. S'il s'agit d'une comédie, le train est peut-être un piège à sonnettes loufoque et pétaradant, dessiné de manière à priver les passagers de leur dignité et à sous-entendre que tous nos efforts sont ridicules.
Sachez quel ton vous voulez adopter, quel impact vous voulez avoir sur vos lecteurs. Votre histoire doit-elle ressembler à un film IMAX 3D à gros budget avec une bande sonore symphonique, ou à un petit spectacle de marionnettes amusant avec un kazoo et un sifflet à coulisse ? Lorsque vous pouvez répondre à ces questions, vous pouvez prendre des décisions pertinentes sur la manière de dessiner vos pages. Vous n'aurez peut-être pas le temps ou les compétences nécessaires pour faire tout ce que votre histoire exige, mais au moins vous pourrez alors faire des choix éclairés sur les compromis que vous devrez faire. Au fur et à mesure de votre développement, vous ne choisirez pas votre style. C'est votre style qui vous choisira.
Lorsque vous penserez ainsi à vos propres pages, votre esprit sera mieux préparé à analyser le travail d'autres dessinateurs et illustrateurs et à voir les effets de leurs choix sur les histoires qu'ils racontent. À ce moment-là, lorsque vous verrez une fioriture intéressante, vous aurez peut-être une idée de la manière dont vous pouvez l'incorporer utilement dans votre propre travail. Préparez-vous à ces possibilités en vous exposant à diverses influences et en gardant un carnet de croquis où vous pourrez les essayer dans vos propres images.
Analysez le travail des autres artistes. Situent-ils leurs histoires dans des environnements détaillés et entièrement rendus, ou dans des décors de théâtre peu décorés, avec seulement quelques éléments clés pour distinguer une cuisine d'une salle de classe ? Le dessinateur crée-t-il l'illusion de la profondeur ou les personnages existent-ils dans un monde essentiellement abstrait ? Les personnages sont-ils censés être des personnes sympathiques avec lesquelles le lecteur doit sympathiser et s'identifier ? Comment l'artiste s'y prend-il pour y parvenir ? S'agit-il de parodies ou de stylisations d'un idéal guerrier héroïque ? Que fait l'artiste pour me dire qu'il s'agit d'une histoire de gags hyper-méta qui se moque d'autres histoires ? Les personnages sont-ils là pour fonctionner comme des caricatures de certains types du monde réel ? Des manifestations horribles de gens vraiment horribles, par exemple ? Ou s'agit-il de simples icônes qui ne sont présentes dans l'histoire que pour être reconnaissables et servir de prétexte à une blague ? Vous constaterez que les choix stylistiques d'un bon artiste mettent l'accent sur les détails importants et minimisent ou éliminent ceux qui ne le sont pas. Vous vous souvenez de ce que j'ai dit à propos des compromis à faire en connaissance de cause ? Pour certains artistes, ces compromis constituent la base de leur style. Si vous savez exactement ce que vous devez communiquer, vous pouvez probablement vous en sortir en ne sachant pas comment communiquer autre chose.
Comme je l'ai déjà dit, cela va prendre du temps. Vous allez dessiner beaucoup de pages qui ne fonctionnent pas avant d'en dessiner d'autres qui fonctionnent. Vous ne saurez peut-être même pas pourquoi elles fonctionnent, mais que cela ne vous inquiète pas. Vous ferez des bandes dessinées pendant des décennies. Vous aurez tout le temps de vous auto-analyser. Si tout n'est pas parfait sur cette page, essayez d'améliorer la suivante.
Je suis impatient de connaître votre avis sur la question. Partagez-les avec moi sur twitter @steve_lieber, ou sur ma page Facebook.
Dilletante de Steve Lieber apparaît le deuxième mardi de chaque mois sur Toucan !