STEVE LIEBER'S DILLETANTE
Dilettante 019: Was bringt einen Künstler dazu, Ja zu einem Drehbuch zu sagen?
Was ich hier beschreibe, sind Entscheidungen, die in idealen Situationen getroffen werden. Die Wahrheit ist, dass Künstler manchmal aus weniger idealen Gründen zustimmen, ein Drehbuch zu zeichnen. Sie schulden einem Autor einen Gefallen. Sie müssen das Getriebe ihres 2003er Toyota Corolla austauschen. Sie haben Angst, dass der Verlag nicht mehr anruft, wenn sie zu oft Nein sagen. Für viele Comiczeichner, vor allem für diejenigen, die Drehbücher illustrieren, die jemand anderes geschrieben hat, ist die Arbeit in Comics eine kommerzielle Kunst, ein Handwerk. Ein geschickter Baumeister zieht es vielleicht vor, seine Bemühungen für monumentale Architektur zu reservieren, aber manchmal ist der einzige Job, den es gibt, die Arbeit an dem neuen Einkaufszentrum, das an der Ausfahrt der I-5 gebaut wird.
Aber lassen wir einmal die Beweggründe beiseite, die nichts mit kreativen Entscheidungen zu tun haben. Wenn Autoren mich fragen, wie sie einen Mitarbeiter finden können, wollen sie wissen, was an einem Pitch oder einem Skript einen Künstler dazu bringt, Ja zu sagen.
Das erste, worauf ich achte, ist, wie gut sich der Stoff für mich zeichnen lässt. Bin ich mit meinen Fähigkeiten und Schwächen in der Lage, eine Geschichte wie diese zu illustrieren? Das wird bei jedem Künstler anders sein. Wenn ich kein Interesse oder Talent für die Karikatur von Prominenten habe, wäre ein witziges GN, in dem ein Haufen bekannter Prominenter die Hauptrolle spielen muss, ein schreckliches Projekt. Jedes Panel wäre wie Zähne ziehen, und die Gags würden alle furchtbar flach ausfallen, während die Leser das Buch hin und her drehen und auf eine Seite schielen, um herauszufinden, ob das nun Tom Cruise oder Chris Evans sein soll.
Allerdings kann ein Buch, das eine Fähigkeit erfordert, die ich nicht habe, auch eher ein Plus als ein Minus sein. Wenn ich z. B. meine mangelhaften Collie-Kenntnisse verbessern möchte, könnte das Illustrieren einer langen Lassie-Geschichte genau das Richtige sein.
Manchmal ist ein Drehbuch genau das Richtige für einen Künstler. Greg Ruckas Skript für Whiteout war für mich sofort interessant, weil es darum ging, die Formen und Texturen der Natur zu zeichnen. Noch bevor ich die Geschichte gelesen hatte, wusste ich, dass ich viel Schnee und Eis zeichnen würde, und da ich Wege finden musste, das Ganze abwechslungsreich zu gestalten, gab es viele Gelegenheiten, mit der Art von exzentrischen Markierungen zu spielen, die meine Skizzenbücher füllen. Es war auch hilfreich, dass er wollte, dass die Hauptfigur durch ihre robuste Kompetenz attraktiv ist und nicht durch den üblichen Körperbau einer Comic-Heldin.
Was macht eine Geschichte noch zeichenbar oder nicht zeichenbar? Die Zeit, die man braucht, um etwas zu zeichnen. Einer der wichtigsten Punkte, auf den Künstler bei einem Drehbuch achten, ist das Bewusstsein des Autors, dass jemand die Geschichte innerhalb einer bestimmten Frist zeichnen muss. Finden Szenen an schwer zu zeichnenden Schauplätzen oder in schwer zu zeichnenden Situationen statt und gibt es dafür einen guten Grund? Musste die sechsseitige Szene mit dem expositorischen Dialog in einem Klassenzimmer mit sitzenden Sechstklässlern stattfinden? Wenn die Szene keinen großen Nutzen aus der Tatsache zieht, dass die Kinder in Reihen aufgereiht und in diese seltsam geformten Tische gepresst sind, frage ich mich, warum der Autor das Gespräch nicht in der Pause stattfinden ließ. Und ist es für die Geschichte wirklich notwendig, dass der Zeichner in jedem Panel dieser Seite eine Menge von Randalierern in der Fahrradfabrik von oben zeichnet? Erhöht der Autor die Arbeitsbelastung des Zeichners aus gutem Grund, oder nur, weil er es nicht besser weiß? (Es kann für einen unerfahrenen Autor schwierig sein, zu erkennen, was schwierig zu zeichnen ist, was ein Grund dafür ist, dass Künstler lieber mit erfahrenen Autoren zusammenarbeiten).
Ein Künstler, der sich auf das Erzählen von Geschichten konzentriert, wird darauf achten, ob der Autor ein solides Gespür dafür hat, was eine Geschichte braucht. Passieren die Dinge in der Geschichte aus einem guten Grund? Haben die Figuren erkennbare Ziele, die sie zu ihren Handlungen motivieren? Sieht das Drehbuch Hindernisse vor, die sie überwinden müssen, und steht etwas auf dem Spiel, wenn sie es nicht schaffen? Enden Szenen mit einem Misserfolg, der die Figur motiviert, ein neues Ziel zu finden? Wenn ein Drehbuch nicht zeigt, dass es die Grundlagen klar beherrscht, bedeutet das für den Künstler, dass ihm die Last, eine klare Geschichte zu schreiben, in den Schoß fallen wird.
Die Künstler achten auch darauf, ob der Autor mit Comics vertraut ist. Macht das Skript den klassischen Fehler, mehrere Handlungen in einem einzigen Panel zu verlangen? Ich kann zeichnen, wie Bob eine Dose Suppe aus dem Schrank holt, und ich kann zeichnen, wie Bob eine Schüssel Suppe genießt, aber das sind mindestens zwei Panels. Wenn ich ein Drehbuch sehe, in dem steht:
BILD 1: Bob holt eine Dose Hühnernudelsuppe aus dem Schrank und löffelt fröhlich die dampfende Schüssel.
Ich weiß, dass ich es mit einem Comic-Amateur zu tun habe. Es mag andere Aspekte des Drehbuchs geben, die so gut sind, dass ich bereit bin, ein grundlegendes Missverständnis der Funktionsweise des Mediums zu verzeihen, aber es würde sie definitiv ein paar Punkte kosten.
Wenn ein Autor mit einem bestimmten Künstler zusammenarbeiten möchte (oder weiß, dass er es tun wird), ist es eine gute Idee, mit diesem Künstler zu sprechen, bevor er das Skript schreibt, um herauszufinden, welche Vorlieben sein Kollege hat. Manche Künstler mögen es, viele kleine Panels auf einer Seite zu zeichnen, mit einfachen Zeichnungen, die die Veränderungen von Moment zu Moment betonen, und nicht mit größeren, detaillierten Panels, die für längere Zeiträume stehen. (Ich gehöre zu ihnen!) Andere Künstler haben eine absolute Höchstzahl von Panels, die sie auf einer Seite zu zeichnen bereit sind. Einige Künstler lieben es, historische Recherchen anzustellen und ihre Panels mit Beweisen zu füllen, dass sie ihre Arbeit getan haben. Andere werden sehr kreativ bei der Gestaltung von Rahmen und Silhouetten, da sie versuchen, nichts zu zeichnen, was sie nicht aus ihrem Kopf herausholen können. Einige suchen nach Gelegenheiten, um die winzigen Gesten genau zu beobachten, die ein illustriertes Gespräch zum Leben erwecken können. Andere würden sich lieber eine Kugel einfangen, als drei Seiten mit sprechenden Köpfen zu zeichnen. Wenn man den Geschmack des Künstlers kennt, ist es viel wahrscheinlicher, dass er zusagt.
Es ist enorm wichtig, dass Sie zeigen, dass Sie ein guter Kollaborateur sind. Lassen Sie den Künstler wissen, welche Ziele Sie für eine Szene haben, und wenn er eine bessere Lösung hat, um diese Ziele zu erreichen, würden Sie diese gerne hören! Niemand möchte sich wie eine angeheuerte Hand fühlen.
Das alles ist keine Garantie dafür, dass ein Künstler zusagt. Manchmal sind sie nur für die nächsten drei Jahre verpflichtet, oder sie haben beschlossen, ihre eigenen Geschichten zu schreiben, oder sie wollen absolut nicht mit jemandem zusammenarbeiten, dessen Name Vokale enthält. Es liegt nicht immer in Ihrer Hand, also nehmen Sie es nicht persönlich, wenn es eine Weile dauert, bis Sie den richtigen Partner für Ihr Drehbuch finden.
Viel Glück! Haben Sie schon Erfahrungen damit gemacht, Ihre Skripte von anderen illustrieren zu lassen? Haben Sie eine Meinung dazu, was Sie zeichnen wollen und was nicht? Teilen Sie sie mir mit auf Twitter unter @steve_lieber, oder auf Facebook unter www.facebook.com/steve.lieber.
Steve Lieber's Dilletante erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!