Dilettante 031: Mehr Ratschläge zum Schreiben für einen Künstler

Ich habe in letzter Zeit mit vielen Dilettante-Lesern gesprochen. (Und übrigens vielen Dank an alle, die dieses Jahr auf der Comic-Con an meinem Tisch in der Künstlergasse vorbeigeschaut haben.) Es wird deutlich, dass diese Kolumne von vielen Schriftstellern und angehenden Schriftstellern gelesen wird. Einige von Ihnen baten um mehr Ratschläge speziell für die Zusammenarbeit mit einem Künstler.

Wie wir in einer früheren Kolumne besprochen haben (klicken Sie hier, um sie zu lesen), haben Comics nicht wirklich ein unbegrenztes Budget. Ja, mit Tinte und Pixeln lässt sich fast alles darstellen, aber Sie sind durch die verfügbare Zeit Ihrer Mitarbeiter begrenzt. Wenn Sie und der Zeichner es sich leisten können, ein paar hundert Stunden mehr in das Projekt zu stecken, können Sie schreiben, was Ihnen in den Sinn kommt. Fügen Sie die lange Rückblende ein, in der Ihr Held neben 600 Kavalleristen in " Charge of the Light Brigade " kämpft . Stellen Sie eine romantische Szene in einer geschäftigen Fahrradfabrik dar. Und vergessen Sie nicht die Tischdebatte zwischen 20 Diplomaten, die alle in den aufwändigen Kostümen ihrer Heimatländer stecken.

Aber Tatsache ist, dass der Künstler nicht unbegrenzt Zeit hat. Hier ist eine Panel-Beschreibung, die nicht sehr lange zu tippen ist.

TISCH 1:

Wir sehen 600 Männer der britischen leichten Kavallerie von 1854 auf einem Hügel bei Balaclava. Sie machen ihre Waffen und Pferde bereit.

Ich bin ein ungeschickter Tipper mit zwei Fingern, und ich habe das in weniger als einer Minute geschrieben. Ein fleißiger Künstler könnte 2 Tage brauchen, um diese eine Seite zu zeichnen. Aber wenn ich einen Haufen solcher Seiten in ein Drehbuch schreibe, ist es sehr wahrscheinlich, dass ich einen Künstler dazu zwinge:

1. Eine Menge Abkürzungen nehmen
2. Fristen einhalten
3. ihre Zeit mit ihrer Familie aufgeben
4. Auf Schlaf verzichten

Langfristig gesehen ist es keine gute Karrierestrategie, seine Mitarbeiter zu verschlingen. Vielleicht sollten Sie sich also ein Beispiel an den Fernsehautoren nehmen und eine "Flaschen-Episode" entwickeln.

Der Begriff Flaschen-Episode stammt vermutlich aus Star Trek, wo man manchmal Geld sparte, indem man Episoden ohne viele Statisten oder neue Charaktere schrieb, die komplett auf den bereits gebauten Enterprise-Sets spielten. Die Darsteller und die Crew nannten diese Episoden dann "Schiff in der Flasche". Als Autor einer Flaschenpost-Episode für Comics sollte man sich nicht auf bestehende Darsteller oder Schauplätze beschränkt fühlen. Sie müssen sich nur Szenen einfallen lassen, die weniger anstrengend zu zeichnen sind. Denken Sie an weniger Figuren, und bringen Sie sie an Schauplätzen unter, die nicht viel Recherche oder zeitaufwändige Details erfordern. Das muss nicht zwangsläufig weniger dramatisch sein. Die Konfrontation der beiden Hauptfiguren auf dem Gipfel eines Berges oder in einem dunklen Tunnel ist wahrscheinlich viel dramatischer, als wenn sich alles in einem überfüllten Fastfood-Restaurant oder in einem Büro für medizinische Dateneingabe abspielt. Wenn Sie es richtig anstellen, kann eine Konfrontation mit einem einzigen Schnee-Zombie genauso furchterregend sein wie fünfzig von ihnen. Wenn Ihre Geschichte unbedingt eine Szene braucht, die ungewöhnlich zeitaufwändig zu zeichnen ist, versuchen Sie, diese zu "bezahlen", indem Sie ein paar einfachere Szenen schreiben, die helfen, das Projekt im Zeitplan zu halten.

Woher wissen Sie, was für einen Künstler ungewöhnlich zeitaufwendig ist? Fragen Sie ihn! Kommunikation ist fast immer der richtige Weg.

Apropos Kommunikation: Es ist wichtig zu verstehen, dass das "Schauspiel" Ihrer Figuren - ihre Gestik, Körpersprache und Mimik - fast ausschließlich in den Zuständigkeitsbereich des Künstlers fällt. Trotzdem wird es wahrscheinlich Stellen in der Geschichte geben, an denen eine Figur zu einem bestimmten Zeitpunkt ein bestimmtes Gefühl haben muss. Bei einer solchen Seite ist es wichtig, dass Sie und Ihr Zeichner, nun ja ... auf derselben Seite stehen. Wenn Sie einen guten Weg gefunden haben, den emotionalen Zustand der Figur durch Körpersprache zu zeigen, teilen Sie ihn mit dem Künstler. Wenn nicht, geben Sie in Ihrer Panel-Beschreibung sorgfältig an, was die Figur fühlt, und betonen Sie gegenüber Ihrem Zeichner, dass es für den Leser wichtig ist, dies zu wissen.

Warum müssen Sie sie hervorheben? Je nachdem, wie dicht die Details in Ihrem Skript sind, ist es sehr wahrscheinlich, dass der Künstler beim Lesen Ihres Skripts eine mentale Triage durchführt: "Diese Stelle muss enthalten sein; diese könnte enthalten sein; diese sollte nicht enthalten sein".

Gehen Sie nicht davon aus, dass jede Idee, die Sie haben, unbedingt aufgenommen werden muss. Das wird sie nicht sein. Ein Teil des Zeichnens jeder Comicseite besteht darin, Probleme zu lösen, die kein Autor vorhersehen konnte. Manchmal erfordern diese Lösungen, dass der Zeichner Elemente, die Sie in Ihrem Skript beschrieben haben, eliminiert oder verändert.

1. Möglicherweise müssen sie eine von einem Redakteur geforderte Änderung einarbeiten.
2. Möglicherweise reicht der Platz auf der Seite nicht aus, um alles, was Sie verlangt haben, unterzubringen und trotzdem lesbar zu sein.
3. Die beste Lösung für etwas in Feld 2 könnte die Verwendung Ihrer coolen Idee für Feld 3 ausschließen.
4. Der Abgabetermin könnte so knapp bemessen sein, dass keine Zeit bleibt, das gewünschte aufwendige Bühnenbild zu zeichnen.
5. Sie haben vielleicht nicht die Fähigkeit, das zu leisten, was im Drehbuch beschrieben wurde.
6. Ihre Idee war vielleicht ganz furchtbar (nein, nicht IHRE Idee, ich erwähne das nur für all die anderen Autoren).

Auf jeder Seite müssen eine ganze Reihe von Entscheidungen getroffen werden. Wenn die Künstlerin oder der Künstler diese Entscheidungen trifft, sollten sie sich an den Erfordernissen der Geschichte orientieren. Wenn also etwas unbedingt vorhanden sein muss, sagen Sie es und begründen Sie es:

"Carrie greift mit ihrer behandschuhten LINKEN HAND nach dem Idol. Das ist wichtig, denn später werden wir die Handschuhe ausziehen und zeigen, dass ihre rechte Hand bei dem Kampf mit dem Schneezombie verletzt wurde."

"Kobe lächelt freundlich, als er sich bei seiner Tochter entschuldigt. Wir kontrastieren sein warmes, sympathisches Verhalten jetzt mit den Veränderungen, die nach dem Kampf mit dem Schnee-Zombie auftreten werden."

Beachten Sie die großgeschriebenen Fragmente. Sie sind nicht da, weil ich aus Versehen die Feststelltaste gedrückt habe. Die Großschreibung von wichtigen Dingen ist eine bewährte Methode, um Ihren Mitarbeitern zu signalisieren, dass etwas wichtig ist.

Eine weitere Möglichkeit, um sicherzustellen, dass die wichtigen Dinge vermittelt werden, besteht darin, Hinweise darauf direkt in den Text des Drehbuchs aufzunehmen. Wenn es einen bestimmten Gesichtsausdruck einer Schauspielerin gibt, der perfekt zu dem Moment passt, den Sie im Drehbuch beschreiben, suchen Sie ihn auf YouTube und machen Sie einen Screenshot davon. Gibt es eine bestimmte Automarke und ein bestimmtes Automodell, das uns alles sagt, was wir über die Figur wissen müssen, die es fährt? Fügen Sie dieses Bild in Ihre Panel-Beschreibung ein, damit der Künstler es sich als Teil der Geschichte vorstellen kann, sobald er das Drehbuch zum ersten Mal liest.

Ein weiterer Punkt, der Ihrem Mitarbeiter hilft, die Seite sofort zu visualisieren, ist, sie auf diese Weise zu beginnen:

SEITE SIEBEN (5 Tafeln)

Wenn Sie Ihrem Mitarbeiter sagen, wie viele Panels oben auf einer Seite zu sehen sind, weiß er von Anfang an, ob es eine Seite mit einigen großen Momenten oder mit vielen kleinen Momenten sein wird.

Aber ich denke, das Wichtigste, was man tun kann, um gut mit einem Künstler zusammenzuarbeiten, ist, visuell zu denken. "Zeigen, nicht erzählen" ist ein abgedroschener Ratschlag, denn er ist immer noch wertvoll und wird immer noch häufig ignoriert. In Comics gilt "show don't tell" ganz besonders, und es ist ein großartiges Werkzeug für Effizienz. Du kannst die Bilder nutzen, um deutlich zu machen, dass dein trauriger Schneezombie ungeschickt ist, und sogar zeigen, wie die anderen Schneezombies darüber denken. Und das alles ohne ein Wort. Das macht die Arbeit des Künstlers einfacher, weil klar ist, was seine Aufgabe ist, und es gibt Ihnen die Freiheit, Ihre Bildunterschriften und Dialoge zu verwenden, um Dinge zu vermitteln, die die Bilder nicht ausdrücken können.

Haben Sie eine Idee, wie Schriftsteller und Künstler effektiver zusammenarbeiten können? Was ist mit Schriftstellern und Schneezombies? Ich würde gerne Ihre Gedanken dazu hören. Teilen Sie sie mit mir auf Facebook oder Twitter. Oder posten Sie sie auf Tumblr und tagge mich.

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Steve Lieber's Dilettante erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!