STEVE LIEBER'S DILETTANT
Dilettante 039: Ein Marathon, kein Sprint
Vor einigen Wochen schrieb die Romanautorin Mettie Ivie Harrison auf ihrem Tumblr-Konto einen kurzen Essay über das Schreiben von Emotionen. Sie schrieb über Prosa, aber vieles von dem, was sie schrieb, gilt auch für Comics. Und da war dieser Absatz, der mir besonders aufgefallen ist.
"... selbst eine leichte Depression kann es schwierig machen, Gefühle zu verarbeiten. Es kann sich anstrengend anfühlen, ständig über Gefühle nachzudenken, bei sich selbst und bei anderen. Es ist einfacher, die Emotionen kurzzuschließen und direkt zur Handlung und zum Dialog überzugehen. Aber dadurch wird Ihre Geschichte sehr flach. Ich überlasse es Ihnen zu entscheiden, wie sich der Mangel an Gefühlen auf Ihr wirkliches Leben auswirkt."
Sie wollen eine Geschichte erzählen, die Ihre Leser fesselt und sie in Ihre Figuren hineinzieht. Das bedeutet, dass Sie in Ihrer Geschichte Emotionen wecken müssen: Liebe, Angst, Freude, Verzweiflung, Wut, Aufregung. Wie schaffen Sie das? Wie zaubern Sie diese Gefühle auf die Seite? Sie setzen alle Mittel des Comic-Erzählens ein, aber vor allem müssen Sie versuchen, diese Gefühle selbst zu empfinden.
Das ist leicht gesagt, aber es zu tun, ist etwas ganz anderes. Die Erstellung von Comics erfordert fast immer anhaltende Anstrengungen über einen langen Zeitraum hinweg. Eine 22-seitige Geschichte kann für einen einzelnen Künstler leicht einen Monat oder mehr in Anspruch nehmen. Eine 120-seitige Graphic Novel? Sechs Monate für einen schnellen, erfahrenen Künstler, ein Jahr oder mehr für andere. Wenn man dann noch Scannen, Lettering, digitale Retusche und die wichtige Arbeit, ein aktives, ansprechendes öffentliches Gesicht über Kongresse und soziale Medien aufrechtzuerhalten, hinzurechnet, kommt man auf ein immenses Arbeitspensum. Auf dem Weg dorthin werden Sie emotionale Höhen und Tiefen erleben. Wird sich das auf Ihre Arbeit auswirken? Auf jeden Fall auf meine. Als junge Künstlerin, die manchmal mit Stimmungstiefs zu kämpfen hatte, litt meine Erzählkunst. Ich habe gegeben, was ich konnte, aber ich konnte nicht immer die Gefühle und Bilder heraufbeschwören, die meine Geschichten brauchten - zumindest nicht innerhalb der Fristen, die meine Verleger verlangten.
Wie kann ein Künstler seine Energie aufrechterhalten, um über die Wochen und Monate, die es dauern kann, eine Comicgeschichte zu erzählen, emotional engagiert zu bleiben? Ich habe ein paar Strategien gefunden, die sich für mich bewährt haben.
1. Wenn du zu niedergeschlagen bist, um dem Material, das Energie braucht, gerecht zu werden, mach andere Sachen. Es gibt eine Menge Dinge in Ihrem Leben, die nicht mit dem Zeichnen von Comics zu tun haben, und Sie müssen auch diese Dinge tun. Kümmern Sie sich um Ihre Steuern, radieren Sie eine mit Bleistift gezeichnete Seite aus, buchen Sie Ihre Kongressreise, machen Sie die Wäsche, laden Sie Angebote in Ihren Webshop hoch, scannen Sie Originalkunstwerke. Es gibt eine Menge produktiver Arbeiten, die Sie erledigen müssen und die keine emotionale Beteiligung erfordern. Tun Sie etwas davon.
2. Manchmal ist die schiere Größe der Aufgabe, die vor Ihnen liegt, erdrückend. Vielleicht ist es hilfreich, die Aufgabe, die Sie nicht bewältigen können, in kleinere Aufgaben aufzuteilen, die Sie bewältigen können. Wenn Sie mit dem Gedanken an ein ganzes Buch nicht klarkommen, setzen Sie sich kleine, erreichbare Ziele. Polieren Sie den Dialog einer Figur. Fertigen Sie eine Miniaturansicht einer Seite oder einer Szene an. Tusche die Gesichter auf einer Seite.
3. Holen Sie sich einen Helfer. Ein Kollege oder Assistent ist mehr als nur eine Erleichterung. Sie haben einen zweiten Blick auf die Arbeit, und wenn Sie Ihre Ziele für eine Sequenz erläutern, können Sie die Gefühle, die die Szene erfordert, heraufbeschwören. Wenn sie sich für die Geschichte, die Sie erzählen, begeistern, werden Sie feststellen, dass ihre Begeisterung ansteckend ist. Und die erhöhte Dynamik, die mit einem zusätzlichen Paar Hände einhergeht, hilft ebenfalls.
4. Lernen Sie, Ihr grünes Kryptonit zu erkennen. Für mich war es das Zeichnen von engen Bleistiften für einen Tuschezeichner bei Fließband-Comics, die ich in Auftrag gegeben hatte. Das hatte nichts mit der Qualität der Zeichnung zu tun. Die Tuschezeichner, mit denen ich zusammengearbeitet habe, sind allesamt erfahrene und fleißige Profis, und viele von ihnen sind deutlich bessere Zeichner als ich. Das spielte keine Rolle. Mit der Zeit habe ich festgestellt, dass ich es einfach hasse, ein Bild zu zeichnen, das jemand anderes nachzeichnen soll. Ich möchte meine Energie darauf verwenden, Geschichten zu erzählen, und nicht meinen Unmut unterdrücken, deshalb nehme ich solche Projekte nicht an.
5. Machen Sie sich Hilfsmittel zunutze, die Ihnen die Arbeit erleichtern. Wie ich bereits in früheren Kolumnen erwähnt habe, war ich früher gegen die Verwendung von Fotoreferenzen. Ich war der Meinung, dass jedes Gesicht und jede Figur komplett meiner Fantasie entspringen musste, jedes Requisit und jede Kulisse perspektivisch anhand eines für das jeweilige Panel gezeichneten Rasters konstruiert werden musste. Indem ich Fotoreferenzen und 3D-Modelle in meinen Prozess einbezog, konnte ich viel Zeit und Energie sparen und sie darauf verwenden, die Gefühle in einer Szene hervorzuzaubern und bessere Entscheidungen für die Erzählung zu treffen. Als Künstler hat man nur begrenzte Energie.
6. Verstehen Sie die emotionalen Ziele für die Szene, an der Sie arbeiten: was die Figur fühlen soll und was der Leser fühlen soll. "Ich möchte, dass der Leser mit Fred mitfiebert" ist ein ganz anderes Ziel als "Ich möchte, dass der Leser darüber lacht, dass Fred sich fürchtet." Ich mache mir darüber Notizen am Rande meines Drehbuchs, um mich daran zu erinnern, worauf ich hinaus will. Das ist besonders dann hilfreich, wenn ich Schwierigkeiten habe, ein Gefühl zu empfinden und es konstruieren muss. Ich habe festgestellt, dass es dabei sehr hilfreich ist, wenn man über ein gewisses technisches Geschick verfügt. Als das Zeichnen keine Hürde mehr darstellte, hatte ich mehr Zeit und Energie, um echte Gefühle heraufzubeschwören.
Ich weiß, dass es gefährlich ist, über diese Dinge zu sprechen. Manchmal scheint es so, als wäre das einzig akzeptable Gesicht in der Öffentlichkeit, dass wir immer aufgeregt sind und immer zu 100 % arbeiten. Aber jeder Künstler, mit dem ich je gesprochen habe, hat damit zu kämpfen. Eine Comic-Karriere ist ein Marathon, kein Sprint. Wir alle haben unsere eigenen Wege, um durchzuhalten.
Wie haben Sie diese Probleme gelöst? Teilen Sie Ihre Vorschläge mit mir auf Facebook oder Twitter.
Steve Lieber's Dilettante erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!