LE DILETTANTE DE STEVE LIEBER
Dilettante 039 : Un marathon et non un sprint
Il y a quelques semaines, la romancière Mettie Ivie Harrison a publié sur son compte Tumblr un court essai sur l'écriture des émotions. Elle parlait de prose, mais une grande partie de ce qu'elle a écrit s'applique également aux bandes dessinées. Et il y a ce paragraphe qui m'a marqué.
"... même une dépression de faible intensité peut rendre difficile le traitement des émotions. Il peut être épuisant de penser constamment aux émotions, chez soi et chez les autres. Il est plus facile de court-circuiter les émotions et de passer directement à l'intrigue et aux dialogues. Mais cela rend votre histoire très plate. Je vous laisse le soin de décider comment le manque d'émotion affecte votre vie réelle".
Vous voulez raconter une histoire qui interpellera vos lecteurs et les fera s'investir dans vos personnages. Cela signifie que vous devez créer des émotions dans votre histoire : l'amour, la peur, la joie, le désespoir, la rage, l'excitation. Comment y parvenir ? Comment faire naître ces sentiments sur la page ? Vous utilisez tous les outils de la bande dessinée, mais avant tout, vous devez essayer de ressentir ces sentiments vous-même.
C'est facile à dire, mais c'est tout autre chose de le faire. La création d'une bande dessinée exige presque toujours un effort soutenu sur une longue période. Un dessin de 22 pages peut facilement prendre un mois ou plus à un artiste seul. Un roman graphique de 120 pages ? Six mois pour un artiste rapide et expérimenté, un an ou plus pour d'autres. Ajoutez à cela la numérisation, le lettrage, les retouches numériques et le travail crucial qui consiste à maintenir une image publique active et attrayante via les conventions et les médias sociaux, et vous obtenez une charge de travail immense. Vous aurez des hauts et des bas émotionnels en cours de route. Cela affectera-t-il votre travail ? Cela a certainement affecté le mien. En tant qu'artiste plus jeune qui avait parfois des problèmes d'humeur, ma narration en a souffert. Je donnais ce que j'avais, mais je ne pouvais pas toujours évoquer les sentiments et les images dont mes histoires avaient besoin, du moins pas dans les délais exigés par mes éditeurs.
Comment un artiste peut-il garder suffisamment d'énergie pour rester émotionnellement engagé pendant les semaines et les mois que peut prendre le récit d'une bande dessinée ? J'ai trouvé quelques stratégies qui ont fonctionné pour moi.
1. Lorsque vous êtes trop déprimé pour rendre justice au matériel qui a besoin d'énergie, faites autre chose. Il y a beaucoup de choses dans votre vie qui ne sont pas des bandes dessinées, et vous devez les faire aussi. Travaillez sur vos impôts, effacez une page crayonnée, réservez votre voyage pour la convention, faites la lessive, téléchargez des listes sur votre boutique en ligne, scannez des œuvres d'art originales. Il y a beaucoup de travail productif que vous devez faire et qui ne nécessite pas d'investissement émotionnel. Faites-en un peu.
2. Parfois, l'immensité de la tâche qui vous attend vous écrase. Il peut s'avérer utile de diviser le travail que vous ne pouvez pas accomplir en tâches plus petites que vous pouvez accomplir. Si l'idée d'un livre entier ne vous effleure pas, fixez-vous de petits objectifs réalisables. Peaufinez le dialogue d'un personnage. Faites une vignette d'une page ou d'une scène. Encrer les visages sur une page.
3. Faites appel à un assistant. Un collaborateur ou un assistant ne fait pas qu'alléger la charge de travail. Vous aurez une deuxième paire d'yeux sur votre travail, et le fait d'expliquer vos objectifs pour une séquence peut vous aider à évoquer les sentiments que la scène requiert. Lorsqu'ils s'enthousiasment pour l'histoire que vous racontez, leur enthousiasme peut devenir contagieux. Et l'élan qui accompagne l'arrivée d'une autre paire de mains est également bénéfique.
4. Apprenez à reconnaître votre kryptonite verte. Pour moi, il s'agissait de dessiner des crayons serrés pour un encreur sur des bandes dessinées à la chaîne. Cela n'avait rien à voir avec la qualité de l'encrage. Les encreurs avec lesquels j'ai travaillé étaient tous des professionnels compétents et assidus, et beaucoup d'entre eux étaient de bien meilleurs dessinateurs que moi. Cela n'avait pas d'importance. Au fil du temps, je me suis rendu compte que je détestais dessiner une image pour que quelqu'un d'autre la redessine. Je veux consacrer mon énergie à raconter des histoires, et non à étouffer le ressentiment, et je n'accepte donc pas ce genre de projet.
5. Adoptez les outils qui vous facilitent la tâche. Comme je l'ai déjà mentionné dans des articles précédents, j'étais opposé à l'utilisation de références photographiques. Je pensais que chaque visage et chaque figure devaient être entièrement issus de mon imagination, que chaque accessoire et chaque décor devaient être construits en perspective à partir d'une grille dessinée pour cette planche. L'intégration de références photographiques et de modèles 3D dans mon processus m'a permis d'économiser beaucoup de temps et d'énergie et de les consacrer à l'évocation des sentiments d'une scène et à de meilleurs choix narratifs. En tant qu'artiste, votre énergie est limitée.
6. Comprenez les objectifs émotionnels de la scène sur laquelle vous travaillez : ce que le personnage doit ressentir par rapport à ce que le lecteur doit ressentir. L'objectif "J'ai besoin que le lecteur ait peur en même temps que Fred" est très différent de l'objectif "J'ai besoin que le lecteur rie de la peur de Fred". Je note ce genre de choses dans les marges de mon scénario pour me rappeler ce que je vise. C'est particulièrement utile lorsque j'ai du mal à ressentir une émotion et que je dois l'inventer. J'ai découvert que le fait d'avoir des compétences techniques m'aide beaucoup dans ce domaine. Lorsque le dessin de base n'a plus été un obstacle, j'ai eu plus de temps et d'énergie pour évoquer de vrais sentiments.
Je reconnais qu'il y a un certain danger à parler de ces choses. On a parfois l'impression que le seul visage public acceptable est celui d'un artiste toujours enthousiaste, toujours à 100 % de ses capacités. Mais tous les artistes à qui j'ai parlé ont eu à faire face à cette situation. Une carrière dans la bande dessinée est un marathon, pas un sprint. Nous avons tous notre propre façon de continuer à avancer.
Comment avez-vous résolu ces problèmes ? Faites-moi part de vos suggestions sur Facebook ou Twitter.
Le Dilettante de Steve Lieber paraît le deuxième mardi de chaque mois ici sur Toucan !