Dilettante 013: Come dare una buona critica

L'anno scorso ho scritto una rubrica Dilettante che offriva consigli agli artisti che esponevano le loro opere alle convention. È stata ben accolta, ma poco dopo mi sono reso conto di aver trascurato l'altro lato dell'equazione: Non ho detto nulla su come dare una critica utile, né ho visto scrivere molto sull'argomento.

Non ho una formazione formale come insegnante, ma una volta ero uno studente e ho trascorso un paio di decenni a dare feedback ai giovani artisti sul loro lavoro sia alle convention che al Periscope Studio. Nulla di ciò che ho da dire deve essere considerato come la parola definitiva sull'argomento, ma spero che le mie intuizioni ed esperienze possano essere di qualche utilità.

Quando qualcuno mi porta il suo portfolio, la prima cosa che cerco di fare è quella che ho fatto nel paragrafo precedente: stabilire i miei limiti e chiarire la mia prospettiva. Di solito dico loro che sono un artista di fumetti con un approccio saldamente radicato nella narrazione tradizionale occidentale (cioè, non manga o art-comics). Posso dare un feedback su questo tipo di lavoro, ma è importante che sappiano da dove viene il mio punto di vista.

La cosa successiva che dico è importante: "Abbiamo solo poco tempo per questo. Dedicherò questo tempo a concentrarmi sulle cose che stai sbagliando. Questo non significa che stiate sbagliando tutto o che non ci siano buone qualità nel vostro lavoro, ma credo che avrete più valore se vi parlerò delle cose su cui dovete lavorare". Dico loro questo perché per molti giovani artisti l'intero senso di autostima è racchiuso nell'essere bravi in quello che fanno. Alle superiori erano probabilmente i migliori artisti del loro gruppo di pari. L'insegnamento basato sulla vergogna e sul sergente può essere una strategia efficace per un rapporto mentore-protégé a lungo termine, ma per le critiche brevi ho scoperto che è più probabile che ciò che ho da dire venga recepito se chiarisco fin dall'inizio che li rispetto per lo sforzo che hanno fatto.

Poi inizio a sfogliare le pagine. Spesso mi faccio un'idea abbastanza precisa di ciò di cui parlerò prima di arrivare alla fine della prima pagina, ma cerco di mantenere una mente aperta mentre vado avanti. Alcuni artisti inesperti arricchiscono il loro portfolio inserendo nuove pagine in fondo senza eliminare quelle vecchie, e il lavoro migliora molto man mano che lo si sfoglia. (Quando un artista mi porta un portfolio così pieno, spesso gli chiedo di mostrarmi solo le 8 pagine migliori).

Mentre lo faccio, faccio domande all'artista:

Qual è la sua priorità: essere assunto da un editore per lavorare al progetto di qualcun altro, o far pubblicare la storia che mi sta mostrando?

Se si tratta della prima, i miei suggerimenti si orienteranno verso la creazione di un portfolio che metta in luce le sue capacità. In caso contrario, criticherò il lavoro con un occhio di riguardo a ciò che farà funzionare al meglio quella particolare storia.

Avete degli istruttori che vi danno un feedback regolare? Cosa vi dicono?

A volte mi capita di incontrare un artista che riceve consigli orribili da un istruttore. In questi casi, faccio del mio meglio per essere estremamente chiaro sul perché sto dando loro un consiglio che è a 180 gradi rispetto a quello che hanno sentito.

Quali artisti ammira e cerca di emulare?

Questo spesso mi aiuta a capire le loro scelte e a volte posso incorporare le cose che fanno quegli artisti nei miei suggerimenti.

Mi pongo anche una serie di domande:

C'è una narrazione?

In caso contrario, spesso mi ritiro dalla critica. Sono bravo a criticare la narrazione, ma non ho altrettanto da offrire ai copertinisti o ai disegnatori di personaggi.

Riesco a seguire la storia o sono confuso su ciò che sta accadendo?

I personaggi sono disegnati in modo coerente?

In caso contrario, l'artista fa almeno uso di etichette (abiti distintivi, capelli, ecc.) per mantenere i personaggi riconoscibili quando ne soffiano la somiglianza?

L'artista dimostra una buona padronanza del disegno accademico di base?

In caso contrario, devo decidere se penso che possano imparare. Mi concentro su come disegnare o su cosa fare quando non si può disegnare?

L'artista mette la "macchina da presa" dove deve essere per raccontare efficacemente la storia?

L'artista sta facendo scelte che creano molto più lavoro del necessario?

C'è un'area che ha più bisogno di feedback di altre?

Un artista che ho conosciuto aveva un portfolio pieno di lavori assolutamente professionali quando disegnava animali e mostri, ma i suoi esseri umani erano amatoriali al confronto. Ho passato quella critica a parlare di come disegnare le persone.

Ci sono problemi nel lavoro che possono essere facilmente corretti?

Ho qualcosa da offrire all'artista quando si tratta di perfezionare la sua estetica, o devo limitarmi a risolvere i problemi?

Quando ho esaminato l'intero portfolio, inizio con la critica. Cerco con tutte le mie forze di contenere la mia tendenza a fare il saputello. Non sempre ci riesco e se qualcuno che sta leggendo si è trovato a subire questo comportamento, mi scuso sinceramente. (Detto questo, quando un artista risponde alle mie critiche o correzioni con delle scuse, lo chiudo immediatamente).

Le mie critiche sono sempre un po' troppo generiche. Oltre ai miei commenti generali, sottolineo le tangenze, le violazioni eclatanti della regola dei 180 gradi, gli errori di anatomia, le stranezze prospettiche, i punti in cui l'artista ha trascurato di fare ricerche importanti, le scelte strane nel design dei personaggi, le aree nere mal evidenziate, tutto ciò che attira la mia attenzione. Li incoraggio a prendere appunti se hanno qualcosa su cui scrivere. E cerco di definire i termini che uso, in modo che gergo come "tangenza", "regola dei 180 gradi" e "individuazione del nero" non passino sopra le loro teste. È importante trovare modi semplici e concreti per parlare di queste cose e chiarire perché è un problema quando non sono fatte correttamente. Se ho un esempio di un punto in cui ho sbagliato, lo indico. Se ho con me della carta da lucido, a volte la stendo su un pannello e abbozzo la mia soluzione.

Riconosco inoltre che anche una spiegazione perfettamente formulata potrebbe non essere recepita. Alcune lezioni possono essere apprese solo quando uno studente è pronto, e potrebbero volerci uno o due anni prima che riesca a capire quello che gli state dicendo.

Se ci sono artisti pubblicati che sono particolarmente bravi a risolvere i problemi che stanno cercando di risolvere, cercherò di indirizzarli verso il lavoro di quell'artista. È raro che qualcuno lasci la mia critica senza un elenco di nomi su cui indagare. E spesso mi ritrovo a sostenere la necessità di disegnare di più dal vero e di usare i riferimenti per contribuire a dare varietà e autorevolezza al lavoro finale.

Alla fine, nonostante quello che ho detto sul concentrarsi su ciò che non va, cerco di trovare qualcosa di incoraggiante. Quando mi accanisco su un artista, voglio sempre assicurarmi che capisca che ho speso tempo ed energie per farlo solo perché prendo sul serio i suoi sforzi. Se ho fatto bene il mio lavoro, lasceranno il mio tavolo con informazioni che miglioreranno il loro lavoro. E forse l'anno prossimo o quello dopo ancora, guarderanno il lavoro di qualche artista più giovane, sorpresi di scoprire quanto si impara quando si chiede di insegnare.

Avete idee su cosa funziona e cosa non funziona quando si fa una critica? Facciamo in modo che questa sia una conversazione. Rispondetemi su Twitter @steve_lieber (hashtag #crits) o su Facebook all'indirizzo https://www.facebook.com/steve.lieber (il thread relativo sarà il 14/01/14).

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Dilettante di Steve Lieber appare il secondo martedì di ogni mese su Toucan!