スティーブ・リーバーのディレッタント
ディレッタント010漫画家のライブラリー
美術学校に行く必要があるのかどうかという質問をよく受ける。短い答えはこうだ：現役のアーティストとして20年以上仕事をしてきたが、私が卒業証書を持っているかどうかに興味を示すクライアントは一人もいなかった。出版社やアートディレクターが気にするのはあなたのポートフォリオだけであり、読者やファンが目にするのはあなたの作品だけなのだ。では、なぜ学校に行くのか？私の場合、優先順位を整理してくれる先生や、B.S.と呼んでくれるクラスメートがいる、構造化された環境が必要だった。
とはいえ、美術学校は万人向けではない。費用は高くつくこともあれば高くつくこともある。指導の質は千差万別だし、誰もが教室で上手に学べるわけではない。しかし、独学は難しい。特にアカデミックなイラストレーションに根ざした伝統的なスタイルに興味があるならなおさらだ。幸いなことに、アーティスト志望者を乗り越えるための本はたくさんある。
何十年もの間、伝統的なコミック・アーティストのライブラリーの中核は、2冊の本によって形成されていた：
アンドリュー・ルーミスの本と、フェイマス・アーティスト・スクールのマニュアル。
eBayやデジタル海賊版、第7世代のコピー以外では何年も入手不可能だったルーミスの本が再び印刷された。ルーミスの数ある著書の中でも、必携の3冊がある：
価値あるフィギュア・ドローイング
本書は人物のデッサンに関するもので、構成、解剖学、プロポーション、照明、ジェスチャー、リズムなど。
クリエイティブ・イラストレーション
この教科書は、構図の原則と、明確に伝えるために絵の中の要素をどのように配置するかに重点を置いている。絵の描き方をすでに知っていることを前提としている。
成功したドローイング
これは問題解決マニュアルのようなもので、空間内のフォームを正確に描写する方法や照明の当て方を説明する素晴らしい図がたくさん掲載されている。
ルーミスの美学とテクニックは、20世紀初頭のアメリカのイラストレーションにしっかりと根ざしているが、彼が教える原則は揺るぎないものであり、どんなアーティストにとっても貴重なものとなるだろう。
フェイマスアーティストスクールのレッスンブックは、1950年代から60年代にかけての通信講座だった。イラストレーター用と漫画家用があり、どちらも特大のバインダーに何冊も入っている。この2つのコースには重複する部分もあるが、どちらも絵で物語を語るというとんでもなく貴重なレッスンが、誰もが認める巨匠たちによって書かれ、描かれている：ノーマン・ロックウェル、アルバート・ドーン、ロバート・フォーセット、その他多数。
有名アーティストスクールのレッスンブックは残念ながら絶版だ。eBayや古本屋で頻繁にコピーが出回るが、決して安くはない。海賊版サイトにも違法なスキャンが時々出回る。海賊版サイトに読者を誘導するのは気が引けるが、もしサイトにアクセスすれば、ヌードだらけのポップアップ・ウィンドウから素早くライフ・デッサンを描くチャンスがあるだろう。
FASの本で特に役に立ったのは、ドレペリー（服を着た姿）についてのレッスンだった。これは、ハウツー本の世界では依然として大きなギャップとなっている。バーン・ホガースがこのテーマで本を書いていますが、特に役に立つとは思いません。私はバーバラ・ブラッドリーの『人物を描く：服を着た人物を描く方法』が好きだ。また、ジャック・ハムの『Drawing the Head and Figure 』には、短いながらもとても良いセクションがあり、かなり参考になった。
ジャック・ハムの "How To "本を何冊か推薦する。表向きは若い読者向けに書かれているが、上級の学生や社会人なら、まだまだ役に立つ情報がたくさん見つかるだろう。ドローイング・ザ・ヘッド」や「ドローイング・ザ・フィギュア 」とともに、ぜひ手に取ってみてほしい：
- 動物の描き方
- 風景を描く：風景と海景
- 頭部と人物の漫画
これらの本には情報がぎっしり詰まっている。ページ全体を通して、余白は最小限に抑えられている。ハムは、ページのどこかにもう一枚、役に立つ絵を入れることができるのなら、そうするだろう！
ハムの動物に関する本は役に立つし、このテーマで始めるには最適だ。しかし、より深いレッスンには、ジョー・ウェザリーの 『The Weatherly Guide to Drawing Animals 』をお勧めする。ウェザリーはステップ・バイ・ステップのガイドを提供しないし、文章も少ない。彼は読者がすでに描き方を知っていることを前提としている。しかし、彼の絵は、絵の読み方を知っている芸術家であれば誰でも、多くのことを教えられるような、非常に知識豊富な文章である。
人物画をマスターすることは、多くのコミック・アーティスト、特にアドベンチャー・ジャンルのアーティストにとって重要なステップである。先に ルーミスの『Figure Drawing for All It's Worth』を 紹介した。その中の解剖学のレッスンは良いが、特に徹底しているわけではない。解剖学をはるかに詳しく扱った本はたくさんある：
芸術家のための人体解剖学アトラスStephen Rogers Peck著
ペックの著書は、この分野では何十年もの間、古典となっている。
構成的解剖学 by ジョージ・ブリッジマン
ブリジマンの精巧に様式化された解剖学への図式的アプローチは、人体像を理解しようとする芸術家にとって伝統的な資料となってきた。
フィギュア・ドローイングマイケル・ハンプトン著『デザインと発明
私の現在のお気に入りは、ブリッジマンのものと同様の機械的分析と、より明確で詳細なイラストと文章が組み合わされたこの本である。
しかし漫画では、ただ人物を描くだけでは不十分だ。動きに生命感を与えなければならない。そのためのレッスンとして、私はよくアニメーターの本を勧めます。キャラクターメンター：トム・バンクロフト著『キャラクターに命を吹き込むための表情、ポーズ、演出を実例で学ぶ』は素晴らしく、アニメだけでなくコミックの世界からのレッスンもある。また、『The Illusion of Life』には何百ページもの重要な情報がある：ディズニー・アニメーション』（フランク・トーマスとオリー・ジョンストン著）には、何百ページもの重要な情報が掲載されている。
最後に、最近非常に感銘を受けた本が『Framed Ink』だ：マルコス・マテウ＝メストレ著『Drawing and Composition for Visual Storytellers』である。彼の絵は素晴らしいが、それ以上に重要なのは、あらゆる視覚メディアに適用されるイラストレーションの原理をこれほどうまく説明している本を見たことがないということだ。
それがスタートだ。あなたの本棚は時間が経てばもっと深くなる。私が知っている漫画家のほとんどは、このような本を何十冊も集め、常に自分の知識を強化している。
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スティーブ・リーバーの "Dilettante "は、毎月第2火曜日にここToucanに登場する！