STEVE LIEBER'S DILETTANT
Dilettant 050: Tipps zum Schreiben deines ersten Comics
Prosa schreiben zu lernen, ist wahnsinnig schwierig, und viele brauchen Jahre, um die Grundlagen zu begreifen. Man muss den Aufbau, den Charakter, das Thema, das Tempo, die Auswirkungen der Wortwahl, die Besonderheiten des Themas und vieles mehr verstehen. Wenn man lernt, eine kollaborative Form wie Comics zu schreiben, kommen noch weitere Schwierigkeiten und Fallen hinzu, da man auf die Schwierigkeiten stößt, die dem Medium innewohnen oder die von den Leuten, mit denen man zusammenarbeitet, herrühren.
Ich habe mit einer Reihe von Autoren zum ersten Mal an ihrem ersten Comic zusammengearbeitet, und das ist im Allgemeinen ziemlich gut gelaufen. (Ich gebe hier mal an: Eine Geschichte wurde für den Eisner Award nominiert, eine andere erhielt vier Auszeichnungen, und eine andere schaffte es in eine Year's Best-Anthologie und verhalf dem Autor zu einem Filmvertrag.) Und ich habe auch beobachtet, wie Künstler, die ich kenne, mit Erstautoren zusammengearbeitet haben, was nicht so gut ausgegangen ist. Deshalb möchte ich hier einige Beobachtungen und Vorschläge machen, die für Autoren, die neu in diesem Medium sind, nützlich sein könnten.
1. Lies einen Haufen Comics.
Das ist das Wichtigste. Du erzählst eine Geschichte in einem komplizierten Medium mit seinen eigenen Regeln, Rhythmen und Macken. Zumindest sollten Sie ein Gespür dafür haben, was andere Leute damit gemacht haben. Es ist hilfreich, Triumphe, Beinahe-Erfolge und völlige Misserfolge zu lesen. Lesen Sie weit über das Genre hinaus, das Sie zu schreiben beabsichtigen. Es gibt überall wertvolle Lektionen. (Ich habe bereits erwähnt, dass einer der größten Einflüsse auf den Krimi-Comic für Erwachsene, den ich zeichne, John Stanleys Little Lulu ist).
Es gibt noch keinen etablierten Comic-Kanon, aber im Internet finden Sie zahlreiche Best-of- und Must-Read-Listen. Auch die Besitzer von Bibliotheken und Comicläden haben sicher viele Vorschläge.
Lesen Sie analytisch. Sehen Sie sich an, was funktioniert und was nicht, und versuchen Sie, die Erfolge auseinanderzunehmen, um zu sehen, wie sie funktionieren. Hier ist ein Beispiel für eine solche Analyse: https://www.comic-con.org/toucan/dilettante-015-analyzing-eisner
2. Fragen Sie sich selbst: Warum ist diese Geschichte ein Comic?
Ich habe so viele Autoren mit einem unverkauften Drehbuch getroffen, die beschlossen haben, dass sie es einfach "in einen Comic verwandeln" könnten. Sie sind sich in der Regel nicht bewusst, welche Verachtung sie damit sowohl für ihre eigene Arbeit als auch für das Medium, in dem sie arbeiten wollen, zum Ausdruck bringen. Es ist schmerzlich offensichtlich, wenn jemand einen Comic wie eine Filmvorlage behandelt oder versucht, filmische Action und Dialoge in Panels zu pressen. Respekt vor einem Medium bedeutet, dass man seine Geschichte um Dinge herum aufbaut, die das Medium gut kann.
3. Wenn Sie nicht mit einem etablierten Verlag zusammenarbeiten, wird es schwierig sein, einen Künstler zu finden.
Die häufigste Frage, die ich von Autoren höre, die zum ersten Mal schreiben, lautet: "Wie finde ich einen Künstler?" Die einfachste Antwort ist Geld. Wenn Sie einen wettbewerbsfähigen Preis zahlen können, können Sie immer einen qualifizierten Künstler als Mitarbeiter einstellen. Das ist nicht billig. Wenn Sie sich in einem anderen Medium bereits einen Namen gemacht haben, kann Ihnen Ihr Einfluss dabei helfen, jemanden zu finden, der mit Ihnen zusammenarbeiten möchte. Wenn Sie weder Geld noch einen guten Ruf außerhalb des Comic-Bereichs haben, müssen Sie sich wie verrückt vernetzen, sowohl persönlich als auch online, und alle verfügbaren Mittel nutzen, um Kontakte zu Künstlern zu knüpfen oder zu Leuten, die Sie mit Künstlern bekannt machen könnten. Das wird langsam und schwierig sein.
4. Es ist besser, seinen Künstler zu kennen.
Lassen Sie sich nicht davon abhalten, Drehbücher zu schreiben, wenn Sie keinen Künstler haben. Sie werden viel lernen, wenn Sie ein Drehbuch schreiben, auch wenn niemand es jemals zeichnet. Aber wenn alle Dinge gleich sind, ist es besser, ein Drehbuch mit einem bestimmten Künstler im Kopf zu schreiben.
Viele Künstler sind in manchen Dingen gut und in anderen schrecklich. Sehen Sie sich ihre Arbeiten an und sprechen Sie mit ihnen, bevor Sie ein Skript übergeben. Wenn ein Künstler nur ein einheitliches Gesicht zeichnen kann und sich auf Haare und Kleidung verlässt, um seine Figuren zu unterscheiden, ist er vielleicht keine gute Wahl für Ihr Bootcamp-Melodrama, in dem alle kahl rasiert sind und die gleiche Uniform tragen. Setzen Sie auf ihre Stärken und Interessen und vermeiden Sie ihre Schwächen.
5. Schreiben Sie visuell.
Suchen Sie immer nach Möglichkeiten, Ihren Standpunkt mit Bildern und nicht mit Worten darzustellen. Jedes Panel in der Geschichte sollte einen Grund haben und mehr sein als nur das bildliche Äquivalent von "er sagte" oder "sie sagte". Fragen Sie sich selbst: Welche neuen Informationen vermittelt dieses Bild dem Leser? Bringen die visuellen Informationen, um die ich den Zeichner bitte, die Geschichte voran oder bereichern sie die Figuren auf sinnvolle Art und Weise? Wenn nicht, warum ist diese Tafel dann da?
Visuelles Schreiben bedeutet nicht unbedingt, dem Zeichner zu sagen, wo er die "Kamera" ansetzen soll, um eine Szene zu zeigen. Es ist selten, dass ein neuer Autor ein gutes Gespür dafür hat, wie man das macht, und es ist unmöglich, die vielen Entscheidungen vorherzusehen, die ein Künstler treffen muss, wenn er eine Seite zeichnet. Die Ergebnisse können im Einzelfall variieren, aber die meisten Künstler, mit denen ich im Laufe der Jahre gesprochen habe, streichen die Teile des Drehbuchs, die die Kameraführung und die Inszenierung im Detail regeln. Im Zweifelsfall sollten Sie Ihrem Zeichner sagen, was in einem Panel passieren soll und wie es sich anfühlen soll.
Ich für meinen Teil möchte wissen, was der Leser aus jedem Panel lernen soll, und wenn es unklar ist, warum er es wissen soll. Wenn Sie zum Beispiel angeben, dass ein Baby nach einem sternförmigen Spielzeug greift, sollten Sie mir vielleicht sagen, dass das so ist, weil diese Sternform ein Motiv ist, das später wieder auftaucht, wenn sie älter ist und einen Stern auf den Weihnachtsbaum legt, und nicht nur, weil das die erste Form ist, die Ihnen einfällt.
In solchen Fällen ist es hilfreich, die wichtigen Details zu betonen, etwa so:
Tafel 1: Baby Josie, die sehr ernst dreinschaut, greift nach einem Stapel Buchstabenblöcke und Plastikhasen, um ein sternförmiges Spielzeug zu greifen.
Vermeiden Sie es, in Dialogen oder Bildunterschriften Aussagen zu machen, die bereits durch die Bilder vermittelt werden, es sei denn, Sie trauen den Bildern nicht zu, diese Aussagen wirksam zu vermitteln. Es ist besser, mit Ihren Worten Dinge zu sagen, die die Bilder nicht sagen oder nicht sagen können.
6. Eine Aktion pro Zeichen pro Panel.
Ich kann das gar nicht oft genug betonen. Das kommt besonders häufig in Drehbüchern vor, die von Drehbüchern übernommen wurden. Ich kann ein Panel zeichnen, in dem Dan sich die Zähne putzt. Ich kann ein Panel zeichnen, in dem Dan ins Bett geht. Ich kann kein Panel zeichnen, in dem Dan sich die Zähne putzt und ins Bett geht.
7. Achten Sie auf das Format.
Wenn Ihre Geschichte in Schwarz-Weiß erscheinen soll, schreiben Sie keine Handlungspunkte, die Farbe erfordern. Wenn der Comic in einem Magazin im Digest-Format erscheinen soll, sollten Sie sich darüber im Klaren sein, dass Ihr Zeichner nicht so viel Platz zum Zeichnen hat, dass die Bilder einfacher sein müssen, damit sie klar zu lesen sind, und dass Sie vielleicht weniger Panels pro Seite schreiben müssen. Wenn Sie für eine Website schreiben, die Geschichten Panel für Panel liefert, während der Leser auf seinem Handy nach unten scrollt, ist das ein einzigartiger Rhythmus, der sich ganz anders lesen wird als ein Comic, bei dem mehrere Panels unterschiedlicher Größe nebeneinander auf demselben Blatt Papier stehen.
8. Der physische Raum ist fast immer knapp bemessen.
Je mehr Wörter auf einer Seite stehen, desto weniger Platz bleibt für das Bild. Versuchen Sie, Ihre Bildunterschriften und Dialoge so zu kürzen, dass sie nie mehr als ein Drittel einer typischen Seite einnehmen. Kultivieren Sie die Kürze.
9. Begründen Sie immer die Entscheidungen, die Sie in Ihrem Drehbuch treffen.
Wenn die Antwort lautet "weil es ein Comic ist", dann aufgepasst. Das ist in Ordnung, wenn das bedeutet, dass Sie auf die Mechanismen des Mediums achten. Ein Beispiel dafür wäre, die Sprechreihenfolge in einer Szene konsistent zu halten, damit der Zeichner die Links-Rechts-Beziehung beibehalten kann, ohne gegen die 180-Grad-Regel zu verstoßen. Aber "weil es ein Comic ist" sollte niemals bedeuten, dass man Klischees verwendet, an die man sich noch von der Lektüre in der Kindheit erinnert. Diese waren wahrscheinlich schon abgenutzt, als Sie sie zum ersten Mal sahen, und wenn Sie sie jetzt wieder verwenden, kann sich Ihr Publikum herablassend behandelt fühlen.
10. Erste Zusammenarbeit? Machen Sie es kurz.
Wenn Sie eine große Geschichte im Kopf haben, ist die Versuchung groß, gleich loszulegen und sie zu erzählen. Das ist in der Regel ein Fehler. Sie werden mit der Zeit immer besser werden, und wenn Ihre Mitarbeiterin neu in diesem Bereich ist, wird sie es auch. In 50 Seiten werden Sie ein viel besserer Geschichtenerzähler sein. Nach 100 Seiten werden Sie noch besser sein. Warum sollten Sie Ihre späteren, geschickteren Bemühungen an Ihre frühen amateurhaften Fummeleien koppeln? Fangen Sie mit etwas Kurzem an. Vielleicht mit einem 8-Seiter? Es ist viel wahrscheinlicher, dass Ihr Kollege eine kurze Geschichte zu Ende zeichnet als eine lange, und Sie beide werden aus dieser Erfahrung lernen. Sie werden ein Gefühl dafür bekommen, wie es ist, miteinander zu arbeiten, und herausfinden, wie gut Ihre Ansätze und Empfindlichkeiten zusammenpassen.
Sind Sie ein Autor, der mit Comics anfängt, oder ein Künstler, der mit einem solchen gearbeitet hat? Ich würde gerne Ihre Gedanken dazu hören! Erzählen Sie mir davon auf Twitter unter @steve_lieber, oder auf Facebook unter https://www.facebook.com/steve.lieber
Steve Lieber's Dilletante erscheint jeden zweiten Dienstag im Monat hier auf Toucan!