IL DILETTANTE DI STEVE LIEBER
Dilettante 050: Consigli per scrivere il vostro primo fumetto
Imparare a scrivere in prosa è estremamente difficile e per molti ci vogliono anni di lotta per afferrare le basi. Bisogna capire la costruzione, il personaggio, il tema, il ritmo, gli effetti della scelta delle parole, le specificità del soggetto e molto altro ancora. Imparare a scrivere una forma collaborativa come il fumetto aggiunge nuovi problemi e trappole, poiché ci si imbatte nelle difficoltà insite nel mezzo o specifiche delle persone con cui si lavora.
Sono stato il primo collaboratore di diversi scrittori al loro primo fumetto, e in genere è andata piuttosto bene. (Mi vanterò qui: Una storia ha ottenuto una nomination agli Eisner Award, un'altra ne ha guadagnate quattro e un'altra ancora è stata inserita nell'antologia Year's Best e ha aiutato lo scrittore a ottenere un contratto cinematografico). E ho anche osservato artisti che conosco lavorare con scrittori esordienti in collaborazioni che non sono andate troppo bene. Ho quindi pensato di condividere alcune osservazioni e suggerimenti che potrebbero essere utili agli scrittori alle prime armi.
1. Leggere un sacco di fumetti.
È una questione primaria. State raccontando una storia in un mezzo complicato, con le sue regole, i suoi ritmi e le sue stranezze. Come minimo, dovreste avere un'idea di ciò che gli altri hanno fatto con questo mezzo. È utile leggere i trionfi, i quasi successi e i veri e propri fallimenti. Leggete ben oltre il genere che intendete scrivere. Ci sono lezioni preziose ovunque. (Ho già notato che una delle maggiori influenze sul fumetto poliziesco per adulti che disegno è Little Lulu di John Stanley).
Non c'è ancora un canone stabilito per i fumetti, ma in rete si possono trovare molti elenchi di best-of e must-read. Anche i bibliotecari e i proprietari di fumetterie avranno molti suggerimenti da darvi.
Leggete in modo analitico. Osservate cosa funziona e cosa no e cercate di smontare i successi per capire come funzionano. Ecco un esempio di analisi: https://www.comic-con.org/toucan/dilettante-015-analyzing-eisner
2. Chiedetevi: Perché questa storia è un fumetto?
Mi sono imbattuto in tanti scrittori con una sceneggiatura invenduta che hanno deciso di "trasformarla in un fumetto". In genere non sono consapevoli del disprezzo che stanno comunicando sia per il loro lavoro sia per il medium in cui si aspettano di lavorare. È dolorosamente ovvio quando qualcuno tratta un fumetto come se fosse un'opera cinematografica, o cerca di infilare azioni e dialoghi cinematografici nei pannelli. Rispettare un medium significa costruire la propria storia attorno a ciò che il medium sa fare bene.
3. Se non lavorate con un editore affermato, trovare un artista sarà difficile.
La domanda più frequente che mi viene rivolta dagli scrittori esordienti è: "Come faccio a trovare un artista?". La risposta più semplice è il denaro. Se potete pagare una tariffa competitiva, potete sempre assumere un artista esperto come vostro collaboratore. Non è una cosa economica. Se vi siete affermati in qualche altro mezzo, il vostro peso può aiutarvi a trovare qualcuno che voglia lavorare con voi. Se non avete soldi o una reputazione al di fuori del fumetto, dovrete fare rete come matti, di persona e online, usando ogni mezzo disponibile per creare connessioni con artisti o persone che potrebbero presentarvi ad artisti. Sarà lento e difficile.
4. È meglio conoscere il proprio artista.
Non lasciate che il fatto di non avere un artista vi impedisca di scrivere sceneggiature. Imparerete molto scrivendone una, anche se nessuno la disegnerà mai. Ma a parità di condizioni, è meglio scrivere una sceneggiatura pensando a un artista specifico.
Molti artisti sono bravi in alcune cose e pessimi in altre. Guardate il loro lavoro e parlate con loro prima di consegnare una sceneggiatura. Se un artista è in grado di disegnare solo un volto coerente e si affida ai capelli e all'abbigliamento per differenziare i suoi personaggi, potrebbe non essere la scelta giusta per il vostro melodramma da campo di addestramento in cui tutti sono rasati e indossano la stessa uniforme. Sfruttate i loro punti di forza e i loro interessi, evitando le loro debolezze.
5. Scrivere visivamente.
Cercate sempre un modo per esprimere il vostro punto di vista con le immagini piuttosto che con le parole. Ogni riquadro della storia dovrebbe avere un motivo per essere lì, e non essere solo l'equivalente pittorico di "lui ha detto" o "lei ha detto". Chiedetevi: Quali nuove informazioni fornisce al lettore questa immagine? Le informazioni visive che sto chiedendo all'artista di disegnare fanno progredire la storia o arricchiscono i personaggi in modo significativo? Se no, perché c'è quel riquadro?
Scrivere in modo visivo non significa necessariamente dire all'artista dove posizionare la "telecamera" per mostrare una scena. È raro che un nuovo scrittore abbia un buon senso di come farlo, ed è impossibile anticipare le molte scelte che un artista dovrà fare quando disegna una pagina. I risultati individuali possono variare, ma la maggior parte degli artisti con cui ho parlato nel corso degli anni cancella le parti delle sceneggiature che gestiscono in modo micromanuale la macchina da presa e la messa in scena. In caso di dubbio, dite al vostro artista che cosa deve accadere in una tavola e come deve apparire.
Parlando per me, voglio sapere che cosa il lettore deve imparare da ogni tavola e, se non è chiaro, perché deve saperlo. Per esempio, se specifichi che una bambina sta raggiungendo un giocattolo a forma di stella, fammi sapere che è lì perché quella forma di stella è un motivo che verrà evocato più tardi, quando sarà più grande e metterà una stella in cima all'albero di Natale, e non solo perché è la prima forma a cui hai pensato.
In casi come questo, è utile sottolineare i dettagli importanti, in questo modo:
Pannello 1: La piccola Josie, con un'aria molto seria, passa davanti a una pila di blocchi dell'alfabeto e coniglietti di plastica per afferrare un giocattolo a forma di stella.
Evitate di inserire nei dialoghi o nelle didascalie punti della storia che sono già comunicati dalle immagini, a meno che non vi fidiate che le immagini comunichino efficacemente quei punti. È meglio usare le parole per dire cose che le immagini non dicono o non possono dire.
6. Un'azione per personaggio per pannello.
Non lo sottolineerò mai abbastanza. È particolarmente comune nelle sceneggiature adattate da sceneggiature. Posso disegnare una tavola in cui Dan si lava i denti. Posso disegnare una tavola in cui Dan si mette a letto. Non posso disegnare una tavola in cui Dan si lava i denti e va a letto.
7. Prestate attenzione al formato.
Se la storia verrà pubblicata in bianco e nero, non scrivete punti della trama che richiedono il colore. Se il fumetto verrà pubblicato su una rivista di dimensioni ridotte, sappiate che il vostro disegnatore non avrà tanto spazio per disegnare, che le immagini dovranno essere più semplici per essere lette chiaramente e che dovrete scrivere meno tavole per pagina. Se state scrivendo per un sito web che offre le storie un pannello alla volta mentre il lettore scorre verso il basso sul suo telefono, si tratta di un ritmo unico che si leggerà in modo molto diverso rispetto a un fumetto che mette più pannelli di dimensioni diverse uno accanto all'altro sullo stesso foglio di carta.
8. Lo spazio fisico è quasi sempre limitato.
Più parole ci sono in una pagina, meno spazio c'è per l'immagine. Cercate di ridurre le didascalie e i dialoghi in modo che non occupino più di un terzo di una tavola tipica. Coltivate la brevità.
9. Le scelte operate nella sceneggiatura devono sempre essere motivate.
Se la risposta è "perché è un fumetto", attenzione. Questo va bene se significa che si sta prestando attenzione alle meccaniche del mezzo. Un esempio potrebbe essere quello di mantenere l'ordine di parola coerente in una scena, in modo che l'artista possa mantenere le relazioni destra-sinistra senza violare la regola dei 180 gradi. Ma "perché è un fumetto" non deve mai significare l'utilizzo di cliché che si ricordano dalle letture fatte da bambini. Probabilmente erano logori quando li avete visti per la prima volta, e riproporli ora può lasciare il pubblico con un senso di condiscendenza.
10. La prima collaborazione? Non è una cosa lunga.
Se si ha in mente una storia importante, si è tentati di tuffarsi subito e iniziare a raccontarla. Di solito è un errore. Diventerete molto più bravi man mano che lavorerete, e se il vostro collaboratore è alle prime armi, lo sarà anche lei. Tra 50 pagine sarete un narratore molto più bravo. Dopo 100, sarete ancora più bravi. Perché vincolare i vostri sforzi successivi, più abili, ai vostri primi errori da dilettanti? Iniziate con qualcosa di breve. Magari con un foglio di 8 pagine? È molto più probabile che il vostro collaboratore finisca di disegnare una storia breve che una lunga, ed entrambi imparerete dall'esperienza. Vi farete un'idea di cosa significhi lavorare con l'altro e scoprirete quanto i vostri approcci e le vostre sensibilità siano in sintonia.
Sei uno scrittore che sta iniziando a lavorare nel mondo dei fumetti o un artista che ha lavorato con uno di loro? Mi piacerebbe sentire le tue opinioni in merito! Raccontatele su Twitter a @steve_lieber, o su Facebook a https://www.facebook.com/steve.lieber.
Dilletante di Steve Lieber appare il secondo martedì di ogni mese qui su Toucan!