LE DILETTANTE DE STEVE LIEBER
Dilettante 043 : Les contraintes comme outil de création
Comme beaucoup de personnes qui travaillent dans des domaines créatifs, mon plus grand ennemi est la page blanche. Les options illimitées sont un cauchemar pour moi. J'ai besoin de murs sur lesquels rebondir, de règles à respecter ou à défier, de limites à ce que je peux faire avec le projet sur lequel je travaille. Ce que j'ai appris en tant que créatif, c'est ceci : si je veux faire mon travail efficacement, je n'ai pas seulement besoin d'une raison de faire quelque chose, j'ai besoin d'une raison de ne pas faire autre chose. Parfois, ces raisons sont inhérentes au travail. Si je suis engagé pour créer une bande dessinée de 8 pages, cela élimine beaucoup d'histoires possibles qui nécessiteraient plus d'espace. Si l'histoire doit être reproduite en noir et blanc, je ne ferai pas de la couleur un élément important de l'histoire. Si le public visé est constitué d'enfants, je vais m'éloigner des contenus classés "R". Et si mon histoire s'inscrit dans un genre établi, je dois également respecter les principes de ce genre.
Mais parfois, ces contraintes de base ne me suffisent pas. J'ai besoin de retirer quelques options supplémentaires de la table, de travailler avec plus de structure, de commencer à prendre des décisions intéressantes. Et si cette structure n'est pas imposée par un éditeur ou un client, je la créerai moi-même.
Suggestions d'écriture
Lorsque j'ai besoin d'un point de départ pour un projet créatif, j'aime bien travailler avec des messages d'encouragement à l'écriture.
Lettres de l'alphabet
Choisissez une lettre et dressez une liste de mots commençant par cette lettre. Essayez de mélanger des noms et des verbes. Lorsque vous avez une liste d'une quinzaine de mots, commencez à chercher des associations et des possibilités.
Bibliomancie
C'est l'un de mes préférés. Prenez un roman ou un livre de non-fiction. Posez une question sur l'histoire que vous voulez raconter. Tournez une page au hasard et pointez du doigt une phrase. Notez-la. Recommencez. Cherchez des possibilités dans la juxtaposition de ces deux phrases et le problème que vous essayez de résoudre.
Photos
Cette approche de la bibliomancie fonctionne également avec les images. Procurez-vous une grande collection de photographies, de préférence des photos qui ne sont pas toutes sur le même thème. Notez le problème que vous essayez de résoudre et feuilletez une photo. Examinez-les attentivement et vous verrez probablement votre esprit appliquer le contenu de la photo pour créer des réponses possibles à votre problème.
Stratégies obliques
Dans les années 1970, Brian Eno et Peter Schmidt ont créé un jeu de cartes, dont chacune présentait une sorte de contrainte, destiné à débloquer les artistes en les encourageant à aborder les problèmes sous un angle différent. Vous pouvez générer des choix aléatoires à partir du jeu de cartes en cliquant ici.
Il existe d'innombrables contraintes que les artistes et les écrivains peuvent appliquer à leur processus. L'entrée "Écriture à contraintes" de Wikipédia en énumère un certain nombre ; cliquez ici pour la lire.
Contraintes de dessin
Limitez les outils que vous utilisez
Certains des plus grands progrès que j'ai réalisés en tant que dessinateur sont venus du fait que je me suis imposé des restrictions sur les outils que je m'autorisais à utiliser. J'ai dessiné des histoires dans lesquelles je m'imposais de référencer chaque personnage avec une photo. Dans d'autres histoires, je ne me suis pas autorisé à utiliser la moindre photo. J'ai essayé des pages où je n'utilisais qu'un pinceau, ou qu'un stylo-plume, ou que deux marqueurs. Vous pouvez également faire cela avec du papier. Fixez-vous comme règle de ne dessiner qu'à l'encre de Chine sur du papier blanc très texturé pour toutes les scènes du présent, tout en dessinant vos flashbacks avec un lavis d'encre gris foncé sur du papier teinté lisse, et ajoutez des rehauts de blanc à la gouache.
Technique de restriction
J'ai obtenu d'excellents résultats en établissant des règles limitant les types de marques que je peux utiliser dans une scène ou une histoire. L'une de ces règles interdisait les hachures et les hachures croisées. Je ne pouvais utiliser que des contours simples et des zones de noir solide. Regardez comment des artistes comme Chris Samnee et David Lloyd ont éliminé complètement les contours dans certaines histoires. D'autres artistes ne s'autorisent qu'à dessiner avec des contours non marqués et ne représentent absolument pas les ombres et les lumières. Les artistes qui travaillent en couleur peuvent n'utiliser que des couleurs plates dans une histoire. Ils peuvent aussi limiter leur palette à quelques teintes. Chaque scène peut être associée à sa propre couleur symbolique ou littérale. Une histoire peut être soigneusement colorée au trait, définissant la couleur locale de chaque objet individuel sur une page, tandis qu'une autre peut laisser la couleur se répandre librement sur les formes, liant des plans entiers de profondeur et ne définissant que les zones de focalisation.
Si l'histoire n'exige pas de précision ou d'exactitude, vous pouvez ne pas crayonner du tout, mais dessiner directement à l'encre et incorporer les lignes de construction ou les erreurs dans l'aspect général de l'œuvre.
Vous pouvez fixer des règles pour la perspective. Dans Superior Foes of Spider-Man, j'ai dessiné la majeure partie de la bande dessinée en suivant les règles de la perspective académique normale. Mais pour quelques séquences fantaisistes que je voulais faire ressembler à un jeu vidéo à défilement latéral, je suis passé à la perspective isométrique (un type de dessin où les lignes parallèles restent parallèles plutôt que de converger vers un point de fuite). Vous pouvez décider que toutes vos scènes seront vues d'un certain point de vue : le point de vue d'un enfant, par exemple, ou bien raconter l'histoire en regardant tout depuis le niveau du sol, comme le point de vue d'une personne dans la fosse d'orchestre d'un théâtre qui regarde la scène.
Vous pouvez établir des règles pour la mise en page. Décidez que chaque page est conçue autour d'une image centrale importante et que tous les autres panneaux sont plus petits et moins importants. Vous pouvez aussi vous limiter à une grille formelle et faire en sorte que toutes vos pages s'inscrivent dans ce cadre. Sur mon projet actuel, The Fix at Image, la plupart des pages sont construites à partir d'une grille 4×4 : quatre rangées de quatre panneaux chacune. Comme je ne fais pas beaucoup de pages de 16 panneaux, je combine généralement certains de ces panneaux dans des mises en page comme celles-ci :
Les principales exceptions à cette règle sont les pages de garde et les doubles pages. The Fix est plein de conversations et d'actions et de mouvements subtils, mais dans presque chaque numéro, nous avons eu une éruption d'activité qui fait la part belle au burlesque et aux gestes amples. Pour ces scènes, nous abandonnons le disciple de la grille 4×4 et nous nous lançons dans une grille complètement différente.
Appliquer une structure formelle
Peut-être votre histoire commencera-t-elle par un splash, puis la page deux comportera deux panneaux, la page trois, trois panneaux, la page quatre, quatre, et ainsi de suite jusqu'à la page dix, où chaque page comportera un panneau de moins et l'histoire se terminera par un autre splash. Ou peut-être que chaque page est un coup d'éclat.
Chaque scène peut commencer par un plan d'une rue de la ville. Ou bien chaque scène peut se terminer par un plan du temps qu'il fait. Chaque page de droite pourrait comporter un grand panneau fin qui communiquerait l'état émotionnel du personnage principal. Vous pouvez également introduire un refrain visuel. Family Man de Dylan Meconis comporte souvent des pages de garde qui se concentrent sur des objets ronds et blancs, en plein centre de la page.
Vous pourriez utiliser les décennies comme structure et faire en sorte que chaque scène reflète subtilement ce qui s'est passé dans l'histoire au cours d'une décennie différente. Vous pouvez aussi commencer chaque chapitre par sa fin, puis remonter dans le temps pour révéler comment votre personnage est arrivé là.
La romancière et essayiste Zadie Smith qualifie ce type de structure imposée d'"échafaudage".
Chaque fois que j'ai écrit un long texte de fiction, j'ai ressenti le besoin d'une quantité énorme d'échafaudages. Pour moi, l'échafaudage se présente sous plusieurs formes. La seule façon d'écrire ce roman est de le diviser en trois sections de dix chapitres chacune. Ou en cinq sections de sept chapitres. Ou bien la réponse est de lire l'Ancien Testament et de modeler chaque chapitre sur les livres des prophètes. Ou les divisions de la Bhagavad Gita. Ou les Psaumes. Ou Ulysse. Ou les chansons de Public Enemy. Ou les films de Grace Kelly. Ou les quatre cavaliers de l'Apocalypse ...
L'échafaudage maintient la confiance quand on n'en a pas, réduit le désespoir, crée un objectif, aussi artificiel soit-il, un point final.
Et cela m'amène à la partie la plus importante de tout ceci. Toutes ces règles et restrictions sont là pour vous aider à créer un meilleur travail. Il est tout à fait possible de se fixer des règles et d'apprécier les nouveaux sauts fascinants que prend votre travail lorsque vous le faites rebondir sur les structures que vous avez érigées. Mais si le respect d'une règle implique de faire quelque chose qui ne fonctionne pas, ignorez-la. Supposons que votre règle soit "pas de hachures ou de hachures croisées, seulement des contours fins et des zones de noir solide". Au bout de 50 pages, vous avez besoin de gris pour clarifier un point important de l'histoire dans un panneau important, et vous ne pouvez pas résoudre le problème avec du noir et blanc ? Hachurez, et sentez-vous bien, sachant que votre tâche principale est de raconter l'histoire. La règle n'est là que pour vous aider à unifier vos pages et à faire avancer les choses. Comme le dit Smith :
Plus tard, lorsque le livre est imprimé, vieux et raturé, je me rends compte que je n'avais vraiment pas besoin de cet échafaudage. Le livre aurait été bien meilleur sans cet échafaudage. Mais lorsque je l'ai mis en place, il m'a semblé vital, et une fois qu'il était là, j'avais travaillé si dur pour y arriver que j'avais horreur de l'enlever. Si vous êtes en train d'écrire un roman et que vous montez un échafaudage, j'espère qu'il vous aidera, mais n'oubliez pas de le démonter plus tard.
Avez-vous utilisé des contraintes dans votre propre travail ? N'hésitez pas à me contacter et à me le faire savoir ! Vous pouvez me joindre sur Twitter @steve_lieber ou sur Facebook.
Le Dilettante de Steve Lieber paraît le deuxième mardi de chaque mois ici sur Toucan !