CARRUSEL DE JESSE HAMM
Carrusel 003: Dibujar a partir de la observación
Hay muchas formas de mejorar el dibujo: leyendo artículos, practicando con el cuaderno de bocetos, asistiendo a clases... y cada método añadirá sus propias flechas a tu carcaj. Pero, por encima de todo, yo diría que el camino más eficaz para mejorar es dibujar a partir de la observación. Es decir, observar un tema e intentar plasmar en papel lo que ves. El dibujo de observación te obliga a reconocer la diferencia entre el aspecto de las cosas y cómo las dibujas, y te reta a cerrar esa brecha. Cerrar esa brecha no es el objetivo del arte, pero es el ejercicio calisténico que sustentará todo lo demás que hagas.
A menudo nos dan consejos sobre cómo practicar el dibujo observacional. Muchos de estos consejos son válidos, pero otros pueden conducirnos por caminos inútiles y hacernos perder el tiempo. Me gustaría explicarte cómo evitar esos escollos y asegurarte de que sacas el máximo partido a tu práctica.
Un consejo que veo a menudo es "¡Siempre dibujando!". Se aconseja a los estudiantes que lleven consigo un cuaderno de bocetos de bolsillo a todas partes y que dibujen en cada momento libre del día. Las recompensas de este método son evidentes, pero hay problemas ocultos.
En primer lugar, nos molestan las tareas mal definidas. ¿Cómo se puede dibujar "siempre"? Si dibujo sentado en la parada del autobús, pero no en el parque, ¿he fracasado? Es difícil sentirse bien con el oficio si cada momento que se pasa lejos de él provoca culpa. En lugar de eso, te recomiendo que elijas ocasiones en las que sepas que dibujar sería gratificante -por ejemplo, una visita a un museo- y que sólo en esas ocasiones lleves un cuaderno de dibujo contigo. El resto del tiempo, déjalo en casa. Este enfoque crea objetivos alcanzables. (También significa que no estás limitado a cuadernos de dibujo lo bastante pequeños como para llevarlos contigo a todas partes).
Otro problema del método "dibujar siempre" es que nos anima a dibujar a la gente que vemos cuando estamos fuera. Pero esas personas no son modelos; cambian de posición constantemente. Y cuando se mueven, solemos continuar el dibujo de memoria, supliendo la información que falta con nuestras ideas existentes sobre el aspecto de las personas. De este modo, pasamos por alto la razón por la que empezamos a dibujar: sustituir nuestras ideas erróneas sobre el aspecto de las cosas por información precisa del mundo exterior. Es como si tomáramos apuntes de una clase de ciencias durante una tormenta, adivinando alegremente las partes que no somos capaces de oír. "El punto de ebullición del agua es de [SEISCIENTOS CUARENTA] grados; su punto de congelación es de [QUIZÁS EL DOBLE]...". Y lo que es peor: lo hacemos con la confianza de que estamos mejorando y de que las imágenes que anotamos en nuestros cuadernos son fiables.
Hay muchas otras oportunidades para dibujar de memoria, pero cuando dibujamos de la vida, entramos en una mentalidad didáctica, en la que es importante protegerse de la mala información. Puede que merezca la pena anotar algunos detalles de los transeúntes, como un bolso interesante, una postura única o una silueta, pero yo advertiría a los alumnos que anotaran sólo esos pocos detalles candentes que llaman la atención, sin rellenar el resto de la figura de memoria. Por lo general, es mejor dibujar sobre el terreno para captar el paisaje: plantas, rocas, vehículos, arquitectura... cualquier cosa que permanezca inmóvil para que se pueda registrar fielmente.
Otro consejo dudoso: "¡Dibujar del natural es mucho mejor que dibujar a partir de fotos!". Este consejo viene, supongo, del hecho de que hay ciertos inconvenientes en dibujar a partir de fotos (de los que hablaré más adelante). Pero ignora el hecho de que también hay inconvenientes en dibujar del natural. En primer lugar, ni siquiera los mejores modelos pueden mantener poses dinámicas durante mucho tiempo. Si quieres aprender a dibujar a alguien saltando, por ejemplo, es mucho mejor que consultes fotos o un vídeo. Además, los modelos reales vestidos son poco comunes, sobre todo si la ropa que quieres dibujar es de una época pasada o de un lugar lejano. En esos casos, una búsqueda de imágenes en Google o una película de época te ofrecerán más que cualquier sesión de dibujo al natural. (Lo mismo ocurre con las plantas exóticas, los paisajes, la arquitectura, etc.) Además, los modelos profesionales suelen tener un rango de edad y un tipo de cuerpo muy reducidos. Si quieres dibujar niños, ancianos o personas con sobrepeso, encontrarás más ejemplos en fotos o películas. La luz tenue también es difícil de dibujar en persona. Intenta dibujar en vivo una habitación oscura: ¡no podrás ver tu tableta! Incluso si entrenas una luz sobre tu papel (o utilizas una tableta electrónica), la luz que rebota en la tableta arruinará las sombras que intentas capturar. Por último, las sesiones en directo pueden ser caras y difíciles de conseguir. Incluso en las mejores épocas, pocos artistas pueden asistir a más de una sesión a la semana. Las fotos, en cambio, pueden consultarse en cualquier momento.
Como he mencionado antes, las fotos también tienen sus inconvenientes. Las fotos de objetos cercanos suelen estar distorsionadas. Además, las fotos son bidimensionales, por lo que no podemos verlas en "estéreo", como observamos los objetos tridimensionales en la vida real. Aunque sutil, ese extra de profundidad que obtenemos al ver un objeto desde dos puntos de vista (nuestros ojos derecho e izquierdo) puede ayudarnos a representar objetos con más profundidad de la que podemos conseguir dibujando a partir de una foto. (Ciertas partes resaltan más en persona, lo que nos lleva a enfatizar sus señales de profundidad en el dibujo). La intemporalidad de las fotos también puede ser un inconveniente. La luz cambiante del sol o el cansancio del modelo imponen límites de tiempo naturales a un dibujo al natural; estos límites te obligan a tomar decisiones audaces e intuitivas que no se te ocurrirían si el tiempo estuviera de tu parte, como cuando dibujas a partir de una foto. Además, las fotos vienen con muchas opciones preestablecidas (como dónde colocar al espectador o recortar la imagen), que idealmente debería tomar el artista.
Los métodos de aprendizaje pasan de moda en moda, pero todos tienen inconvenientes y ventajas. Los métodos que sigas no deben estar determinados por lo que se suele aconsejar, ni siquiera por lo que te convenga a ti (ya que aprender consiste en crecer más allá de lo que nos conviene), sino más bien: ¿qué se adapta a tus objetivos? Encuentra los métodos que mejor te lleven a tu meta, modifícalos si es necesario y ¡lánzate a la tormenta!
Hasta el mes que viene,
Jesse
El Carrusel de Jesse Hamm aparece el segundo martes de cada mes en Tucán.